by Louis Olivier Brassard Gelinas | Nov 24, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
SACRILEGIUM (Pologne)
«Anima Lucifera»
Pagan Records
Mars 2016
Liste des pièces :
1- «Preludium»
2- «Heavenwings Shrugged»
3- «Angelus (Anima Lucifera)»
4- «Mare Tenebrarum»
5- «The Serpent Throne»
6- «…and Soul»
7- «Venomous Spell of Fate»
8- «Desiderium Immortalis»
9- «Anima Lucifera»
10- «Epilog»
***Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian.
Après une absence totale de la scène Black Metal causée par une séparation de 15 ans (2000-2015) et une absence d’album complet ayant duré 20 ans, la formation polonaise SACRILEGIUM nous revenait enfin en mars avec un album pleine longueur intitulé «Anima Lucifera». Ayant été ébloui l’an passé par la réédition remastérisée de leur chef-d’œuvre de Black Metal païen, «Wicher» (lire ma revue en cliquant ce lien), paru originalement en 1996, j’étais donc très curieux de découvrir ce que SACRILEGIUM nous offrirait en 2016. Est-ce que la troupe parviendrait à surpasser ou à rencontrer les attentes après une si longue absence? Telle était ma question de départ en entamant mes écoutes de ladite galette de plastique.
Tout d’abord, la première chose qui me sauta aux oreilles et aux yeux dès les premières écoutes de «Anima Lucifera» fut l’abandon du côté «païen» qui caractérisait autant le son que l’imagerie du groupe à ses débuts. En effet, sur ce nouvel opus, SACRILEGIUM délaisse les mélodies importées du folklore slave accompagné de «blastbeats» mur à mur pour un Black Metal teinté de Death/Thrash mélodique où on sent une forte influence de la célèbre formation suédoise Dissection. De plus, l’imagerie du groupe se veut maintenant plus luciférienne que païenne. Seule «Preludium», l’introduction, un interlude et «Epilog, la conclusion, présentent des sons nocturnes et forestiers qui rappellent le passé «païen» du groupe. Pour terminer cet aspect, je soulignerais aussi que le groupe a abandonné sa langue natale pour utiliser l’anglais et le latin, ce qui marque aussi une coupure avec le côté «folklore païen» de leur musique dans les années 1990.
Cela dit, la transformation sonore est bien opérée avec des motifs de guitare superbes, mélodiques et entraînant surplombant une batterie variée qui alterne entre passages groovys et «blastbeats» furieux. Les claviers prennent aussi du recul par rapport au rôle constant qu’ils avaient sur «Wicher». Si à cette époque les nappes de claviers en fond sonore omniprésentes caractérisaient la musique des Polonais, maintenant ils ont un rôle plus circonscrit à introduire certaines pièces ou à en rehausser quelques passages sporadiques.
L’approche vocale non orthodoxe adoptée par Nantur Aldaron, contribue aussi à distinguer le nouveau SACRILEGIUM du lot. Effectivement, celui-ci place son chant de façon plus viscérale que purement musicale en suivant des patrons non conventionnels par rapport à ce qui se fait habituellement dans ce type de Death/Black mélodique. De plus, comparativement au passé, sa voix râpeuse prend une tonalité sensiblement plus grave que ce qu’on pouvait entendre sur «Wicher».
Enfin, au chapitre de la production, la troupe polonaise nous présente un son très moderne et léché, délaissant le caractère crasseux du Black Metal des années 1990. Bien que cela leur permette de mieux mettre en valeur des compositions plus subtiles et nuancées que leurs œuvres précédentes, l’excès de propreté est peut-être à craindre ici, car j’ai constaté un certain manque de spontanéité et d’atmosphère au cours de mes nombreuses écoutes. Cependant, il va de soi que ce type de production est plus adapté à montrer les fioritures plus élaborées de leurs nouvelles pièces.
En somme, avec «Anima Lucifera», SACRILEGIUM marque un changement de style qui rend toute comparaison avec leurs efforts précédents difficile, délaissant le Black païen typiquement slave pour un Death/Black mélodique rappelant l’école suédoise des Dissection, Dawn, Sacramentum et compagnie. Si le groupe maintient certains aspects propres à lui, notamment en ce qui a trait au vocal, le changement sera sans doute surprenant pour ceux qui s’attendaient à une poursuite de ce qu’ils faisaient il y a quinze à vingt ans et il demeure difficile de se prononcer à savoir si le groupe n’a pas perdu un pan de sa personnalité propre à travers une longue pause et un changement stylistique. Toutefois, des motifs de guitare très intéressants et une production moderne de qualité en appelleront certainement à de nouveaux fanatiques pour SACRILEGIUM, même si certains de leurs aficionados de la première heure descendront peut-être en gare.
Pièces favorites: «Heavenwings Shrugged» et «Anima Lucifera».
