by Lex Ivian | Sep 12, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
FINSTERFORST
«#YOLO»
Napalm Record
Septembre 2016
Liste des pièces
1. «Bottle Gods»
2. «Auf die Zwölf»
3. «#YØLØ»
4. «Hangover»
5. «Wrecking Ball»
6. «Beat It»
7. «Der durch die Scheibeboxxxer»
8. «Flasche leer»
9. «Das schlimmste ist, wenn das Bier alle ist»
10. «Wild Rover»
Quand j’ai reçu le nouvel album de FINSTERFORST, je me suis dit que j’étais pour écouter ça tout de suite puisque le groupe allemand mentionnait que c’était l’album qu’il avait toujours voulu faire et après avoir écouté l’extrait sur youtube, je me préparais pour un beau petit voyage. J’étais toutefois surpris et inquiet de voir sur la pochette que le viking était passé au sombre royaume et avait été remplacé dans la lumière par un hipster qui aurait été plus à sa place sur un album de LMFAO.
Mon inquiétude prémonitoire s’est rapidement confirmée en certitude et l’album n’a réussi à garder mon attention que le temps des deux premières pièces. Ensuite, c’est devenu un peu n’importe quoi avec des covers qui minent l’atmosphère de l’album. Je ne crois pas que la reprise de «Beat It» amène quoi que ce soit et encore moins «Wild Rover» dont je me souviens de la version par The Pogues qui était beaucoup plus pertinente et juste comme ça, sans l’accent irlandais, ça perd de son charme. Et sérieusement, «Wrecking Ball» de Miley Cyrus…
J’imagine que l’idée de faire ce genre d’album a pu paraître bonne quelque part dans un bureau mais je suis désolé, je n’ai pas accroché. Pourquoi prendre la peine d’en parler? Tout simplement parce que c’est décevant de voir des vétérans faire un album aussi quelconque. Aucune des reprises ne porte vraiment la touche de FINSTERFORST et les chansons originales sont ordinaires à part les deux premières qui sont entraînantes surtout «Bottle Gods» à cause de la présence de la trompette et de l’accordéon principalement.
Le promo kit disait
«Love it or Leave It»
I’ll leave it
Lex Ivian
When I received the new FINSTERFORST album, I thought I was to listen to it right away because the German group states that it is the album they always wanted to do and after listening to the extract on youtube, I was preparing myself for a nice little trip since it sounded like what I heard on «Mach Dich Frei». I was however surprised and a bit concerned to see on the album cover that the Viking moved down to the Dark Kingdom and had been replaced in the light by a hipster who would have been better of on an album of LMFAO.
My concern about the signification of the presence of this creep on the sleeve was quickly confirmed and the album only managed to keep my attention for the first two songs. Then it became a little like listening to karaoke with covers that undermine the atmosphere of the album. I do not think the cover of «Beat It» brings anything to music in general, much less «Wild Rover» of which I remember the version by The Pogues which was much more relevant and just like that, without an Irish accent, it loses its charm. And seriously, Miley Cyrus‘ «Wrecking Ball»…
I guess the idea of this kind of album looked appealing in some office but I’m sorry, I have not been hooked. Why bother to talk about it then? Just because it is disappointing to hear such an album. None of the covers really carry the FINSTERFORST vibe and the original songs are ordinary and could be left over tracks from «Mach Dich Frei» but still I liked the first two, especially the catchy «Bottle Gods».
The promo kit I received says
Love it or Leave It
I’ll leave it
Lex Ivian
by Blytch | Sep 12, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
ALEX CORDO
«Origami»
M & O Music
Septembre 2016
Liste des pièces
1. «Straight»
2. «Above The Clouds»
3. «Memories»
4. «Hands Up»
5. «Himalaya»
6. «Sunny Day For An Opossum»
7. «Prism»
8. «The Crash Test»
9. «Time For Redemption»
*Scroll down for English version. Translation by Lex Ivian
Son financement participatif à peine terminé, nous voici déjà en train de chroniquer «Origami» du guitariste français ALEX CORDO, notamment connu pour sa rubrique mensuelle sur le DVD Guitar Part. Il signe ainsi son premier album de compositions originales, après «Classics», axé lui sur des réinterprétations.
