by Lex Ivian | Sep 13, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
IN OTHER CLIMES
«Leftover»
Bastardized Recordings
27 février 2015
Liste des pièces
Dreams
Now I Know
Who Are You
City Of Glass
Bigger Than Life
Brainwashed
I Walk Alone
Have You Ever
Dead Man’s Fingers
Sincerely Yours
We Are An European Band
*Scroll down for English version
Formé en 2004, le groupe français IN OTHER CLIMES a déjà sous sa ceinture 2 EP, 2 Split et 2 albums complet. «Leftover» est donc le 3ème album complet qui poursuit dans la même veine hardcore.
«Dreams» débute l’album sur un feedback d’ampli pendant qu’on entend un sampling de la fameuse phrase «I had a dream» puis la guitare enchaîne et ça décolle sur un train d’enfer. Pas de niaisage. On sent tout de suite la vibe NYHC. Le beat est parfaitement dans le ton, le son des instruments ne peut tromper et Michael a la voix parfaite pour nous crier sa frustration. Le total package quoi. Et je n’aurais jamais deviné qu’ils viennent de France.
Je ne m’éterniserai pas à vous expliquer de long en large pourquoi cet album vous rentre dedans comme un train et qu’une fois remis du choc initial, vous vous rendez compte que non seulement vous avez survécu, mais qu’en fait vous êtes maintenant assis dans le siège avant dudit train qui n’est plus sur des rails au sol mais déboule en malade dans les montagnes russes conventionnelles les plus trippantes que vous aimeriez essayées. Le mieux avec ce genre de hardcore est de l’expérimenter par soi-même après s’être installé comme il faut juste pour être sûr qu’on est prêt pour la «ride». On est sûr de rester sur les rails car leur musique ne débordera pas dans des excès de modernité mais le trajet aura de multiples courbes comme les choeurs mélodiques dans «City of Glass», la passe de piano qui termine «Brainwashed», le côté rock’n’roll de «Have you Ever», l’intro de «Dead Man’s Fingers» et quelques samplings d’intro/outro tout en créant cet effet d’essoufflement provoqué par la vitesse et l’urgence. Et si vous êtes dans votre voiture, je suggère fortement de mettre le «cruise control» avant de presser «PLAY».
Pour ceux qui me trouvent vague dans cette présentation, imaginez la furie et le côté punk de SICK OF IT ALL auxquels on ajouterait mettons le côté thrash/crust de ALL OUT WAR, deux groupes de vétérans qui continuent (avec d’autres bien sûr) à porter le drapeau du hardcore new-yorkais comme ça se fait depuis son apparition dans les années 80, parfois agrémenté du côté bouncing groove punché du hardcore à la HATEBREED. Et tout ça, je vous le dis seulement parce que des fois ça prend une référence ou deux pour avoir le goût de découvrir un groupe mais à ce que j’ai entendu sur «Leftover», je crois qu’à l’avenir ils pourraient devenir un nom que vous citerez en référence avec les autres inévitables du genre quand vous voudrez expliquer comment ça sonne du hardcore.
Je termine en disant qu’il n’y a rien de mieux que de l’expérimenter par soi-même parce que même quand c’est notre meilleur chum qui nous le conte, ça ne peut pas être pareil même si on sent quand même le genre de trip qu’il nous explique.
Lex Ivian
Formed in 2004, the French group IN OTHER CLIMES has already released 2 Split, 2 EP and 2 full albums. «Leftover» is then their third full album which stays in synch with their hardcore approach.
«Dreams» starts up the album with an amp feedback noise while we hear a sampling of the famous words «I had a dream» that brings forth the guitar and it takes off out of the blocks like hell. No fooling around here. Right off the start I felt the NYHC vibe. The beat is perfectly in synch, the sound of the instruments can’t be more in tune and Michael has the perfect voice to cry out his frustration. They’ve got the total package. I’d never have known they come from France,
I won’t get into long and in-depth analysis to explain why this album hits you like a train and once you’ve recovered from the initial shock, you realize that you’ve not only survived the collision but in fact you’re now sitting in the front seat of the said train which is no longer on the ground but tumbles down into the boldest yet conventional roller coaster you’d like to test. Naturally the best with this kind of hardcore is to experience it for yourself after making sure you’re well saddled just to be sure that you’re ready for the ride. Don’t worry you’re sure to stay on track because their music is not overflowed in excess of modernity but the ride will have multiple curves like this melodic chorus in «City of Glass», the atmospheric piano ending for «Brainwashed», the rock’n’roll drive of «Have you ever?», the intro of «Dead Man’s Fingers», some samplings to start/end songs but still and thankfully, the speed and urgency create that shortness of breath effect so praised by die-hard riders of monster ride in attraction parks… And if you’re in your car, I strongly suggest putting on the cruise control before pressing « PLAY ».
For those who find me vague in this presentation, imagine the fury and punk side of SICK OF IT ALL to which I’d add the thrash/crust of ALL OUT WAR, both groups still carrying after all those years (with other bands of course) the flag of NYHC as it’s done since it emerged in the 80s, mixed with sparse shots of the bouncing punchy groove side of the hardcore «à la» HATEBREED. And all that, I only say it because sometimes it takes a reference or two to be interested to discover a band but for what I’ve heard on «Leftover», I believe that in the future they could become a name you’d come up with along your usual references when you want to explain how hardcore metal sounds like.
I’ll finish by saying that there is nothing better than to experience it for yourself because even when it’s our best friend who tells us about his experience, it can’t be the same but still I hope you feel what I mean if that’s your kind of hardcore ride.
