by Lex Ivian | Juil 10, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
HELLRAD
«Things Never Change»
Indépendant/Self-Released
20 April 2015
Liste des pièces
«Street Zombies»
«My Jihad’s Against My Mind»
«Dope Fiend Jesus»
«Homegrown Terrorist»
«Fucked Up»
«15 Years and Counting»
«Smoke More Crack»
*English version follows
Ces temps-ci quand je vois les mots sludge, stoner, southern rock, je trouve souvent que ça finit par être du wannabe Black Sabbath de la première époque donc pré-1972. J’appuie habituellement sur «Play» en me demandant combien de secondes ça prendra avant que je me dise que finalement ce n’est pas très original.
Je vous annonce que ce n’est pas arrivé avec Hellrad. Le groupe formé à Philadelphie il y a moins d’un an a fait ses débuts sur album avec «Things never change» au mois d’avril, et je dois dire tout de suite qu’il fait partie des groupes qui sortent du lot. Si je peux vous faire une référence toute locale, je sens des similarités avec le groupe montréalais Dopethrone dans leur façon d’être sludge avec le côté lent du doom et la crasse crust amenée par la distortion des instruments et de la voix. Mention honorable au dessin complètement thrash de la pochette de l’album qui est dans un esprit GG Allin.
L’album débute avec une sirène d’alarme au son downtuné puis pendant que la batterie installe la rythmique, un kid dit,
Let me go with you guys
I’ll show you dead bodies
et «Street zombie» montre tout de suite qu’ils sont capables de jouer ensemble alors que le riff de guitare rejoint et suit la batterie puis la challenge comme dans une joute. Quand la voix de Dirty Dave Repenning embarque, on ne peut pas NE PAS avoir de réaction. C’est soit oui immédiatement ou ça gâche tout le restant. Moi, qui ne suis pas accroché par les screech aigus d’habitude surtout quand c’est dans le style post-whatever, surprenamment j’ai apprécié parce que, j’ai eu comme l’impression que tout se mettait vraiment en place; comme si la voix venaient de lier ensemble tous les sons que j’entendais. Il s’accorde avec la distorsion des cordes et avec le bruit des cymbales. C’est creepy, c’est sombre, mais c’est aussi groovy.
«My jihad’s against my mind» est un pounding comme si on se faisait pilonner le cerveau par la basse pendant que la voix de Repenning finit de nous frire les neurones.
Avec «Dopefiend Jesus», c’est bluesy bayou et oui oui ils ont un bout carrément emprunté de Black Sabbath qui arrive à 1:45 de la pièce, mais en même temps, ils ne l’étirent pas. Et en plus, c’est amené par un riff qui aurait pu être joué au banjo!! Laissez faire cette dernière remarque, je me comprends.
Un sampling débute la suivante «Homegrown terrorist» avec le fredonnement de la comptine des fourmis, tsé…
les fourmis marche par deux, par deux hourra hourra
les fourmis marchent par deux, par deux, en transportant ….
avant que ça parte encore en crasse agressive mais c’est drôle comment cette pièce est montée comme du vieux hardcore punk: fast pace-slow pace-fast pace. J’avais quasiment l’impression d’écouter quelque chose du genre de «Institutionalized» de Suicidal Tendencies mais downtuné et downtempo.
Avec «Fucked up (all I’ll ever be)», c’est quand je me suis dit qu’il était temps que ça arrête parce que j’avais quand même enduré le même riff en boucle depuis 4 minutes qu’ils ont décidé de virer ça en rock alors naturellement ça l’a eu l’effet escompté mais je me demande quand même si c’est parce que c’était vraiment bon ou juste une réaction opposée causée par ma réaction adverse des quatre minutes précédentes. Remarquez que c’est groovy en masse et elle offre les seuls autres solos de guitare de l’album à part celui de «Dopefiend Jesus».
«15 years and counting» est bizarre parce qu’à deux minutes de la pièce, quand je pensais que le beat était établi, ça vire dans une direction totalement autre et j’ai eu l’impression d’une rencontre entre The Melvins et No Means No. C’est comme Funky, Fuzzy, Jazzy, Junky.
«Smoke more crack» est vraiment une pièce hallucinante dans son délirium. Se faire crier par la voix de Dirty Dave «Smoke more crack» à répétition donne le goût de frapper quelque chose ou quelqu’un mais ça se replace ensuite. Surtout si vous avez mis votre pulsion à exécution.
Hellrad mérite une oreille attentive si vous aimez votre sludge pesant et crasse dans le genre, comme je disais plus haut, que le font nos locaux montréalais Dopethrone. Certaines pièces sont répétitives et cycliques mais c’est la façon de faire de Hellrad et ils réussissent à varier leurs compositions au bon moment pour ne pas qu’on ait effectivement l’impression de tourner en rond. Rien tout au long de l’album ne m’a dérangé, même pas la passe de Black Sabbath (et je le répète que je suis plus que tanné d’entendre les mêmes riffs). Un premier album qui sent le squat dans des immeubles crasseux abandonnés ou des dessous d’autoroutes surélevées et l’urgence de s’injecter sa dose zombifiante.