Le premier morceau, «Straight», donne d’entrée le ton et l’on ne va donc pas garder le secret jusqu’au bout du disque, ce dernier s’avérant cent pour cent instrumental. Il convient d’ailleurs de préciser qu’ALEX CORDO, en plus d’en être le compositeur, joue lui de la guitare et s’est adjoint les services de véritables musiciens ayant enregistré leurs parties en studio, en l’occurrence Ludo Chabert à la basse et Mike Pastorelli à la batterie. Il ne s’agit pas d’un logiciel de musique derrière, mais de sons sortis par les instruments de véritables humains. Ceux-ci déploient grandement leurs forces au cours de cette même première piste, où la puissance du Metal a été privilégiée afin d’immédiatement mettre les auditrices et auditeurs dans le bain. On laisse alors un peu passer la tempête via «Above The Clouds», qui calmera clairement le jeu, avant néanmoins de se lâcher en fin de parcours, avec un solo technique et relevé. Après l’enchaînement de deux chansons vigoureuses, «Memories» et «Hands Up», on reprendra ses esprits avec la généralement délicate «Himalaya», la plus longue de cet «Origami», à l’instar de la hauteur du sommet de cette montagne.
On transite par un cap davantage énergique via «Sunny Day For An Opossum», avant d’être atteint par le «Prism» de la mélancolie. Les atmosphères changent de plus en plus régulièrement, tout en évoluant continuellement au sein de chaque pièce. Et après ces ambiances bien distinctes, on navigue à nouveau vers une impressionnante force Metal au sein de «The Crash Test», un univers pas fait pour les dummies. La conclusion est plus douce, avec «Time For Redemption» préférant nous laisser sur un air plus porté sur la réflexion que la dévastation, contrairement à son prédécesseur.
Tel un «Origami», les pistes se plient et se déplient sous la houlette d’ALEX CORDO, afin de s’imbriquer comme il se doit pour qu’il en résulte quelque chose de simple à appréhender, mais dont l’on sent néanmoins toute la complexité de la construction pour en arriver à cette finalité.
Blytch
His crowdfunding campaign barely finished, I am already in the process of reviewing «Origami» by the French guitarist ALEX CORDO, best known for his monthly column on the DVD «Guitar Part». He just released his first album of original material after «Classics» focused on reinterpretations of classics as the title says.
The first song, «Straight», gives the tone and therefore no need to keep the secret until the end of the album; it is one hundred percent instrumental. It also should be noted that ALEX CORDO, in addition to being the composer, plays the guitar and enlisted the services of real musicians who have recorded their parts, in this case Ludo Chabert playing bass and Mike Pastorelli on drums. These guys greatly deploy their forces in this first track, where the power of Metal was privileged to immediately challenge the listeners. We get out of the eye of the storm with «Above The Clouds», which clearly will calm the game, before nevertheless letting it go in the end with a technical solo. After the sequence of two strong songs, «Memories» and «Hands Up», we get back all our senses with the generally delicate «Himalaya», the longest of this «Origami», like the peak of this great mountain.
A more aggressive pace is brought with «Sunny Day For An Opossum» before being hit by the «Prism» of melancholy. The atmospheres are changing more and more regularly, while moving constantly in each song. And after these distinct ambiances, we sail back to an impressive Metal drive in «The Crash Test», a universe not for dummies. The conclusion is softer, as «Time For Redemption» leaves us on a more reflective that devastative feeling.
Like a beautiful work of «Origami», the tracks will fold and unfold under the leadership of ALEX CORDO to result in something simple to understand, but that nevertheless shows the complexity of the building process to reach this goal.
Blytch
by Louis Olivier Brassard Gelinas | Août 19, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
FORTERESSE
«Thèmes pour la Rébellion»
Sepulchral Productions
Juin 2016
Liste des pièces
1- «Aube de 1837»
2- «Spectre de la Rébellion»
3- «Là Où Nous Allons»
4- «Par la Bouche de mes Canons»
5- «Le Sang des Héros»
6- «Forêt d’Automne»
7- «Vespérales»
8- «Le Dernier Voyage»
*Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian
Comment FORTERESSE, groupe phare du mouvement Métal Noir Québécois, ayant même créé ladite appellation avec le titre de son premier long-jeu en 2006, pouvait-il faire pour surprendre encore avec son cinquième album complet en 2016? La précédente question était celle que j’avais à l’esprit lorsque je reçus ma copie virtuelle promotionnelle de «Thèmes pour la Rébellion» superbement illustrée par une peinture du peintre Joseph Légaré. Puis, je cliquai sur le tout aussi virtuel bouton «lecture» et la réponse me frappa les oreilles après une courte introduction atmosphérique. Tout simplement, FORTERESSE n’avait qu’à épurer et augmenter l’intensité de sa recette éprouvée pour nous pondre un véritable chef-d’œuvre.