Lex Ivian
by Mathieu Audet | Sep 12, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
RIVERSIDE
«Love, Fear and the Time Machine»
Inside Out Music
4 septembre 2015
*Scroll down for English version
RIVERSIDE a été une de mes plus belles découvertes de l’année 2013. Je me souviens avoir découvert ce groupe avec leur album «Shrine of New Generation Slaves» (SONGS, lol!) qui était tout simplement un chef-d’œuvre de musique tantôt progressive, mais surtout mélancolique. Avec cet album (qui était le cinquième du groupe), on sentait que les gars de RIVERSIDE avaient enfin réussi à trouver l’identité musicale du groupe. J’avais d’ailleurs pu les voir sur la croisière «Progressive Nation at Sea» et j’en avais profité pour faire une entrevue dont voici le lien. Sur le nouvel album «Love, Fear and the Time Machine» (LFTM), les quatre polonais menés par le bassiste Mariusz Duda nous démontrent que c’est dans cette même direction qu’ils veulent continuer de travailler. Et j’en suis plus qu’heureux.
Même s’il est associé au genre progressif depuis le début de sa carrière (et avec raison), le groupe n’en a jamais été un grand ambassadeur à mon avis. Bien que c’est vrai qu’on retrouve des éléments de ce genre sur tous leurs albums (incluant LFTM), je dirais que le groupe en emprunte des éléments plus qu’il n’en défini. Et c’est correct ainsi. En fait, dans le cas précis de RIVERSIDE, je pense que c’est la meilleure chose à faire, en particulier avec le style des deux derniers albums. Pour ne donner que deux exemples: «Escalator Shrine» sur SONGS, et «Towards the Blue Horizon» sur LFTM. En ce qui concerne les thèmes musicaux et lyriques, l’album se distingue du reste de la discographie de RIVERSIDE par le fait qu’il est beaucoup plus joyeux. Comme Mariusz Duda l’a souvent expliqué en entrevue récemment, les thèmes mélancoliques sont ceux qui lui viennent le plus facilement, alors il voulait se forcer et écrire des chansons plus joyeuses. L’inspiration était définitivement au rendez-vous, car le résultat parle de lui-même!
Parlant du résultat, les chansons sur l’album sont tous bonnes. Elles vont vous prendre quelques écoutes avant de les apprécier pleinement et qu’elles vous rentrent dans la tête, mais un moment donné y’a un déclic qui se fait, ensuite vient la prise de conscience soudaine et lumineuse de la nature profonde de cet album. Le premier single «Discard Your Fear» est très représentatif de l’album et vous restera dans la tête dès la première écoute.
Le reste de l’album n’est constitué que de bonnes chansons, qui elles-mêmes sont souvent remplies de bonnes idées bien appliquées. Un parfait exemple est la relation entre la chanson d’ouverture et la chanson de fermeture de l’album. Je ne vous en dis pas plus là-dessus. J’aimerais également signaler l’excellente écriture pour les chansons «Under the Pillow», «Saturate Me» et «Time Travellers». Cette dernière est pour l’instant ma favorite de l’album.
Je suis très excité présentement par ce groupe, qui a définitivement le vent dans les voiles. Ma plus grande peur lorsqu’un groupe sort un album chef-d’œuvre est qu’il s’écrase sur l’album qui le suit. Cela arrive plus souvent qu’autrement, mais pas avec RIVERSIDE. En tout cas pas avec cet album, ce qui me fait espérer le mieux pour la suite. Faites-vous plaisir et essayez ceci: La prochaine fois que vous mangez de la fondue chinoise avec votre copine ou votre copain, mettez-vous un des deux derniers albums de RIVERSIDE comme musique d’ambiance, maudit que ça fait la job! Et pensez à moi.
La pochette est absolument magnifique!
Note: 9.5/10
Mathieu Audet
*RIVERSIDE sera en spectacle à Québec le samedi 19 septembre et à Montréal le dimanche 20 septembre. Ne manquez pas ça!
RIVERSIDE was one of my greatest musical discoveries of 2013. I remember falling in love with this band the very first time I heard the 2013 masterpiece album «Shrine of New Generation Slaves» (SONGS, lol!). This is on this album that I think the guys from RIVERSIDE finally found the musical identity that they wanted to stick with. On the new album «Love, Fear and the Time Machine» (LFTM), the four polish musicians led by bassist Mariusz Duda are picking up right where they left off on SONGS, and this is a great thing.
Even though the band has often been (rightfully) associated with the progressive genre since the beginning of its career, I do not consider RIVERSIDE as being one of the progressive music flagships. You can find elements of this genre on every RIVERSIDE album (including LFTM), but the band has always more borrowed these elements than defined them. In the case of RIVERSIDE, I think this is the best way to go. Two examples of this are the songs «Escalator Shrine» on SONGS and «Towards the Blue Horizon» on LFTM. When it comes to musical and lyrical themes, LFTM distances itself from the past releases by being a lot more positive and lighter, in contrast to the heavy melancholy themes on the previous albums. Like Mariusz Duda explained it in several interviews, this was a challenge for him, because melancholic themes come to him more naturally. The result is surprisingly good.
Every song on this album is good. It took me a few listens to fully appreciate them, but it was definitely worth my time. For some reason I can’t really explain, I suddenly understood the album all at once, like it was something I was meant to from the beginning. I think that this is the greatest strength of this album, and it is certainly a common characteristic amongst classic albums. The first single «Discard Your Fear» is very representative of what I just said, and will stick in your head right after the first listen.
Like I said, the rest of the album is great as well. A lot of songs on this album have great ideas that are well used and rendered, like the relation between the opening and closing songs. I think the best songs are «Under the Pillow», «Saturate Me» and «Time Travellers», which in my opinion is the best one on the album.
I am very excited about this band right now because they are on a great streak. One of my greatest fears (which I should discard) when a band releases a masterpiece album is that they crash on the album that follows. This is definitely not the case with RIVERSIDE with their «Love, Fear and the Time Machine» album. Please do yourself a favor: Next time you eat Chinese fondue or any hot pot fondue with your girlfriend or boyfriend, try RIVERSIDE as ambient music, it is really great! And think about me.
The cover is absolutely gorgeous!