Lex
These days when I see the words sludge, stoner, southern rock, it often ends up it’s some kind of wannabe «first-era Black Sabbath», meaning pre-1972. I usually push «Play» wondering how many seconds it will take before I dismiss it as not very original.
I can tell you right away it didn’t happen with Hellrad. The band born out of Philadelphia less than a year ago made its debut with «Things never change» in April, and I must say immediately that it is one band that stands out. I like this kind of sludge that mainly stays in a doomy mood but never forgets to groove and projects that crust vibe through vocal aggression and distorted sound; a thing I also appreciate in (to do some friendly name dropping here) Dopethrone from Montreal if you’re into that stuff.
The album starts off with an air raid siren or maybe the alarm of some creepy facility (think of «Resident evil»), and then a kid says while the drum pounds its way in in an oppressing way
Let me go with you guys
I’ll show you dead bodies
and «Zombie Street» shows right away that they are able to play together when the guitar riff joins and follows the drum before they challenge themselves too as in a game. When the voice of Dirty Dave Repenning creepy crawls in, you can not have NO reaction. It’s either yes immediately or it spoils all the rest. I, who am not hooked by the sharp screech usually, especially when it’s in the post-whatever style, surprisingly enjoyed it because I felt that everything kind of settled up as if the voice came forward binding together all the sounds I heard. It fits with the strings’ distorted sound and with the cymbals. It’s creepy, it’s dark, but it still grooves.
«My jihad’s against my mind» is a pummeling as if the bass was a meat tenderizer pounding our brain while Repenning‘s vocals fry cook our smashed neurons.
With «Dopefiend Jesus» it gets on the bluesy bayou side and yes, they have a borrowed riff from Black Sabbath at 1:45 of the song, but at the same time, they do not stretch it. And besides, it is brought by a riff that could have been played on a banjo!!
A sampling begins the next «Homegrown terrorist» with the hum of the kids’ song «The ants go marching», you know…
The ants go marching one by one, hurrah, hurrah!
The ants go marching one by one, hurrah, hurrah!
The ants go marching one by one….
before it gets fast and aggressive but at the same time, this song is structured like old hardcore punk: fast pace-slow pace-fast pace. I felt almost like listening to «Institutionalized» by Suicidal Tendencies but downtuned and downtempo.
With «Fucked up (all I’ll ever be)», it’s when I thought it was time it stopped because I had been listening to the same riff repeatedly for 4 minutes that they decided to switch into a groovy rock so naturally it had the desired effect. I still wonder though if it’s because it was really good or just a natural opposite reaction brought forth by my adverse reaction for the previous four minutes…. Hum…!! I’m not sure but I hope you’ll enjoy the guitar solo!!
«15 years and counting» is odd because two minutes in the song, while I thought that the beat was well established, it turns in a totally different direction and I had the impression of a meeting between The Melvins and No Means No. It’s Funky, Fuzzy, Jazzy and Junky.
«Smoke more crack» is again that kind of groovy track but with an oppressing side. Being yelled «Smoke more crack» repeatedly by Dirty Dave is really a mind-blowing moment in its delirium that makes me want to bash something or someone. You’ll feel better later in the song… even more if you effectively bashed something…
Hellrad deserves an attentive ear if you like your sludge heavy and crusty in the genre, like I said above, done by our local Montrealers Dopethrone. Some songs are repetitive and cyclical but that’s the way they do it and they manage to vary their compositions at the right time so I didn’t get the actual sensation of going around in circles. Nothing throughout the album did bother me, not even the Black Sabbath rip off (and I repeat that I am more than fed up of hearing the same riff). Hellrad just released a first album that smells like a filthy squat in an abandoned building or beneath an elevated highway and the urgency to inject that zombifying dose. It should definitely rock in all dirty crusty ears.
Lex Ivian
by Marryah Noch Mulligore | Juil 9, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
FIN’AMOR
«Forbidding Mourning»
Self-release/Indépendant
7 Juillet 2015
*English version follows
J’vais débuter en disant que FIN’AMOR, c’est un band New-Yorkais. J’entends cette information nulle part dans leur son. Ça se peut assez fort bien que même leur nom indique qu’ils savent ça pas à peu près. En passant le pas de la porte, la première affaire que j’entends, c’est des influences AMORPHIS et oldschool ATROCITY. C’est rafraîchissant à souhait, et beaucoup plus Finnois dans la nature de son attaque qu’Américain ou «blue collar».
Ce genre de funeral doom accentué de death-doom, ça prend un talent débordant pour l’exécuter correctement d’une manière qui va réellement me sacrer au feu en me poussant à en redemander. Ce qui fait que cet engagement est réellement et audiblement pris sur «Forbidding Mourning», c’est que les émotions exprimées à travers le musicianship ne sont pas filtrées ni embellies. Je me ramasse à trouver que sur trop d’albums en ce genre, un certain besoin de trop se contenir est facile à cibler dans l’approche du vocal autant que de la guitare ou du drum qui semble être pas mal trop loin du reste du band pour me donner l’impression qu’ils sont réellement rassemblés dans la même pièce. Le manque d’unification est alors facile à entendre et à imaginer et le résultat en termes de songwriting n’est peu, voire pas, compact. Ce que ça apporte réellement en termes de défoulement est vachement amoindri et c’est loin de calmer un craving.