En effet, la première chose que le connaisseur remarquera à l’écoute de ce nouvel opus flamboyant est que FORTERESSE a délaissé son côté «atmosphérique» prépondérant sur ses trois derniers long-jeux pour une formule beaucoup plus agressive se basant toujours sur des motifs de guitare cycliques de Matrak et Moribond et les rythmiques pleines de Fiel surplombant les voix râpeuses réverbérées de Athros, mais avec une rapidité et une constance beaucoup plus accentuée que par le passé. Le résultat est donc un album dépouillé d’interludes de rigodons, mais garni d’un concentré de pièces rapides et agressives livrées avec une efficacité et une exécution sans failles, notamment en ce qui à trait au jeu de batterie magnifique de Fiel. L’approche axée sur la violence et la puissance adoptée par le quatuor vient donc très bien complimenter la thématique de l’album qui traite principalement des rébellions de 1837-1838 au Bas-Canada. FORTERESSE s’illustre aussi sur cette nouvelle galette avec un superbe son, ayant fait appel aux services réputés de Tore Stjerna au Studio Necromorbus de Suède pour le mixage et le mastering. On a donc droit à une production magnifiquement équilibrée entre une qualité sonore étoilée et un côté sale et méchant typiquement Black Metal. Le résultat final est donc un opus incontournable et un autre point de référence dans la courte histoire du Métal Noir Québécois.
En somme, aucun amateur de Métal Noir Québécois ne devrait passer à côté d’un album aussi réussi et marquant que «Thèmes pour la Rébellion». Avec une approche plus agressive, plus efficace et un son tout simplement épique, les membres de FORTERESSE prouvent qu’ils sont toujours bien en avant dans le peloton de tête du mouvement qu’ils ont défriché!
9,5/ 10
Louis-Olivier «Winterthrone» B. Gélinas
How FORTERESSE, flag bearer of the Métal Noir Québécois movement, who even created the aforementioned name with the title of its debut album in 2006, could surprise again with its fifth full album in 2016? This question was on my mind when I received my promotional digital copy of «Thèmes pour la Rébellion», beautifully illustrated by a painting of Joseph Légaré. Then I clicked on the «play» button and the answer hit my ears after a short atmospheric introduction. Seems that FORTERESSE only had to purify and increase the intensity of its proven recipe to create a real masterpiece.
Indeed, the first thing the aficionado will note listening to this new flamboyant album is that FORTERESSE has abandoned its «atmospheric» side proeminent over its last three albums for a much more aggressive delivery relying still on the cyclical guitar patterns of Matrak and Moribond and the rhythmic full of Fiel overlooking the raspy reverberated voice of Athros, but with a much enhanced speed and consistency than in the past. The result is an album stripped of folkloric interludes, but filled with a concentrate of quick and aggressive songs delivered with efficiency and flawless execution, particularly in respect to Fiel‘s magnificent drumming. The approach, focused on violence and power, adopted by the quartet thus carries very well the theme of the album that deals primarily with the 1837-1838 rebellion in Lower Canada. FORTERESSE also shines on this new album with a superb sound, brought forth by the mixing and mastering of Tore Stjerna, renowned sound engineer at Studio Necromorbus in Sweden. Therefore the album was entitled to a beautifully balanced production between a five-stars sound quality and a dirty and nasty side typically Black Metal. The end result is a must-get album and another reference point in the short history of Métal Noir Québécois.
In short, no fan of Métal Noir Québécois should pass aside an album as successful and prominent as «Thèmes pour la Rébellion». With a more aggressive and more efficient approach coupled with a sound simply epic, the members of FORTERESSE prove that they are still well ahead in the forefront of the movement they have helped create!