Note: 9.5/10
Mathieu Audet
* RIVERSIDE will be playing in Quebec City on September 19th and Montreal on September 20th. Don’t miss them!
by Lex Ivian | Sep 8, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
Dirty Shirt
«Dirtylicious»
Promusic Prod
Avril 2015
Liste des pièces
«Ciocârlia»
«Moneyocracy»
«Mental Csárdás»
«Maramu’»
«Balkanique»
«Dulce-i vinu’»
«Cobzar»
«Hotii»
«Dirtylicious»
«My Art»
«Căluşarii»
*Scroll down for the English version
Célébrant cette année 20 ans d’existence ponctué d’un hiatus entre 2000-2004 qui a dispersé ses membres un peu partout en Europe, le groupe roumain Dirty Shirt a fait paraître en avril dernier, «Dirtylicious», son 4ème album en carrière (un 3ème depuis leur reformation) qui s’insère parfaitement dans la foulée de sa nouvelle orientation musicale que j’ai découverte avec l’album précédent «Freak show» qu’il a sorti de façon indépendante en 2013. Notons que pour celui-ci, il est accompagné par le Transylvanian Folkcore Orchestra.
Je dois dire d’entrée qu’avec Dirty Shirt, je suis content et rassuré de constater qu’il existe des musiciens qui ont une vision du metal qui dépasse le metal. Ce que je veux dire par là est qu’il existe des musiciens qui font du metal par goût mais qui de toute évidence, ont dépassé le stade de pensée sectaire qui encarcane les genres musicaux et préfèrent plutôt les mélanger avec brio et dextérité. Dirty Shirt est ce genre de bibitte bizarre.
Dès le début de l’album, on entre dans un tourbillon folk classique métallisé qui m’a vaguement fait penser à la très bonne reprise metal que Skyclad a fait, en 1996 sur son album «Irrational anthems, de «Sabre dance» du célèbre compositeur arménien Aram Khachaturian. Une recherche plus approfondie stimulée par la note de presse fournie avec l’album, m’a fait découvrir que c’est de facto une adaptation de la pièce «Ciocârlia» composée par le joueur de flûte de pan Romani-Roumain Angheluş Dinicu qui s’inscrit dans la tradition de la musique des Lăutari («trouvères», en roumain) et qui fut présentée au public pour la première fois à l’inauguration de la Tour Eiffel en 1889 et qui a fait l’objet de multiples reprises depuis. Et cette découverte explique tout car la musique des Lăutari (lăutărească music) s’inspire de toutes les musiques avec lesquelles ces derniers sont entrés en contact et auxquelles ils ajoutent une bonne dose d’improvisation tout comme le fait Dirty Shirt et pour une connexion encore plus directe, Dirty Shirt chante principalement en roumain comme dans la tradition de la musique des Lăutari (avec de l’anglais et du français saupoudrés à gauche et à droite). Maintenant que je vous ai fait cette petite lecture à propos de cette musique, vous comprendrez que cette première pièce ouvre toute grande les vannes pour ce qui suivra.
Alors, ne vous fiez pas sur ce que vous entendez dans cette première chanson pour vous faire une idée de l’ensemble de l’album et donc, ne vous attendez à rien ou plutôt attendez vous à tout (et même plus) avec ces zigotos car dès la pièce suivante, «Moneyocracy», on tombe dans un mélange où se côtoient l’industrial death (pensez à la rythmique d’un groupe comme God is LSD) avec un son de guitare à la Sepultura et le côté pop folk aux influences Moyen-Orientales de System of a Down.
Avec «Mental Csárdás» vous aurez justement ça, une csardas, cette danse des Balkans popularisée par les Romani et Dirty Shirt nous envoie ça encore une fois avec des influences industrial death.
L’intro de «Maramu’» vous donnera l’impression d’assister à une session d’invocation d’une entité divine quelque part dans la région du Croissant Fertile, le berceau de la civilisation telle que nous la connaissons aujourd’hui.
De son côté, «Dulce-i vinu’» avec ses percussions introductive m’a vaguement fait penser à «Ratamahatta» de Sepultura mais comme depuis le début de l’album, ce petit moment ne dure guère et nous sommes transportés dans un univers qui rappellera encore une fois les moments plus folk de System of a Down (le refrain en la-la-la fait immédiatement penser à cette façon de faire de Serj Tankian qui rappelons-le, a des racines arméniennes comme les autres membres de System of a Down).
«Hotii» est celle qui permettra aux métalleux de lever leurs cornes du diable en scandant le Hey-Hey-Hey qui est si spontané en spectacle.
Maintenant que j’ai survolé rapidement certaines pièces de l’album, vous comprendrez que le groupe roumain embrasse les constructions classiques et folkloriques pour les distortionner et les tordre afin de les métalliser sans que les structures de l’un ou de l’autre n’entrent en conflit. Quand on écoute Dirty Shirt, il faut vouloir être déstabilisé mais en même temps les transitions sont rarement abruptes pour une écoute sans à-coups et d’ailleurs j’applaudis leur contrôle des structures car ça fait longtemps que j’ai compris que tout se joue et se combine ce qui permet beaucoup de choses quand on connait la musique et qu’on est prêt à dépasser les limites acceptées (et peut-être les limites acceptables dans votre cas). Ma connaissance de la culture folklorique des Balkans n’est pas assez approfondie pour y repérer tous les clins d’oeil qu’on retrouve sur cet album mais je dirai que j’ai tout de même pensé que cela aurait pu être la trame sonore adaptée en conséquence si le film «My big fat Greek wedding» s’était tenu dans une famille de métalleux. YOUPLA!!!
Pour ceux qui aiment la musique qui refuse les carcans, je vous suggère fortement de découvrir Dirty Shirt à l’aide des lecteurs ci-bas.
Lex
Celebrating this year 20 years of existence punctuated by a hiatus between 2000-2004 which scattered its members across Europe, the Romanian group Dirty Shirt has released in April, «Dirtylicious» its fourth album (a third since their reformation) which fits perfectly in the wake of its new musical direction that I discovered with the previous album «Freak Show» released independently in 2013. Note that for this album, Dirty Shirt is joined by the Transylvanian Folkcore Orchestra.