Ici, les gars nous démontrent qu’ils sont écoeurés de ce genre d’unwritten rule of the modern times en nous sacrant une volée. Le vocal est percutant et bien calculé dans la progression de son approche pour réussir à nous emmener l’esprit dans un épais brouillard d’orgasmique libération de l’âme et de la rage qui peut nous posséder quand on se met à confronter des émotions qui ont été enfouies trop longtemps. La performance de ce frontman est une thérapie en elle-même. La guitare amène des riffs et leads qui ont un penchant folksy et déprimant à la fois comme AMORPHIS et une touche peut être plus present day en emmenant un mélange de post rock et death-doom ambient qui me fait penser plus à PARADISE LOST; ajoutez à cela une touche d’angoisse frénétique et engageante nappée d’en masse de vibes gothiques qui donnent à cela une touche un peu plus 80s et glauque. Le drum est diversifié et a un focus enflammé et dangereux. La basse sonne aussi macabrement sanglante que jamais.
Honnêtement c’est pas de refus. C’est tellement facile de se planter en tentant cette formule que quand c’est aussi bien fait, on en veut immédiatement plus. Je déconne pas.
Noch la Décapiteuse
I’ll start by saying that FIN’AMOR is a New York band. I can’t relate to this information anywhere in their sound. It may well be in their name that we’ll find clues that their inspiration comes from some other country. Stepping into the album, the first thing I hear is AMORPHIS and oldschool ATROCITY influences. It’s nicely refreshing, and much more Finnish in the nature of its attack than American or «blue collar».
This kind of funeral doom, accentuated by some death-doom, takes skillful musicianship to craft songs in a way that will really turn me on, leaving me craving for more. Proof that this commitment is actually taken on «Forbidding Mourning» is that the emotions expressed through the musicianship are not filtered or embellished. On too many albums in this genre, I feel the will to restrain the vocal approach as well as for guitars and also that often the drum sound afar from the rest of the band which gives me the impression that they are NOT actually in the same room together. Thus the lack of unification is easy to hear and the result in terms of songwriting is little or not at all compact. What it actually brings in terms of emotional release is then diminished and it is really far from satisfying my craving.
Here, the guys show that they are fed up with this kind of unwritten rule of the modern times by ramming their way in. The vocal is powerful and well calculated in the progression of its approach to successfully bring our minds into a thick fog of orgasmic freeing of the soul by releasing the rage that develops when confronted to emotions that were buried too long. The performance of this frontman is a therapy by itself. The guitar riffs and leads tends to be folksy and at the same time depressing as AMORPHIS with a more present day touch added by a mixture of post rock and death doom atmosphere that brings to mind PARADISE LOST; add some frantic anxiety flooded with Gothic vibes that give it a touch a bit more 80s and murky. The drum is diverse and has a fiery and dangerous focus. The bass sounds gruesomely bloody.
Honestly, I’d take this all the time. It’s so easy to fail by trying this formula but when it is done that well, I immediately shout for more. I’m not kidding.
Noch la Décapiteuse
by Marryah Noch Mulligore | Juil 9, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
IN VAIN
«The Little Things That Matter»
Pure Steel Publishing
Date de sortie: 31 Juillet 2015
*English version follows
Ça va avoir l’air d’une énormité presqu’inacceptable comme statement, mais j’vais le dire anyway; IN VAIN de Madrid, Espagne, c’est probablement le band de speed power metal aux touches pirates qui est encore dans l’underground qui me fait capoter le plus.
La minute que «The Little Things That Matter» se met à tirer, y’a pas un tata qui est épargné. Les twin guitars se garrochent dans du melodic speed riffing qui semble inépuisable en termes d’originalité et de style franchement décoiffant. Le drumming suit ce pattern complètement rushant en se démenant sans difficulté pour assurer un rythme enivrant et complètement enveloppant. On entend des influences néoclassiques dans la delivery de la basse qui ont une saprée belle touch, et le vocaliste, bien que parfois trop gutsy en essayant d’atteindre des notes vraiment pas évidentes vu les contrastes de tonalités qu’il tâche d’atteindre à tout bout de champ, a une énergie palpitante et prenante et un charisme qui risque de tourner pas mal de têtes. Préparez-vous pour une révélation s’ils finissent par avoir une chance d’avoir plus de visibilité, c’est sûrement un des prochains big name.
Ici, les tounes qui te restent pognées dans la tête vont te faire du bien pour les prochains mois. Cet album a pas besoin d’être parfait pour avoir le don de rester dans ta collection d’essentials. Tu veux un album de bière qui te mets sur le party avec la pertinence oldschool bien huilée de RUNNING WILD meets JUDAS PRIEST? Ben sers-toi, mon ami.
Noch la Décapiteuse
It’s going to sound like an unacceptable enormity but I’ll say it anyway; IN VAIN from Madrid, Spain is probably the speed power metal band with pirate allegeance still in the underground that turns me on the most.