9,5/ 10
Louis-Olivier «Winterthrone» B. Gélinas
by Lex Ivian | Août 14, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
ILSA
«The Felon’s Claw»
A389 Recordings
Mai 2015
Liste des pièces
1- «Oubliette»
2- «25 Cromwell»
3- «Smoke Is The Ghost Of Fire»
4- «Buried In The Bedrock And Concrete Of Our Cities»
5- «Pandolpho»
6- «Pass Out»
7- «Enter The Void»
8- «Armstrong’s Mixture»
9- «Katabasis»
10- «Song Of The Saw-Blade»
*Scroll down for English version
Ohhhhhh!! Si vous cherchez quelque chose de pesant, je crois que c’est ici que votre quête se termine.
«The Felon’s Claw» le quatrième album du groupe états-unien ILSA vient de tomber dans mes oreilles et il a tellement le son downtuné que ça n’a quasiment pas de sens. J’ai l’impression d’entendre la membrane du subwoofer des hauts-parleurs vibrer comme lorsqu’elle est déchirée. Pourtant, c’est vraiment parfait et ça ajoute une facette particulière à sa musique qui n’est pas très compliquée et s’appuie beaucoup sur la rythmique.
«Oubliette» débute l’album pesamment, tranquillement puis enchaîne avec un beat Crust, et je le répète… Le son est tellement gras et pesant. La seule chose aigüe est le vocal écorché d’Orion.
«25 Cromwell» nous amène du côté Doom de leur style.
Les deux premières pièces permettent d’entrevoir l’étendue de leur registre qui navigue entre le Doom et le Crust mais il se passera également plein d’autres choses dans cet album dont une maudite bonne dose de gros rock sale.
«Pandolpho» est la plus catchy avec sa première partie stoner rock qui donne le goût de se branler la tête et les fesses au rythme de la musique mais comme pour toutes leurs compositions rien ne dure et elle évolue vers un Doom totalement déchiré et dépressif rehaussé par les cris d’agonie d’Orion.
Le début de «Enter the Void» m’a fait penser à «Troops of Tomorrow» (originalement composée par The Vibrators mais probablement plus connue pour la reprise que The Exploited en a faite) dans sa rythmique de batterie mais également par son côté répétitif et hypnotisant.
Que ce soit dans les moments les plus lents ou dans les plus rapides de leurs compositions, la tonalité est parfaite et permet de bien suivre les instruments même si à la première écoute, on les perd dans le faux-fondu créé par l’édition et le mixage des pièces.
L’album se termine avec la pièce la plus groovy du lot et bien que répétitive, elle fait la job car elle a un petit côté catchy.
L’univers d’ILSA est glauque à souhait et la production finale de sa musique sert très bien cet univers. D’ailleurs afin de mieux sentir cet univers glauque, j’ai recherché le sens du titre de certaines compositions qui m’intriguaient et, pour ceux que ça intéresse….
– «25 Cromwell» est l’adresse du couple de psychopathes Fred et Rose West qui ont assassiné, démembré et enterré au sous-sol neuf personnes;
– «Armstrong’s mixture» est un explosif hautement réactif à base de phosphore et chlorate de potassium;
– «Katabasis» or catabasis (from Greek κατὰ «down» and βαίνω «go») peut-être interprêté comme une déchéance ou une descente aux Enfers;
– «Pandolpho» est une adaptation de la chanson «Pour Down You Powers Divine» de Robert Parsons écrite au XVIème siècle qui raconte les tourments du personnage central de la chanson Pandolpho…
Je termine en vous suggérant de donner une chance à ILSA si vous êtes un fan de Doom et de Crust à la Amebix mais également si vous aimez le type de son que Crowbar ou Bolt Thrower nous offrent. Depuis, le groupe a sorti un split avec Coffins et il aura une pièce exclusive sur le cd promo du prochain Decibel Magazine. Je vous en parlerai peut-être mais faites-vous donc votre propre idée.
Lex Ivian
Ohhhh!! If you are looking for something heavy, I think this is where your search ends.
«The Felon’s Claw», the fourth album of the US group ILSA just fell in my ears and it sound is so much downtuned that it hit you right in the guts. It feels like subwoofers skin vibrates like when torn. Yet it is really perfect as it adds a dark gloomy aura on the music.