I must say from the outset that with Dirty Shirt, I am pleased and reassured to find out that there are still musicians who have a vision of metal music that exceeds the genre. What I mean by this is that there are musicians that create metal song by taste but obviously have gone beyond sectarian thought about genres and prefer to rather mix musical genres with brilliance and dexterity. Dirty Shirt is that kind of weird sound hacker.
Right from the start of the album, one enters a metallized folk classic maelstrom that vaguely reminded me of the very good metal cover Skyclad made in 1996 on its album «Irrational anthems», for «Sabre Dance» of the famous Armenian composer Aram Khachaturian. Further research stimulated by the release notes included with the album, made me discover that it is de facto an adaptation of the song «Ciocârlia» composed by Romani-Romanian the pan flute player Angheluş Dinicu which is in the tradition of the music of the Lăutari and was presented to the public for the first time at the inauguration of the Eiffel Tower in 1889 and which was the subject to multiple adaptations since. And this discovery explains everything because the music created by the Lăutari (lăutărească music) is inspired by all the music with which they came into contact and to which they add a good dose of improvisation as does Dirty Shirt and for an even more direct connection, Dirty Shirt sings mainly in Romanian as in the tradition of the lautareasca music (with some English and French lyrics sprinkled here and there). Now that I have done a little lesson about this music, you will understand that this first song opens wide the floodgates for what’s next.
So do not rely on what you hear in this first song to get an idea of the whole album and therefore, do not expect anything or rather expect everything (and more) from these weirdoes because the next song, «Moneyocracy» brings a mixture in which industrial death metal (think the rhythm of a group like God is LSD) rub shoulders with a guitar sound «à la» Sepultura and with the folk Middle Eastern influences of System of a Down.
With «Mental Csárdás» that’s exactly what the title says, a czardas, the Balkan dance popularized by Romani and Dirty Shirt brings it forth again with influences from industrial death metal.
The intro of «Maramu’» will give the impression to attend a session of invoking a divine entity somewhere in the region of the Fertile Crescent, the cradle of civilization as we know it today.
For its part, «Dulce vinu -i’» with its introductory percussion reminds me vaguely of Sepultura‘s «Ratamahatta» but as it goes from the beginning of the album, this moment does not last and we are transported into a universe which again reminds me of System of a Down folk influences (the chorus with its la-la-la reminds immediately of this way of doing them by Serj Tankian who has Armenian roots like all the other members of System of a Down).
«Hotii» is the one that will prompt metalheads to raise their devil horns while shouting the Hey-Hey-Hey that is so spontaneous in every metal show.
Now that I quickly flew over some songs of the album, you will understand that the Romanian band embraces the classical and folk constructions before distorting and twisting them to create metal music without the structures of one or the other being in conflict or clashing in any way. When you listen to Dirty Shirt, you have to be confortable with being destabilized musically but at the same time there’s rarely abrupt transitions for a smooth listening and besides, I applaud their control of musical structures because it’s been a while that I realized that many things if not everything can be played in combination allowing to stray afar from the beaten path when musicians know music and are ready to go beyond the established limits (and perhaps the acceptable limits in your case). My knowledge of Balkan folk culture is not detailed enough to identify all influences found on this album but I will say that I thought it could have been the accordingly adapted soundtrack for the movie «My big fat Greek wedding» if the scenario had put the story in a family of Greek metalheads. YOUPLA!!!
For those who love music which refuses the shackles, I strongly suggest you to discover Dirty Shirt using the players up here in between the french and english version.
Lex
by Mathieu Audet | Sep 3, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
IRON MAIDEN
«The Book of Souls»
Parlophone
Septembre 2015
*Scroll down for English version
IRON MAIDEN est un de mes groupes favoris de tous les temps. J’ai énormément de respect pour tout le travail et les succès qu’ils ont eu au fil des années. Le groupe va avoir 40 ans en décembre, c’est pas peu dire! Depuis son premier album éponyme en 1980, le groupe nous a offert une panoplie d’albums (16 au total, incluant le dernier qui vient de sortir) qui étaient pour la majorité excellents. Le groupe a eu certes une période creuse (de «No Prayers for the Dying» (1990) à «Virtual XI» (1998)) avant de revenir en force avec Bruce Dickinson encore une fois aux commandes avec l’album «Brave New World». Depuis celui-ci, le groupe est malheureusement revenu, lentement, mais sûrement, sur un pente descendante. Ce processus s’est considérablement accéléré avec l’avant dernier album «The Final Frontier» (2010). Avec «The Book of Souls», le groupe pourra-t-il atteindre de nouveau le sommet de Brave New World»? Sans nécessairement les enfoncer davantage, j’ai bien peur que cet album ne soit pas celui auquel on s’attendait…
Premièrement, allons-y de quelques informations sur l’album.
C’est le premier du groupe en cinq ans, et la différence de temps entre celui-ci et son prédécesseur représente la plus grande période de temps entre deux albums pour le groupe.
C’est également le premier album double et le plus long du groupe, faisant un petit peu plus de 90 minutes. Sur cet album se retrouve également la chanson la plus longue jamais écrite par le groupe. «Empire of the Clouds», faisant un petit peu plus de 18 minutes, vient détrôner «Rime of the Ancient Mariner» de plus de 4 minutes.
Le concept autour de la pochette et sa réalisation est très simple et efficace. On retourne au vieux font, avec un Eddie bien reconnaissable, mais pas trop extravagant.
Maintenant quelques réflexions concernant chaque chanson.
L’album commence avec la chanson «If Eternity Should Fail». La chanson est assez étrange, dans le bon sens du terme, avec une deuxième partie complètement différente de la première. On y sent bien le style de composition un peu plus explorateur de Bruce Dickinson.