The minute «The Little Things That Matter» starts shooting, there’s nowhere to hide, nowhere to run, noone is spared. The twin guitars burst in melodic speed riffing seems inexhaustible in terms of originality and frankly mind-blowing style. The drumming follows this pattern completely overwhelming without difficulty to ensure an intoxicating rhythm wrapping around us. We hear nice neoclassical influences in the bass delivery, and the vocalist, although sometimes too gutsy by pushing out of the obvious notes considering the contrasted tones he tries to reach at every turn, has a thrilling and captivating energy and charisma that could turn heads. Get ready for a revelation if they end up under the spotlight and attract more visibility, it is surely one of the next big name .
Here the songs that stay in your head will make you feel good for the coming months. This album does not need to be perfect to stay in your collection of essentials. You want a beer album that put you on a party mood with the well-oiled oldschool relevance of RUNNING WILD meets JUDAS PRIEST? Well help yourself, my friend.
Noch la Décapiteuse
by Marryah Noch Mulligore | Juil 8, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
ARAPACIS
«A Disturbing Awakening»
Ravenheart Music
OUT NOW
*English version follows
ARAPACIS est un band Québécois qui sonne Américain à en fendre l’air. Je dis ça sous forme de compliment. Ce qu’on entend sur «A Disturbing Awakening» en termes d’instrumentation, ça sonne assez proche de ce que des groupes comme BAD COMPANY et DEEP PURPLE ont assimilé de leurs influences des premières ères du blues et de l’école de pensée BLACK SABBATH, avec des influences doom plus modernes que j’associerais sans vraiment avoir besoin d’y repenser à des noms comme BLOOD CEREMONY et LUCIFER. Jusqu’à date ça me fait vraiment plaisir.
Je dois souligner que les riffs qu’on a ici, surtout les solos, sont vraiment des jams mémorables et entraînants qui ont le don de me surprendre; que le drumming apporte aussi sa touche éclectique pour soutenir l’originalité; ainsi que la pertinence du son qui refuse tout simplement de prendre trop ses aises dans un moule défini pour toute la durée de l’album, ce qui nous donne l’impression qu’on assiste ici à une session d’écriture vraiment tight. La production ajoute aussi à ce «rehearsal room feel». Ça peut sembler que je dis que ça manque de structure, mais c’est plutôt le contraire; c’est un tact tout naturel pour ce qui est efficace et ce qui l’est pas. Sur des albums de stoner rock et vintage doom, c’est facile d’identifier les tracks un peu plus lâches qui sont tellement «filler» qu’on arrive à se demander pourquoi ça se retrouve sur le produit fini. C’est un effort conscient pour garder le matériel réellement engageant et vraiment déployé par ce groupe de musiciens futés et recommendables.
La seule chose que j’aurais à redire est que la frontwoman pourrait s’accorder plus de crédit car elle a réellement un range all-encapsulating et gritty, avec une réelle personnalité qui sait me prendre complètement au dépourvu dans ses expérimentations- par contre j’entends un peu trop de retenue sur certaines pièces, et je pense que ce genre de talent devrait être pas mal plus imbu de lui-même, car ce n’est pas un défaut de vanter ses mérites quand ceux-ci sont remarquablement épatants.
Je crois qu’ARAPACIS as a whole ont du stock pour définir leur identité propre à partir d’ici car ils démontrent qu’ils osent monter le son et s’arranger pour que la ville au complet les entende pendant qu’ils s’affairent à leurs rituels d’exploration. Je dois lever mon chapeau; ce genre de bravoure est rare dans le rock and roll moderne et ça me ramène dans le temps avec une bonne dose d’appréciation nostalgique. Je pense que le but de «A Disturbing Awakening» est probablement ciblé ici. Ceci étant le premier album d’ARAPACIS que j’entends dans leur discographie, je suis curieuse d’aller voir leur back-catalogue pour sonder ce qui les a menés ici et avoir une meilleure idée de leurs débuts, en espérant qu’ils se gâteront encore plus avec leurs jams positivement éméchés prochainement.
Petite note à prendre en compte: Guy Leblanc et Don Airey sont des musiciens de session sur deux des tracks. Allez deviner lesquelles. 😉
Noch la Décapiteuse
ARAPACIS is a band from around Montreal that couldn’t sound more American. I say this as a compliment. What we hear on «A Disturbing Awakening» in terms of instrumentation, sounds pretty close to what bands like BAD COMPANY and DEEP PURPLE have assimilated from their early blues eras influences and from the BLACK SABBATH school of thought, with more modern doom influences that I would associate without second thoughts to names like BLOOD CEREMONY and LUCIFER. So far it really makes me happy.
I must emphasize that the riffs we have here, especially the solos are really catchy and memorable jams that have the knack to surprise me; the drumming also brings his eclectic touch to support the originality; and the relevance of the sound that simply refuses to take his ease too nor set in a mold for the duration of the album, gives us the impression that we are witnessing here a really tight writing session. The production also adds to this «rehearsal room feel». It may seem that I say it lacks structure, but rather the opposite; it is a natural tact to what is effective and what is not. On albums of stoner rock and vintage doom, it’s easy to identify the tracks which are fillers that makes me begin to wonder why it ended up on the finished product. It is a conscious effort to keep truly engaging material is really made by this band of smart and recommendable musicians.