«Oubliette» starts the album heavily but slowly before exploding in a Crust beat, and I repeat it… The sound is so low and heavy. The only thing that is high pitch is Orion‘s vocals.
«25 Cromwell» leads us on the Doom side of ILSA‘s music.
The first two songs shows the extent of their musical range which sails between Doom and Crust but ILSA also offers a good dose of greasy dirty rock.
«Pandolpho» is the catchiest one with its beginning in a stoner rock fashion making me headbang slowly to the rhythm of music but as for all the compositions on this album, nothing lasts and it evolves into a Doom completely depressive and tortured enhanced by Orion‘s screams of agony.
The beginning of «Enter the Void» reminded me «Troops of Tomorrow» (originally composed by The Vibrators but probably best known for the cover made by The Exploited) in its drum line, but also by its repetitive hypnotizing side.
Whether in the slower or the fastest parts of their compositions, the tone is perfect and though at first listen I felt I was losing instruments in the mix, it just fell in place after a couple more listenings.
The album ends with the grooviest song of the lot and although repetitive, it did the job with its little catchy side.
Their universe is dark and gloomy, and the sound of their music darkens it. This gloomy feeling got me curious and I sought the meaning of the title of some compositions that intrigued me, and for those interested….
– «25 Cromwell » is where lived the couple of psychopaths, Fred and Rose West, who murdered, dismembered and buried nine persons in its basement;f
– «Armstrong’s mixture» is a highly reactive explosive composed on phosphorus and potassium chlorate;
– «Katabasis» or catabasis (from Greek κατὰ «down» and βαίνω «go») may be interpreted as a fall or a descent to Hell;
– «Pandolpho» is an adaptation of Robert Parsons‘ song, «Pour Down You Powers Divine», written in the sixteenth century which tells the torment of Pandolpho, the main character of the song.
I conclude by suggesting that you give a chance to ILSA if you are a fan of Doom and Crust like Amebix and also if you like the type of sound Crowbar and Bolt Thrower offer. Since this album, ILSA released a split with Coffins and it will have an exclusive song on the next Decibel Magazine‘s promotion CD. I might talked to you again about ILSA but I suggest you get your own idea about ILSA with the bandcamp player accompanying this text.
Lex Ivian
by Lex Ivian | Août 12, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
AUTHOR & PUNISHER
«Melk En Honing»
Housecore Records
2015
Liste des pièces
1- «The Barge»
2- «Cauterize»
3- «Shame»
4- «Future Man»
5- «Disparate»
6- «Callous and Hoof»
7- «Teething»
8- «Void, Null, Alive»
*Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian
Je n’ai aucune idée par où commencer pour vous parler de cette découverte que Lex m’a envoyée. Peut-être que plusieurs d’entre vous le connaissez déjà. C’est un artiste extraordinaire, je vous le présente, c’est Tristan Shone, un ingénieur mécanique qui vient de San Diego aux États-Unis et qui a décidé il y a environ une dizaine d’années de se concentrer à la sculpture et l’art. Il a découvert que ses oeuvres pourrait lui permettre de créer de la musique et il est maintenant à lui seul AUTHOR & PUNISHER. Il a exploré et crée diverses machines/masques qu’il utilise comme instruments de musique. Il est ce que l’on pourrait appeler un concepteur sonore à un niveau plus que professionnel. Il a sorti, en 2015, l’album «Melk En Honing» sur le label Housecore Record. Il est assez difficile d’expliquer la complexité de son exploration musicale, car comme mentionné plus haut, il n’utilise aucun instrument.
Donc, l’album commence avec la pièce «The Barge», une chanson sombre, où on l’entend chanter voire crier. Le bruit de fond ressemble à du violon accompagné de pulsations percutantes. J’aime beaucoup le mélange de style Industriel qui se mélange au Doom Metal. La deuxième pièce, «Cauterize» est très différente du côté vocal. Je trouvais que sa voix était plus clean un peu à la Pantera. J’ai un peu de difficulté à décrire le bruit qui ressemble à un instrument à cordes avec un effet très distorsionné. C’est étrange, mais vraiment cool.