«Speed of Light», la chanson qui est sortie en single plus tôt en août fait quand même la job. Le vidéoclip qui l’accompagne est très bien fait et intéressant, surtout pour les geeks comme moi, où on y met en image d’IRON MAIDEN un condensé des 40 dernières années de jeux vidéos. Le riff principal me fait penser à celui d’«Enter Sandman» de Metallica!
«The Great Unknown» est un peu fade et ne passera certainement pas à l’histoire.
«The Red and the Black» (malgré son intro/outro de basse complètement bâclée) est celle qui nous rappelle le plus le style d’IRON MAIDEN qu’on a appris à aimer depuis qu’on en écoute. C’est une composition de Steve Harris uniquement, alors c’en est probablement la raison.
«When the River Runs Deep» est une autre chanson un peu fade qui ne passera pas à l’histoire.
«The Books of Souls», la chanson titre, en est une autre qui se colle bien au style développé sur «Dance of Death». Bien que la chanson soit intéressante, pour une chanson titre, elle n’est pas aussi épique que celle figurant sur «Dance of Death». Je m’attendais à quelque chose de plus frappant.
Le refrain de «Death or Glory» est beaucoup trop répétitif, à la limite de l’insignifiance.
«Shadows of the Valley» je n’ai rien à dire dessus, elle me laisse indifférent.
«Tears of a Clown» parle de la mort tragique de Robin Williams et des thèmes qui y sont reliés. La chanson a un bon groove.
«The Man of Sorrows» nous fait comprendre pourquoi Dave Murray ne participe plus beaucoup au processus de composition.
Pour finir cet album en beauté, «Empire of the Clouds», qui le long de ses 18 minutes, explore plusieurs thèmes musicaux. Même si les idées de base et la structure sont bonnes, il manque de la chair autour de l’os à plusieurs endroits dans la chanson. Le milieu est un paquet de riffs mis bout à bout, des fois ça s’essouffle. Le piano au début est trop mince, Bruce Dickinson n’est pas un joueur de piano régulier, et ça paraît.
Parlons maintenant de la performance.
Je vais sortir ça tout de suite de mon système: Nicko McBrain, même s’il a l’air du gars le plus sympathique du monde, n’est pas un bon drummer. Jouer du drum pour un gros band connu et talentueux ne signifie pas que tu es un bon drummer (hello Lars Ulrich!). En fait je dis qu’il n’est pas bon, peut-être qu’il l’est en réalité, en tout cas il ne le montre pas sur cet album, ni sur tous les autres albums du groupe. Quand ça fait 13 albums que tu fais tout le temps la même passe de ride et les mêmes deux fills de drum, un moment donné ça tombe sur les nerfs.
Bruce Dickinson a de la misère avec sa voix à certains endroits (oui je sais il a eu le cancer). Rien de bien majeur, mais des fois ça accroche l’oreille, comme dans «Speed of Light».
Et maintenant, de la production.
Kevin Shirley a carrément DÉTRUIT l’album avec son mix et sa production MERDIQUES. C’est une honte totale qu’IRON MAIDEN décide de travailler avec lui depuis 20 ans maintenant. Ce gars-là ne mérite pas de travailler avec de tels gros noms tellement il est incompétent. Et je ne m’explique pas le choix du groupe de travailler avec lui… Le mix est tellement tout croche qu’il nous donne l’impression que les chansons sont en fait des versions démo. Il y a plein de bouts mal raboutés, ça arrive souvent que les guitares dans les canaux gauche-droite jouent la même affaire et qu’elles ne sont pas en même temps. N’importe quel producteur qui fait son premier band rock dans son sous-sol aurait remarqué et corrigé ce genre de choses…
L’album a été en bonne partie composé et enregistré tout le groupe en même temps. Je ne trouve pas que ça donne un bon résultat (en fait, je ne pense pas qu’aucun band a avantage à faire ça, peu importe le style). Ça ne marche certainement pas avec IRON MAIDEN, et ça paraît dans les performances.
En ce qui concerne la composition, ça semble précipité par bout, le groupe aurait peut-être eu intérêt à laisser mûrir les chansons. Parce que ça c’est une autre affaire. Ce n’est pas vrai que toutes les chansons avaient leur place sur l’album (comme l’a dit Bruce en entrevue). L’album aurait facilement pu être épuré de 3 chansons, et aurait rentré sur un disque régulier de 80 minutes. À la limite faire une édition spéciale de deux disques, où les chansons coupées sont clairement identifiées comme des chansons bonus?
Un autre élément que je reproche de plus en plus à IRON MAIDEN (depuis la deuxième moitié de «A Matter of Life and Death» (2006)) c’est de ne plus être mélodique. Réécoutez «Brave New World», vous allez certainement comprendre ce que je veux dire.
En conclusion, cet album comporte quand même son lot d’éléments intéressants. Malgré le fait que certaines chansons soient un peu fade, ce n’est quand même pas rien pour un groupe qui va avoir 40 ans en décembre cette année d’arriver avec un album double faisant plus de 90 minutes. Le groupe expérimente à quelques endroits dans certaines chansons, ce qui est un autre fait remarquable pour un groupe de cette longévité. Je ne peux par contre pas pardonner la qualité à la limite du médiocre de la production. J’espère que le groupe finira par comprendre que ce n’est pas une bonne idée de travailler avec Kevin Shirley, et s’il sort un autre album dans les prochaines années, que ce sera avec un producteur respectable qui saura faire bien sonner le groupe. Ça fait toute la différence, peut importe la qualité de la composition. Parlant de prochain album, je pense malheureusement que ce sera le dernier album studio du groupe. Si c’est le cas, il y a bien pire façon de tirer sa révérence que celle-ci! Chapeau et merci IRON MAIDEN!
Note: 6/10 (en grande partie pour la production)
Autres notes que je n’ai pas mises dans l’article:
«The Book of Souls» (à 7:04) copie «Montségur» (3:42, «Dance of Death»).
«Empire of the Clouds» (à 9:12) copie «The Legacy» (5:30, «A Matter of Life and Death»).
Autre truc intéressant. Une version alternative de la pochette a été faite par un fan. Je la trouve beaucoup plus belle que l’originale!