The only thing I would put on the down side is that the frontwoman should give more credence to her voice because it actually has an all-encapsulating and gritty range, with a real personality who can take me completely by surprise in its experimentations. unfortunately I hear too much restraint on certain songs, and I think that kind of talent should be a lot more imbued with herself, because it is not a flaw to extol its merits when they are astonishingly remarkable.
I think as a whole ARAPACIS have plenty of good stuff to define their own identity because they demonstrate they dare to turn up the volume and make sure the entire city hear them while being busy at their exploration rituals. I have to tip my hat; this kind of bravery is rare in the modern rock and roll and it takes me back in time with a good dose of nostalgic appreciation. I think that the purpose of «A Disturbing Awakening» is probably targeted here. This being the first Arapacis album I hear of their discography, I’m curious to hear their back catalog to probe what led them here and have a better idea of their debut, hoping they’ll push forward their spaced out jams soon.
Guy Leblanc and Don Airey are session musicians on two of the tracks. Can you guess which?
Noch la Décapiteuse
by Francis LaBadie | Juil 8, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
Irreversible Mechanism
« Infinite Fields »
Blood Music
2015
Liste des pièces
« Irreversible Mechanism »
« Into the Void »
« Outburst »
« The Agony »
« Infinite Fields »
« Incipience »
« Fragile »
« The Betrayer of Time »
« Cold Winds »
*English version follows
Irreversible Mechanism est un groupe de death metal progressif en provenance de la Biélorussie, formé en 2012 à Minsk. «Infinite Fields» est leur premier album.
Ça commence avec trois minutes d’introduction de type orchestrale qui nous font languir (eh oui, beaucoup de groupes ont le don de nous faire ça, mais alors que plusieurs pourraient trouver ça lassant à la longue, personnellement je trouve que c’est un moment stratégique pour découvrir une partie de l’identité du son du groupe).
«Into the Void» bâtit progressivement une tension avec quelques notes d’orchestre comme dans l’intro et des saveurs black metal à tempo rapide prennent le flambeau. On comprend rapidement que le niveau de technique dans leur matériel n’est pas pris à la légère: sweep picking et blast beats sont au menu. L’usage de séquences (puisqu’il n’y a pas de claviériste dans leur lineup) rend leur matériel plus étoffé et bien qu’ils ne font pas mention de black metal dans leur appellation de style sur leur page, leur son mélange avec brio les éléments du death et ceux du black moderne selon moi. Cette première pièce démontre efficacement que Irreversible Mechanism sont des musiciens expérimentés, très capables de livrer du matériel technique.
Si vous aviez abaissé votre garde comme moi et vous vous attendiez à un début de pièce progressif, vous aussi êtes sûrement surpris de ce début très «dans ta face» qui commence «Outburst» sans aucun préliminaire. On parle littéralement d’une pluie d’arpèges de la part du guitariste lead qui n’y va pas de main morte! Le son d’orchestre qui accompagne le groupe est très efficace pour colorer le son davantage, les passages d’orgue et de piano sont particulièrement intéressants. Un son théatral et sombre comme celui-ci me rappelle un peu celui de certaines pièces du groupe Naglfar que j’écoutais pendant mon adolescence.
Les «strings» et la guitare lead y sont pour beaucoup dans la structure dans pièces, les transitions et la direction dans laquelle le mood se dirige. La pièce «The Agony» le démontre bien avec son intro et ses riffs principaux. Si on prête l’oreille, on peut entendre que pendant des moments plus espacés, la basse prend le devant avec des leads qui sonnent tricky à jouer. Je ne pense pas pouvoir nommer de groupe auquel faire référence pour décrire le son, à part peut-être un peu The Unconscious Mind, mais en plus profond, expressif, et surtout plus shreddy.
Parlant de références, «Infinite Fields» comporte quelques passages qui me font penser a Beyond Creation, non pas tellement dans le style de mélodie, mais plutôt dans l’approche rythmique. Beaucoup de gens n’aiment pas ça quand la guitare solo est trop hyperactive, mais je dirais que dans le cas de Irreversible Mechanism, le soliste soutient très bien la mélodie en y ajoutant de l’expression même s’il en met beaucoup et ça c’est beau à entendre.
Encore une fois je pense à The Unconscious Mind pour la pièce «Fragile» et le côté dramatique avec les sons de violons me fait un peu penser à Anorexia Nervosa. Le son de l’album reste homogène à lui même tout en apportant des couleurs variées à travers l’enchaînement des pièces.
L’énergie pour sa part, est constante et pratiquement toujours haute en vélocité, excepté pour les quelques moments où il y a des interludes de milieu de pièce et que ça repart ensuite. C’est un album qui fusionne une variété de sons comme ceux du death technique, le coté symphonique et sombre du black moderne avec une richesse sonore apportée par les orchestres dans les séquences. Une excellente production et de quoi étancher la soif des trippeux de guitare solo hyperactive avec une grande dose de mélodie.