La troisième pièce, «Shame» est l’une de mes pièces favorites. J’aime les deux sortes de voix qui s’accompagnent: les voix mélodieuses comme un chorus et la voix du chanteur seule. Il y a des moments d’accalmies avec un son qui ressemble à du piano. C’est vraiment une belle pièce complète. J’ai trouvé que la quatrième pièce, «Future Man» ressemblait légèrement à la deuxième sur le point musical. Mais, j’ai bien aimé l’amplification dans sa voix qui ajoute un effet de chorus.
On continue l’écoute avec la pièce «Disparate». C’est pour moi la pièce la plus sombre et si je n’avais pas su que c’était des machines qui faisaient la musique, je n’aurais jamais deviné. C’est une pièce très lugubre avec beaucoup de Noise bien qu’elle soit à la fois très clean. On entend un son de guitare, du piano, etc. Les sons qu’on perçoit sont clairs et ne semblent pas être des machines. Oui, on peut penser qu’il y a des synthétiseurs, mais c’est vraiment fascinant à l’écoute.
La sixième pièce «Callous and Hoof», est un bordel harmonique qui nous est garroché dans la face. Elle commence très smooth et bam, un mélange de Noise et de Pantera totalement démentielle commence. WOAH!!! C’est vraiment malade. Cette pièce est autant rapide et intense que smooth et il y a tellement de variations musicales. Je me dis qu’il doit être réellement brûlé après un spectacle s’il contrôle toutes ses machines là en même temps. Sérieusement, c’est un superman, ce mec.
L’avant-dernière pièce, «Teething» est plus Industriel/Doom. C’est elle que j’ai trouvé la moins intéressante de tout l’album. Je ne sais pas si elle manquait de rythme ou de musicalité. Je n’ai accroché qu’à la fin quand j’ai entendu un solo de guitare. Mais à peine une minute plus tard, elle était terminée.
On termine l’album avec la pièce «Void, Null, Alive». Une pièce qui termine bien l’album avec une musicalité brutale et hors du commun. À la moitié de la pièce, il y a une accalmie musicale plus pesante et lente. Je trouve personnellement que cette pièce représente tout le talent de Tristan. Il peut se promener dans toutes les rythmiques possibles et imaginables. Ils changent ses intonations de voix comme un pro. Les variations musicales n’ont pas l’air d’être juste synthétiques. Ça a vraiment l’air d’un groupe de musique complet avec guitare, basse, drums, et chanteur.
Sérieusement, je lève mon chapeau à cet artiste. Il a construit ses propres instruments dans des matériaux hors du commun. Il est seul et unique dans son genre. Je suis un peu déçue qu’il soit venu deux fois à Montréal dernièrement et que je l’ai manqué les deux fois. Le prochain show, je ne le manque pas. Je vous laisse avec l’une de ses performances, où il présente ses instruments et si vous voulez en savoir plus cliquez ce lien vers une entrevue que Lex a réalisé avec Tristan lors de son passage aux Katacombes de Montréal.
Marie-Noëlle Anctil (Rédaction)
Lex Ivian (Correction et Édition)
I have no idea where to begin to talk to you about this album. Perhaps many of you already know AUTHOR & PUNISHER. For those who do not know this extraordinary artist, I present you Tristan Shone, a mechanical engineer who comes from San Diego and decided about ten years ago to focus on sculpture and art. He discovered that his works of art could allow him to create music and created the solo project, AUTHOR & PUNISHER. Through this ecclectic project, he created and explored various machines/masks he used as musical instruments. He is what one might call a sound designer at a level more than professional. I discovered him with the release in 2015 of the album «Melk En Honing» on the label Housecore Record. It is quite difficult to explain the complexity of his musical exploration, because as mentioned above, he does not use any known musical instruments. So let me interest you in this album.
Te album begins with the song «The Barge» a dark song, where we hear singing even scream. The background music sounds like violin accompanied by percussive pulsations. I love Industrial music mixed with Doom Metal. The second song, «Cauterize» is very different vocally. I thought his voice was a little more clean sounding a bit like Pantera. I have a little difficulty figuring the noise that sounds like a string instrument with a very distorted effect. It is strange, but really cool.
The third song, «Shame» is one of my favorite ones. I like both kinds of vocals used: the melodious voice as a chorus and the voice of the singer alone. There are quieter moments with a sound similar to the piano. It really is a beautiful and complete song. The fourth song, «Man Future» is slightly similar musically to the second one. But I liked the amplification in his voice that adds a chorus effect.