Mathieu Audet
IRON MAIDEN is one of my favorite bands of all time. I have an enormous respect for the work and the success they’ve had over the years. The fact the band will be 40 years old in December speaks for itself! Since their first album in 1980, the band released a variety of albums (16 in total, including this last one which was just released) that were excellent for the vast majority though I must say they certainly had a slump (from «No Prayers for the Dying» (1990) to «Virtual XI» (1998)) before returning in full force with Bruce Dickinson back at the helm for the album «Brave New World». From there on, the band has unfortunately gone back, slowly but surely, on a downward slope. This process being accelerated considerably with the penultimate album «The Final Frontier» (2010). With «The Book of Souls», would they reach the height of «Brave New World»? Without necessarily drowning them further, I fear that this album is not what we would/could/should expect…
First, let’s throw here some informations about the album.
This is the first in five years, and the time span between this one and its predecessor is the longest interval between albums they ever had.
This is also their first ever double album and the longest they released, clocking a little over 90 minutes. This album also propose the longest song ever written by the band. «Empire of the Clouds», ticking a little over 18 minutes, dethrones «Rime of the Ancient Mariner» by more than 4 minutes.
The concept around the album sleeve and its realization is very simple and effective. They go back to the old typo and look, with Eddie recognizable, but not too extravagant.
Now, let’s talk rapidly about the songs
The album starts with «If Eternity Should Fail». This song is quite strange in a good way, with a second portion completely different from the first half. I could feel Bruce Dickinson‘s «out of the beaten trail» style of composition.
«Speed of Light», released as a single in August, does do the job but not more…just enough. The video that accompanies this single release is very well done and interesting, especially for geeks like me, since it pays tribute to 40 years of video games with Eddy as main character/hero. The main riff though reminded me Metallica’s «Enter Sandman».
«The Great Unknown» is bland and certainly won’t make history.
«The Red and the Black» (despite its bass intro/outro completely botched) is the one that reminds me most of the IRON MAIDEN style we have come to love. This is a composition by Steve Harris only, this probably explaining that.
«When The River Runs Deep» is another bland song that will not mark the history lane.
«The Books of Souls», the title track, is another one that sticks well with the style developed on «Dance of Death». Although the song is interesting, for a title track it’s not as epic as the one on «Dance of Death». I expected something more striking.
The chorus of «Death or Glory» is far too repetitive, flirting with being simplistically simple.
«Shadows of the Valley» didn’t inspire me anything to say about it. It leaves me indifferent.
«Tears of a Clown» is about the tragic death of Robin Williams and themes connected to it . The song has a good groovy vibe.
«The Man of Sorrows» is a perfect example why Dave Murray isn’t much involved in the composition process.
Finally the album closes on a higher note with «Empire of the Clouds», which along its 18 minutes, explores several musical themes. Although the basic ideas and structure are good, it lacks some flesh around the bone in several places in the song. The mid-part of the song is just a bunch of riffs aligned one after the other, that fails to keep the level of interest. Furthermore, the piano intro is also too thin; Bruce Dickinson is not a regular piano player, and it transpires.
Now let’s talk about performance.
First, something I thought and felt deeply since he joined the band: Nicko McBrain, even if he looks like the friendliest guy on Earth, is not a good drummer. Playing drums for a notorious experienced and talented band does not mean you’re a good drummer (Hello Lars Ulrich!). In fact saying that he’s not a good drummer maybe wrong, but actually in any case he doesn’t show it on this album, or all the other albums. When through out 13 albums, all you do is the same old «ride» trick and same two drum fills, it finally ends up getting on my nerves.
Bruce Dickinson struggles with his voice in some parts (yes I know he had cancer). Nothing major though, but sometimes it irritates the ear canal, as in «Speed of Light».
And now, on the production side
Kevin Shirley has flatly DESTROYED this album with his crappy mix and production. It’s a total shame IRON MAIDEN decided to work with him for 20 years now. This guy doesn’t deserve to work with such big names; he’s so incompetent. And I can’t understand why they chose to work with him… The mix is all wrong so it gives us the impression that the songs are actually demo versions. There are plenty of badly mixed parts, culminating with the unforgivable fact that it often happens that the guitars in the left-right channels play the same thing but ARE NOT at the same time. Any producer working on its first rock album in his basement studio would have noticed and corrected this shit…
The album was largely done recording the whole band simultaneously. I don’t think it gives a good result (in fact, I don’t think any band should do that, regardless of the style). Definitely, it doesn’t work for IRON MAIDEN, and it shows in the performance.
Regarding the composition, it seems like they rushed them. They should have given the song time to mature. It’s not true that all songs deserved their spot on the album (contrary to what Bruce said in an interview). The album could easily have been purged of 3 songs, and thus would have fitted on a regular 80-minute normal CD. Ultimately maybe it could have been released as a two-disc special edition, where these «unable to make the cut» songs would have clearly been identified as bonus songs?
Another thing I resent more and more from IRON MAIDEN (since the second half of «A Matter of Life and Death» ( 2006) ) is not being melodic anymore. Listen again to «Brave New World», you’ll certainly understand what I mean.
In conclusion, this album still has its share of interesting elements. Although some songs are a little bland, it’s still something for a band that will be 40 years old in December this year to come up with a double album clocking at over 90 minutes. They tried some experimentions in some songs, which is another remarkable thing for a band that lasted so long. I can’t accept though the «near to mediocre» quality of production. I hope that they’ll eventually realize that this is not a good idea to work with Kevin Shirley, and if they release another album in the coming years, it will be with a respectable producer that will make it sound good. It makes a whole difference, no matter the quality of the composition. Speaking of the next album, I think unfortunately this could/will be their last studio album. If this is the case, there are much more worse ways to bow out than this! I tip my hat to IRON MAIDEN and thank them for what they offered throughout their career!