Francis Labadie
Irreversible Mechanism is a progressive death metal band from Belarus, formed in 2012 in Minsk. «Infinite Fields» is their first album.
It begins with three minutes of an orchestral type introduction that make us languish (yes, many bands have the tendency to make us wait, but while many listeners might find it boring in the long run, I personally think it’s a strategic moment to discover a part of the identity of a band)
«Into the Void» gradually builds tension with some orchestral notes as in the intro and then black metal flavored fast tempo drive the song. One quickly understands that the level of technicality in their songs is not taken lightly: sweep picking and blast beats are on the menu. The use of sequences (since there is no keyboard player in their lineup) densifies the song and although they do not mention black metal in their band style description on their facebook page, for my ears, they do mix brilliantly, elements of death metal and those of the modern black metal. This first song effectively shows that Irreversible Mechanism are experienced musicians, very capable of delivering technical stuff.
If, like me, you lowered your guard and you expected a gradual start to the next song, then you were in for a surprise too with this «in your face» start to «Outburst». We literally talk about a serie of arpeggios from the lead guitarist with no holds barred! The orchestral sound that accompanies the band is very effective in coloring their sound; the organ and piano passages are particularly interesting. A dark and theatrical sound like this reminds me of certain songs of Naglfar, a band I listened to during my adolescence.
The strings and lead guitar have to be credited for much of the structure of the songs, transitions and the direction in which the mood is heading. The song «The Agony» demonstrates this well with its intro and main riffs. If you listen carefully, you’ll hear at times that the bass takes the front with leads that sound tricky to play. I don’t think I can name a band to which to refer to describe the sound, except perhaps a loose tie to The Unconscious Mind, but in a more profound, expressive, and especially more shreddy way.
Speaking of references, «Infinite Fields» has some passages that reminds me of Beyond Creation, not so much in the style of melody, but in the rhythmic approach. Many listeners don’t like it when the only guitar is too hyperactive, but I would say that in the case of Irreversible Mechanism, the soloist finely support the melody by adding some feelings and even though it’s a lot, it’s still beautiful to hear.
Again I think of The Unconscious Mind for the song «Fragile» and the drama added with the violins reminds me of Anorexia Nervosa. The sound of the album remains homogeneous while providing a variety of colors through the song composition.
The level of energy on the album is constant and almost always in high velocity, except for the few times when there are kind of «interludes» parts in the middle of songs before it starts all over again. It’s an album that merges a variety of genres such as technical death metal and the symphonic dark side of the modern black metal with rich arrangements provided by orchestras in the sequences. An excellent production that should quench the thirst of the die-hards for overactive lead guitar with a dose of great melody.
Francis Labadie
by Lex Ivian | Juil 2, 2015 | Critiques, Critiques d'Albums
Miellnir
«Incineration astern»
Stygian Crypt Productions
2014
Liste des pièces
«Incineration Overture» (Intro)
«Prey»
«Legends Of The Fallen»
«Stand Against»
«Journey Through The Nine Worlds»
«Ugar-buhlo»
«Embraced By Ire» (bonus track)
«Jörð» (bonus track)
«The Gallows Tree» (bonus track)
«Valhalla Awaits» (bonus track)
*English version follows
Je suis toujours curieux quant à divers trucs concernant un groupe lorsque je le découvre. Bien sûr, la base est de savoir d’où il vient mais j’aime aussi savoir la signification de leur nom. Souvent justement, c’est le nom d’un groupe qui m’accroche en premier quand je n’ai jamais entendu la musique avant. Et comme le nom Miellnir sonne vaguement comme Mjölnir, le nom du marteau légendaire de Thor, j’ai donc cherché à savoir ce qu’il pouvait signifier avant de me lancer dans l’album comme tel pour voir si je devais me fier à mon oreille. Surtout avec le artwork de la pochette de l’album qui reproduit assez fidèlement les images de drakkar des livres d’histoire. Je n’ai pas réussi à trouver quoi que ce soit comme information, à un point tel que le groupe n’a pas de facebook mais un myspace sans infos et un compte youtube, et les recherches google ne m’ont mené nulle part quant à la signification de «Miellnir». En fait, la seule chose que j’ai su est qu’ici, pour quatre gars de l’Ukraine, Miellnir, c’est le nom de leur groupe formé en 2005, qui en est à la sortie de son premier album, «Incinération Astern» près de 10 ans après leur formation et disponible via le label russe Stygian Crypt Productions depuis novembre 2014. Le titre de l’album veut plus ou moins dire «le feu en poupe».
Ça me réconforte quand même dans mon idée d’association «Miellnir-Mjölnir» de constater qu’il fait du Pagan/Viking Métal et a un thème lyrique qui reste fidèle au genre Viking et les histoires de leurs dieux. Ainsi des titres comme «Journey through the Nine Worlds» dont fait partie Midgard (Terre) reliés par l’arbre des mondes ou «Jörð» qui raconte une histoire de voyage en bateau chère aux légendes vikings et le titre de la pièce fait référence à la terre ferme. C’est de l’islandais(!). «Valhalla Awaits», «The gallows tree» (l’arbre aux pendus) et «Legends of the Fallen» sont d’autres titres évocateurs.