«Disparate» is for me the darkest track and if I had not known it was machines that produce the music, I never would have guessed. This is a very gloomy song with lots of Noise although both very clean. We hear a guitar sound, piano, etc. The sounds we perceive are clear and do not appear to be machines. Yes, one can think that this is synthesizers, but it is really a fascinating listening.
The sixth song «Callous and Hoof» is a harmonic orgy thrown right at our face. It starts very smoothly and bam, a mixture of Noise and Pantera totally insane begins. WOAH!!! This is really sick. This song is so rapid and intense and then so smooth. There are so many musical variations. This song made me think that he must be really burned out after a show if he controls all his machines simultaneously. Seriously, this guy is a superman.
The penultimate song, «Teething» is more Industrial/Doom. This is the least interesting one for me cause it kind of lacked rhythm or musicality but I was hooked at the end when I heard the guitar solo. Sadly just a minute later, it was over.
The album ends with «Void, Null, Alive». It closes nicely the album with a peculiar brutal musicality. In the middle of the song, there is a moment to breathe but heavier and slower. I personally find that this song represents all the talent of Tristan. He can venture in every conceivable rhythmic. He can change his voice intonations like a pro. His musical variations do not seem to be just synthetic. It really sounds like a full band with guitar, bass, drums, and singer.
Seriously, I tip my hat to this artist. He built his own instruments in unusual materials. There is only one of his kind. I am disappointed that he came twice to Montreal recently and I missed both times. The next show, be sure i will be there. I leave you with one of his performances, where he presents his instruments and if you want more information click this link to an interview conducted by Lex with Tristan during his visit to the Katacombes in Montreal.
Marie-Noëlle Anctil
by Lex Ivian | Août 11, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
MARUTA
«Remain Dystopian»
Relapse Records
Juin 2015
Liste des pièces
1- «Genocide Interval»
2- «Hope Smasher»
3- «The Void Within»
4- «Minimal Progress»
5- «Protocol For Self Immolation»
6- «Absolutist»
7- «Stride Endlessly Through Scorched Earth» (feat. Thomas Lindberg)
8- «Submergence aka Barren Oceans Of Infinity» (feat. J, Randall)
9- «Erode» (feat. J.R. Hayes)
10- «Stand In Defeat»
11- «Remnants Of Failed Utopia»
12- «The Usurper»
13- «Durandal»
14- «Psalm For The Withered»
15-«Retun To Zero»
16- «Slaying Jehova»
17- «Immune»
*Scroll down for English version
Après avoir sorti deux albums avec Willowtip Records («In Narcosis» (2008) et «Forward Into Regression» (2011), s’être séparé (2011) puis réuni (2012), le groupe de Deathgrind floridien MARUTA a signé avec Relapse Records et fait paraître au mois de juin 2015 son troisième album «Remain Dystopian». Pour l’occasion, le temps d’une pièce pour chacun, il s’est adjoint la collaboration vocale de Tomas Lindberg (At The Gates, Disfear) et J.R. Hayes (Pig Destroyer) en plus d’ajouter quelques couches de Noise courtoisie de Jay Randall (Agoraphobic Nosebleed). À noter que les deux derniers groupes sont également sur Relapse Records. Maintenant passons à l’album.
Êtes-vous prêt? Vous êtes mieux de l’être parce que MARUTA n’y va pas de main morte. Vous allez me dire, «c’est sûr, c’est du Deathgrind». Oui mais ici ce n’est pas seulement la rapidité qui assomme, c’est la succession de riffs tout aussi catchy les uns que les autres. En plus, on passe d’un riff à l’autre avec fluidité et – je vais dire ici un mot bizarre pour du Grind – harmonie. C’est parfaitement bien construit pour que les transitions jouent justement leur rôle au lieu de donner la sensation nauséeuse de nous lâcher dans le vide jusqu’au prochain riff.