Note: 6/10 (mainly due to the crappy production)
Random notes I didn’t put in my text:
«The Book of Souls» (at 7:04) copies «Montségur» (3:42, «Dance of Death»)
«Empire of the Clouds» (at 9:12) copies «The Legacy» (5:30, «A Matter of Life and Death»)
Another interesting thing. An alternative version of the cover was made by a fan. I find it much more beautiful than the original!
Mathieu Audet
by Mathieu Audet | Sep 1, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
SPOCK’S BEARD
«The Oblivion Particle»
Inside Out Music
21 Août 2015
*Scroll down for English version
Après leur album chef-d’oeuvre «Brief Nocturnes and Dreamless Sleep» en 2013 (album où même le disque bonus était excellent!), les gars de Spock’s Beard reviennent à la charge deux ans et demie plus tard avec l’album «The Oblivion Particle». Si on considère que Spock’s Beard est un band de vieux (presque 25 ans derrière la cravate!) et qu’ils ont douze albums à leur actif, le rythme auquel ce groupe nous livre de la nouvelle musique est phénoménal.
Le groupe nous offre sur ce douzième album tout ce que nous aimons et sommes habitués d’entendre du Spock’s Beard moderne (c’est-à-dire, post départ de Neal Morse). Il y a certainement quelques petites expérimentations à gauche et à droite, mais rien de trop extravagant. Je ne suis pas du genre à me perdre dans les longues descriptions de chansons. Je préfère plutôt parler plus de ce qui tourne autour de l’album, de comment il a été fait, et de donner un peu plus de background. Jusqu’à des fois me perdre dans une idée et dévier de la track pas mal. En fait, j’ai toujours trouvé inutile et même un peu niaiseux de décrire la performance dans le détail, y allant de commentaires du genre « le drum rappelle un coup de tonnerre venu droit de l’enfer », ou encore « les solos de guitares sont justes et joués à la vitesse de l’éclair ». Je pense que c’est mieux de laisser les gens écouter la musique pour une première fois sans se faire d’attentes. Je dirai simplement que mes chansons préférées sont «Tides of Time», «Minion», «Disappear» et «Bennett Built a Time Machine».
Non, pas ce Bennett
Fait intéressant à noter, sur les neuf chansons présentes sur l’album, six chansons ont été écrites par des membres qui ne font pas partie du groupe. Il s’agît bien sûr des collaborateurs de longue date Stan Ausmus et John Boegehold, qui ont collaboré à tous les albums de Spock’s Beard depuis «Feel Euphoria» en 2003. Ils sont en grande partie responsable du nouveau son de Spock’s Beard et méritent beaucoup de crédit! J’aurais aimé avoir une fois de plus une collaboration de Neal Morse sur une ou quelques chansons, mais on n’a pas toujours ce que l’on veut dans la vie comme dirait l’autre!
Je considère l’album de 2013 comme étant le meilleur album du groupe jusqu’à maintenant (et oui, même meilleur que «Snow»!). Même si une coche en dessous (c’est le problème éternel des albums post magnum opus de n’importe quel groupe), «The Oblivion Particle» est une très belle réplique et un statement comme quoi le groupe en a encore beaucoup à offrir. Ça va vous prendre plusieurs écoutes pour pleinement l’apprécier par contre! L’album va très certainement se retrouver dans mon top 5 à la fin de l’année. Depuis l’arrivée du chanteur Ted Leonard (Enchant, Transatlantic), Spock’s Beard est sur un belle lancée. Espérons que ça va durer!
Note: 9/10
Mathieu Audet
After the release of their masterpiece and magnum opus album «Brief Nocturnes and Dreamless Sleep» in 2013 (even the bonus disk was excellent!), the guys from Spock’s Beard strike again two and a half year later with their twelfth album «The Oblivion Particle». Considering the fact that Spock’s Beard is an «old» band (almost 25 years now!) and that they released twelve albums during that time span, I can only have a lot of respect towards the rhythm to which they produce and release new music.
Everything that we love and are used to hear from the modern Spock’s Beard is on «The Oblivion Particle». There are of course a few experimentations here and there, but nothing that goes off the track for too long. I’m not the kind of person that likes to describe in details every song of the album, saying things like «the drum is like a pounding thunder from hell» or «the guitar solos are precise and lightning fast». I think it is a bit useless, and the best way to listen to an album for the first time is without preconceived ideas about it. I prefer talking about interesting facts about the album, giving background and trivia information. I will only say that my favorite songs are «Tides of Time», «Minion», «Disappear» and «Bennett Built a Time Machine».
No, not that Bennett.
Fun fact: Out of the nine songs on that album, six of them were written by people who are actually not in the band! These people are of course long-time collaborators Stan Ausmus and John Boegehold. They are writing for Spock’s Beard since the 2003 «Feel Euphoria» album. They are an important part to the new sound of Spock’s Beard and deserve a lot of credit. I would have liked a collaboration from Neal Morse on a few songs, but you don’t always get want you want in life!
Like I said in the introduction, I consider the 2013 to be the best piece of work from Spock’s Beard (yes, even better than «Snow»!). Even though «The Oblivion Particle» is a notch under «Brief Nocturnes and Dreamless Sleep» (this is the eternal problem of any post-magnum opus albums from every bands), I think this is a great follow-up and a statement from the band that they still have a lot to offer. It may take several listens to fully appreciate this album, but this will be worth your time. The album will certainly be featured in my Top 5 of 2015 list. The band is on a great streak since the arrival of Ted Leonard (Enchant, Transatlantic), let’s hope this will continue on for a long time!