Bon vous voyez le topo côté paroles. Côté musique, Miellnir est riche en influences d’un tas de styles différents; Doom, Folk, Black, Death avec une touche symphonique dans l’utilisation des claviers pour créer les trames de fond épique de leurs pièces. Les claviers créent des ambiances atmosphériques cinématographiques que j’ai tendance parfois à associer à Hans Zimmer et participent aussi aux lignes mélodiques. J’ai bien aimé les interactions claviers-guitares dont particulièrement dans «Journey Through The Nine Worlds» avec son intro de piano bientôt reprise par la guitare.
Pour donner une idée, l’album débute avec «Incineration Overture», une intro de clavier qui installe ladite atmosphère cinématographique permettant de se préparer au périple qui nous attend. La finale de l’intro sur un roulement de tambour enchaîne parfaitement avec «Prey» et sa batterie organique bientôt rejointe par la ligne mélodique de la basse à laquelle la guitare emboîte le pas pendant que s’amplifient les claviers atmosphériques pour nous propulser dans une pièce de melodic blackened death (à la Dimmu Borgir ou encore Behemoth pour nommer des groupes connus). Des rafales de grosse caisse et des riffs en trémolo installent le côté black bien accompagnés par les deux vocaux aux voix rauques dont une plus écorchée à la black et l’autre plus gutturale à la death, puis quand la batterie organique du début revient la pièce bascule dans une ambiance folk où on a alors droit à un très beau chant clean à la voix chaude.
Alors que déjà Miellnir a amplement montré sa capacité à mêler les styles avec goût dès le début de l’album, cette versatilité ne viendra pas pour autant surcharger leur musique. Ce fera plutôt en sorte que Miellnir présente une musique qui porte définitivement sa signature propre dont le melodic death à la Amon Amarth (si on veut un rapprochement avec un autre groupe connu) tel que présenté dans «Legends Of The Fallen» ou «Valhalla Awaits» ou dans les pièces les plus lentes de l’album «Jörð» et «Stand against», peut sembler la ligne directrice la plus fiable et récurrente mais en même temps, ce n’est jamais vraiment ça.
Ainsi peut-on qualifier «Ugar-buhlo» de folk avec son début à l’accordéon qui, pour nous Québécois, rappelle immédiatement les soirées dansantes ancestrales qui, au son des rigodons, entraînaient nos aïeux de set callés en farandole. Ou de death à cause de la portion centrale de la pièce… En tout cas c’est un folk death du tonnerre.
Avec «Embraced By Ire», c’est de la harpe et un clavier au son de clavecin qui viennent me montrer que Miellnir n’a pas fini de me surprendre. Et une flûte en arrière-plan (également dans «Jörð»). Ô, il me semble que c’est un arrangement inspiré d’un opéra rock ou quelque chose du genre qui flashe rapidement avant de poursuivre dans un melodic blackened death. L’ambiance opéra rock restera et d’ailleurs c’est la pièce au plus long solo de guitare, bien campé dans le style glam opératique. Parlant guitare, «Jörð», débute avec une belle mélodie à la guitare acoustique sur fond de vent avec cris de mouette pour installer l’atmosphère d’un voyage en mer.
On aura aussi un côté black plus cru pour «The Gallows tree» qui se lance dans les riffs en trémolo et blastbeat.
Côté vocal, il y aura principalement les deux voix rauques qui se partagent l’essentiel des couplets mais également ici aussi une grande variété de vocaux dont aucun semble non pertinent. Ainsi, dans «Stand against», ça débute avec des chants de gorge qui en s’estompant sont remplacés par des orgues qui poursuivent la mélodie ce qui fait un fondu super intéressant puis pour la première fois de l’album, la voix fait un squeal, oui oui comme dans le grindcore (ne vous inquiétez si ça vous dérange les couinements, il reviendra seulement une deuxième et dernière fois dans cette pièce), avant de revenir aux growls habituels mais avec une légère variante qui rappelle le chant de gorge du début. Il y a aussi un choeur féminin qui vocalise dans «Jörð» et «Valhalla Awaits» alors qu’il participe au couplets de paroles dans «The Gallows tree».
Vous pouvez donc constater que l’album est moins que linéaire et en même temps, le chemin n’est pas tortueux et embroussaillé. Les arrangements font en sorte que les transitions amènent bien les diverses ambiances. Leur façon de composer fait un mélange imprévisible, versatile et cohérent. Toutes les chansons sont uniques et chacune amène sa petite particularité. On ne sait pas où ça va nous mener mais c’est confortablement et sans soubresauts qu’on progresse. En tout cas, l’ambiance est grave et à la limite pesante d’implications et la musique le rend bien.
Je ne sais pas ce qui attend Miellnir car peu d’informations circulent à leur sujet mais parions que leur album serait bien accueilli et laisserait sa marque de ce côté-ci de la Grande Flaque Atlantique s’il la traversait avec un distributeur adéquat, tout comme les Grands Marins Norois ont laissé leur marque sur nos côtes lorsqu’ils ont traversé il y a plus de mille ans pour découvrir le Vinland et le Markland.