La seule place où ils ont manqué leur coup… en fait, je ne devrais pas dire «manqué leur coup». Il serait plus juste de dire «la seule place où ils n’ont pas réussi leur coup», c’est avec les collaborations. J’avoue que ce sont des gros noms et que naturellement ça m’a créé des attentes, mais elles se sont dégonflés rapidement. Les deux collaborations vocales n’ont pas amené de particularités aux pièces. Déjà, Mitchell Luna utilise deux types de vocaux dont un couvre le côté aigu amené par les collaborateurs et ni Lindberg ni Hayes ne transcendent le genre pour faire une différence significative sur leur pièce respective. Ils ne font qu’ajouter une variante du scream aigu. Ça sent la collaboration intra-label afin de mettre des noms connus sur l’album d’un groupe qu’on veut promouvoir afin de créer une étoile montante. J’ai le même feeling pour la présence de Randall, le noisemaker d’Agoraphobic Nosebleed sur «Submergence aka Barren Oceans Of Infinity». Le fait qu’il fasse une outro de noise/electro à la fin de la pièce n’amène pas grand chose qui n’aurait pu être fait avec pédales et autres gadgets pour guitares. Leur présence fait «namedropping» sur une pochette. Tant mieux si ça attire l’attention et fait vendre quelques albums de plus. En tout cas, ça m’aura fait jaser…
Bon maintenant que ceci est dit, revenons à cet excellent album où peu de moment sont perdus. Avec la majorité des pièces qui n’atteignent pas la minute et demi, il n’y a justement pas de temps à perdre et MARUTA évite le piège de la pièce à un riff répétitif comme c’est trop souvent le cas pour beaucoup de groupes de Grind. Comme je le disais plus haut, MARUTA sait composer des pièces qui marient très bien violence et mélodie ce qui donne des pièces accrocheuses qui devraient plaire à ceux qui apprécient un peu de technique, de virtuosité et d’inspiration dans la violence musicale qu’ils écoutent. Je crois fortement que MARUTA a réussi un excellent album de retour que vous devez vous procurer.
Lex Ivian
After releasing two albums with Willowtip Records ( «In Narcosis» (2008) and «Forward Into Regression» (2011), ending the group (2011) and then reuniting (2012), the Florida Deathgrind group MARUTA signed with Relapse Records and released in June 2015 its third album «Remain Dystopian». For the occasion, the time of one song each, it enlisted the vocal collaboration of Tomas Lindberg (At the Gates, Disfear) and J.R. Hayes (Pig Destroyer) and added a few layers of Noise courtesy of Jay Randall (Agoraphobic Nosebleed). Note that the latter two are also on Relapse Records. Now it is time to talk about the album.
Are you ready? You better be, because MARUTA holds no punches. You will say, «Normal, it is Deathgrind». Yes I know but here it is not just the speed that stuns, but also the succession of equally catchy riffs. In addition, riffs are changing from one to another with fluidity and – I will say here a strange word for Grind – harmony. It is perfectly built so the transitions play their role instead of giving the nauseous feeling of a freefall into the void until the next riff.
The only place they missed their shot… in fact, I should not say «missed their shot». It would be more correct to say «the only place they did not get the best out of an idea», it is with the collaborations. I admit that these guys are big names for themselves and it naturally raised my expectations, but they were swept away quickly. The two vocal collaborations did not bring anything special to the song. Already Mitchell Luna uses two types of vocal which covers the range brought by the collaborators and neither Lindberg nor Hayes transcend their vocal style to make a significant difference in their respective song. They only add a variant of the high pitch scream. It seems to me like an intra-label collaboration with well-known names put on the album of a group that is targeted to become a rising star. I have the same feeling for the presence of Randall, the noisemaker of Agoraphobic Nosebleed on «Submergence aka Barren Oceans Of Infinity». The fact that he created an outro of noise/electro at the end of the song does not bring much that could not have been done with pedals and other gadgets for guitars. Their presence look more like «namedropping» on an album sleeve. Great if it attracts attention and sells a few more albums. In any case, it allowed one more paragraph to this review…
Okay now that this is said, I go back to this excellent album where little time is lost. With the majority of the tracks that do not reach the minute and a half, there is just no time to waste and MARUTA avoids the trap of the song with only one repetitive fast riff as is too often the case for many Grind groups. As I said above, MARUTA knows how to compose songs that blend well violence and melody creating catchy songs that should appeal to those who appreciate a little technique, virtuosity and inspiration in the musical violence they listen to. I strongly believe that MARUTA released a great comeback album you need to purchase.
Lex Ivian