Note: 9/10
Mathieu Audet
by Lex Ivian | Août 31, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
THE WAY OF PURITY
«The Majesty of Your Becoming»
WormHoleDeath/Epictronic
Décembre 2014
*Scroll down for English version
Ne pas connaître un groupe ou ne pas apprécier un genre ne m’a jamais empêché d’écouter toutes sortes de trucs et une chance que je reste ouverte car Lex a le don de me refiler du stock qui m’est totalement inconnu et souvent un peu à côté de ma palette de goût. C’est ce qui m’est arrivé avec l’album «The Majesty of Your Becoming» de THE WAY OF PURITY. J’ai donc cherché à en savoir plus mais ce ne fut pas facile car sur leur site officiel (où vous pouvez écouter l’album en entier), ils se présentent avec ce message:
THE WAY OF PURITY doesn’t show off with smart or cool band members. No names, no fancy photos, no effigy, no trendy musical influences and no nationality. No compromise, no way to talk or get to know us. We are NOTHING
J’ai toutefois pu savoir qu’ils militent afin de faire réaliser à l’humanité la portée de ses erreurs en puisant l’inspiration d’une solution dans la perfection des créations animales. Un but noble pour lesquels ils préfèrent rester incognito en déclarant:
We are nothing. We are a very real and solid message.
Maintenant, côté musical, ils se décrivent comme un groupe d’électrocore. Je dois dire d’entrée que j’ai été légèrement déçu de ne pas entendre plus de synthétiseur et clavier dans leurs pièces. Je m’attendais à une musicalité beaucoup plus électronique que heavymetal. Je crois qu’en tant que critique, il faut arrêter d’avoir des attentes, ça brise l’appréciation et la magie de la première écoute. J’ai toutefois eu une légère impression de déjà entendu. Ça m’a fait penser aux vieux albums de IN THIS MOMENT ou BULLET FOR MY VALENTINE. Personnellement, je n’aime pas beaucoup le style «Rock Gothique/Metalcore/PopRock/Emo», mais par contre j’aime bien en écouter une fois de temps en temps. Ici, j’ai quand même apprécié la musicalité des pièces. Par exemple dans la chanson «Disfigured by Karma», on ressentait bien les tracks d’électronique et j’ai bien aimé le son du drum plus complexe qui donnait une touche complémentaire à la pièce. Pour sa part, «From the Nest to the Grave», est une pièce très entrainante et rythmée. Elle varie beaucoup, passant de l’électronique à l’instrumental plus violent. Elle est mon coup de cœur de l’album.
Il y a par contre une chose qui m’a un peu déstabilisé. J’ai trouvé que la chanteuse avait toujours la même voix, au point de parfois en devenir un peu monotone. Je peux comprendre que c’est de la musique pour les gothiques, mais il me semble qu’on n’est pas obligé de ne pas avoir de vie dans sa voix. Cela manquait de puissance et de variations. Elle chante toujours sur la même tonalité, la même gamme. Il n’y a pas de surprise. Un peu comme le groupe IN THIS MOMENT à ses débuts. Toutefois, j’ai trouvé qu’il y a deux pièces où elle se démarque. Ce sont les pièces «Jackob» et «From the Nest to the Grave». Je suis restée surprise par la vivacité de la voix de la chanteuse pour celles-ci. Du début jusqu’à la fin, elles m’ont gardé en alerte. J’ai même arrêté ce que je faisais pour bien les écouter.
Pour les fans de musique gothique, électronique, rockpop, vous allez apprécier cet album. Même si ce n’est pas mon genre de musique et malgré mes réticences face au vocal qui m’ont fait décrocher par bout, je suis quand même capable d’apprécier car il y a un bon fond de musicalité. Ce sont 11 chansons pour près de 40 minutes intéressantes qui sont offertes sur «The Majesty of Your Becoming».
Marie-Noëlle Anctil
Not knowing a band or not particularly enjoying a musical genre never stopped me from listening to all kind of stuff and it’s fortunate that I remain open musically because Lex has a tendency to send to me some stuff that is totally unknown to me and often just off of my main taste.
This is again what happened with THE WAY OF PURITY‘s new album «The Majesty of Your Becoming». So I tried to find out more about them but it wasn’t easy because on their official website (where you can stream the whole album) they present themselves with this message:
THE WAY OF PURITY doesn’t show off with smart or cool band members. No names, no fancy photos, no effigy, no trendy musical influences and no nationality. No compromise, no way to talk or get to know us. We are NOTHING
However, I could learn they militate so people realize the extent of humanity’s mistakes by drawing inspiration for a solution in the perfection of animal creations. A noble purpose for which they prefer to remain incognito, saying:
We are nothing but we are a very real and solid message.
Now on the musical side, they describe themselves as an electrocore band. I must say at the outset that I was slightly disappointed not to hear more synth and keys parts. I expected it to be, musically, a lot more electronic than metal.
I believe though that as a reviewer, I must stop having expectations, it spoils the appreciation and the magic of the first listen. However though, I had a slight feeling of déjà heard. It made me think of the old albums of IN THIS MOMENT or BULLET FOR MY VALENTINE.
Personally, I don’t like that much the «Gothic Rock / Metalcore / PopRock / Emo» style but I do listen to it from time to time. Here I must say I did enjoy the music. As an example, the electronic tracks of the song «Disfigured by Karma» are well felt and I liked the sound of a more complex drum which gave an additional touch to the song. For its part, «From the Nest to the Grave» is a very catchy and rhythmic piece. It varies a lot, from electronics to more violent instrumental. It is my favorite of the album.
There is though something that was a bit unsettling. I found that the singer had always the same voice, to the point of sometimes become a little monotonous. I can understand that this is music for the Gothic, but it seems to me that there is no requirement of not having any feelings and energy in her voice. It lacked power and variations. She sang always on the same tone, in the same range. There is no surprise. A little bit like the band IN THIS MOMENT was in its beginnings. However, I found that there are two songs where the vocal stands out. These songs are «Jackob» and «From the Nest to the Grave». I was surprised by the liveliness of the voice of the singer for these. From the beginning to the end, it kept me interested.
Fans of gothic, electronic or poprock should appreciate this album. Even though it’s not my music type and in spite of my reservations regarding the vocals (that draw me in and out of songs), I’m still able to appreciate their music because of its musical drive. Here on «The Majesty of Your Becoming», they released 11 songs for about 40 minutes of pretty interesting music.
Marie-Noëlle Anctil