Lex Ivian
I’m always curious about various tips about a band when I discover it. Of course, the basic is to know where it comes from but I also like to know the meaning of their name. Often, it is the name of a group that catches me first when I’ve never heard their music before. And as the name Miellnir sounds vaguely like Mjölnir, the name of Thor’s legendary hammer, I looked to see what it might mean before getting into the album as such to see if I had to trust my ears. Especially with the artwork of the album cover that pretty faithfully reproduce drakkar images from the history books. I didn’t find any information, to the point that the band doesn’t have a facebook but a myspace without information and a youtube account. Furthermore, google searches have led me nowhere as in the meaning of «Miellnir». In fact, the only thing I know is that here for four guys from Ukraine, Miellnir is the name of their band formed in 2005, which came forth with the release of its first album «Incineration Astern» nearly 10 years after their formation and available through the Russian label Stygian Crypt Productions since November 2014.
It comforts me still in my idea of associating «Miellnir-Mjölnir», to see that it says it plays Pagan/Viking Metal and follows a lyrical theme that stays true to the Viking genre and stories of their gods. Thus titles like «Journey through the Nine Worlds», which includes Midgard (Earth) connected by the tree of worlds, or «Jörð» which tells a story of sea travelling common to Viking legends and the title of the song refers to «firm ground». That is in Icelandic. «Valhalla Awaits», «The gallows tree» (The hanging tree) and «Legends of the Fallen» are other evocative titles.
Now, you have the picture on the lyrical side. Musically, Miellnir is rich in influences from a lot of different styles; Doom, Folk, Black, Death with symphonic touches in the use of keyboards to create the epic background landscapes. The keyboards create cinematic atmospheric environments that I tend sometimes to associate with Hans Zimmer and also participate in the melodic lines. I liked the keyboards-guitars interactions especially within «Journey Through The Nine Worlds» with its piano intro soon taken over by the guitar.
To give an idea, the album starts with «Incineration Overture», a keyboard intro that installs said cinematic atmosphere to prepare for the journey ahead. The final of the intro on a drumroll connects perfectly with «Prey» and its organic drumming soon joined by the melodic line of the bass followed by the guitar while the atmospheric keyboards amplifies to propel us into a melodic blackened death song (à la Behemoth or Dimmu Borgir to drop here some comforting names). Bursts of bassdrum and tremolo riffs install the black metal side, well supported by both hoarse vocals with one more screechy black metal style and the other more guttural like in death metal. Then when the organic drumming from the beginning of the song returns, it steps into a folk atmosphere where you’re entitled to a beautiful clean singing with a warm voice.
While Miellnir already amply demonstrated its ability to mix styles with taste since the beginning of the album, this versatility won’t come overburdening their music. This will ensure that rather Miellnir present music that definitely carries its own signature whose melodic death akin to Amon Amarth (just to drop here another known band) as presented in «Legends Of The Fallen» and «Valhalla Awaits» and in the two slower songs «Jörð» and «Stand against» may seem the line the most reliable and recurring but at the same time, it’s never really that.
So can we call «Ugar-buhlo» a folk song cause it starts with accordion and a folk rythmic. Or death due to the central portion of the song … In any case it is a thunderous folk death song.
With «Embraced By Ire», the harp and harpsichord keyboard show me Miellnir hasn’t finished surprising me. And a flute in the background (also in «Jörð»). Oh, I think it’s an arrangement inspired from a rock opera or something like it that flashes quickly before continuing in a melodic blackened death. The opera rock atmosphere will remain and indeed it is the song with the longest guitar solo, well camped in the operatic glam style. Talking about guitar, «Jörð» starts with a beautiful melody on acoustic guitar with wind in the background while seagull cries to install the atmosphere of a trip at sea.
There will also be a cruder black metal side for «The Gallows tree» which launches in tremolo riffs and blastbeat.
On the vocal side, there will be the two main hoarse voices that share most of the verses here but also a wide variety of vocals, none seems irrelevant. Thus, in «Stand against» it starts with throat singing that fades to be replaced by organs pursuing the melody making a perfect blend. Then for the first time on the album, the voice makes a squeal, yes yes as in grindcore and will come back a second and last time later in the song, before returning to the usual growls but with a slight variation that recalls throat singing of the beginning. There is also a female choir which vocalise in «Jörð», which is nice with the flute, and in «Valhalla Awaits» while participating in the verses of «The Gallows tree».
So you can see that the album is less than linear and at the same time, the path isn’t tortuous in a crooked way. The arrangements are such that transitions unveil brilliantly the various moods. Their way of composing is an unpredictable mixture, versatile but consistent. All songs are unique and each brings his small feature. We do not know where it will lead us but it is comfortably and without jolts that it progresses. In any case, the atmosphere is serious and heavy and the music renders it well.
I don’t know what lays ahead for them and if we’ll be able to hear more about them on our side of the Great Atlantic Sea the Vikings once crossed to visit the Vinland and the Markland, but I’m sure this album properly distributed here to the pleasure of all the pagan dwellers would leave its mark as these great nordic sailors did on the coast of America.
Lex Ivian