7/10
Louis-Olivier «Winterthrone» Brassard-Gélinas (Rédaction)
Lex Ivian (Édition)
After a total absence of the Black Metal scene caused by a separation of 15 years (2000-2015) and a complete absence of album lasting 20 years, the Polish group SACRILEGIUM finally returned in March with a full length album entitled «Anima Lucifera». Having been dazzled last year by the remastered reissue of their pagan Black Metal masterpiece, «Wicher» (click here to read my review), originally released in 1996, I was very curious to discover what SACRILEGIUM would offer us in 2016. Would the troupe manage to surpass or meet expectations after such a long absence? That was my question when starting my listening of the said album.
First of all, the first thing that caught my ears and eyes from the first listenings of «Anima Lucifera» was the abandonment of the pagan side that characterized both the sound and the imagery of the group at its beginnings. Indeed, on this new opus, SACRILEGIUM abandons the melodies imported from the Slavic folklore accompanied by blastbeats for a Black Metal tinged with Melodic Death/Thrash where one feels a strong influence of the famous Swedish formation Dissection. Moreover, the imagery of the group is now more luciferian than pagan. Only the introduction «Preludium», an interlude and the conclusion, «Epilog», present nocturnal and forest sounds that recall the pagan past of the group. To conclude on this, I would also point out that the band abandoned their native language to use English and Latin, which also marks a break with the pagan folklore side of their music in the 1990s.
That said, the sound transformation is well operated with superb melodic and dramatic guitar patterns, overhanging varied drum beats that alternate between groovy passages and furious blastbeats. The keyboards also stand back from the constant role they had on «Wicher». If at that time, the omnipresence of keyboards in the background characteristized the music, now they have a more circumscribed role to introduce certain songs or to enhance some sporadic passages.
The non-orthodox vocal approach adopted by Nantur Aldaron also helps to distinguish the new SACRILEGIUM from the lot. Indeed, he delivers in a more visceral than purely musical fashion, following unconventional patterns compared to what is usually done in this type of Melodic Death/Black Metal. Moreover, compared to the past, his raspy voice takes on a significantly deeper tone than what could be heard on «Wicher».
Finally, in terms of production, the Polish troupe presents a very modern and licked sound, neglecting the filthy character of the Black Metal of the 1990s. Although this allows them to better showcase more subtle and nuanced compositions than their previous works, the excess of cleanliness is perhaps to be feared here, for I have observed a certain lack of spontaneity and feelings during my numerous listening sessions. However, it goes without saying that this type of production is more suitable to show the more elaborate new songs.
In short, with «Anima Lucifera», SACRILEGIUM marks a change in style that makes any comparison with their previous efforts difficult, abandoning the typically Slavic Pagan Black Metal for a Melodic Death/Black Metal reminding the Swedish school of Dissection, Dawn, Sacramentum and als. While the group maintains certain of its specific aspects, particularly with respect to the vocal, the whole change is likely to be surprising for those who expected the pursuit of what they did fifteen to twenty years ago, Difficult to decide whether the group lost a part of its own personality through a long break and a stylistic change. However, very interesting guitar patterns and a modern production of quality will certainly appeal to new fanatics for SACRILEGIUM, even if some of their aficionados of the first hour may jump off the wagon.
Favorite tracks: «Heavenwings Shrugged» et «Anima Lucifera».
7/10
Louis-Olivier «Winterthrone» Brassard-Gélinas
by Lex Ivian | Nov 22, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
LACRIMAS PROFUNDERE
«Hope is here»
Oblivion/SPV
Août 2016
Liste des pièces
1. «The Worship Of Counting Down»
2. «My Halo Ground»
3. «Hope Is Here»
4. «Aramis»
5. «A Million Miles»
6. «No Man’s Land»
7. «Pageant»
8. «You, My North»
9. «Awake»
10. «The Path Of Broken Homes»
11. «Timbre»
12. «Black Moon»
**Scroll down for English version.
Le groupe allemand de Goth Metal, LACRIMAS PROFUNDERE vient de faire paraître en août dernier le onzième album d’une discographie qui compte également deux démos et deux EP depuis sa formation en 1993 et la sortie deux ans plus tard de son tout premier «…And the Wings Embraced Us» (1995). Toujours mené par son fondateur et dernier membre original Olivier Nikolas Schmid, le groupe a fait un bon bout de chemin depuis ses débuts faisant passer sa musique du Doom Metal au Goth Metal au fil des ans pour finalement s’établir comme un chef de file de ce style avec la sortie de «Ave End» (2004) et «Filthy Notes for Frozen Hearts» (2006). Voici ce que j’ai pensé de son plus récent album, «Hope is Here», paru trois ans après «Antiadore» (2013) .
Premièrement, c’est une musique très tranquille et accessible que l’on peut facilement entendre à la radio. La musicalité est simple, mais très efficace. C’est des riffs très accessibles à tout le monde. Des belles ballades légèrement dépressives qui ne nous remontent pas le moral, mais qui font toujours du bien quand on est dans les profondeurs de nos idées les plus obscures.
Dès le début de l’album, j’ai été charmé par «The Worship Of Counting Down». J’adore la petite mélodie de guitare. J’adore la jolie voix du chanteur qui me semble parfaite pour ces paroles très profondes sur le mal de vivre dans notre société actuelle. J’aime également que la batterie s’enflamme alors que la guitare reste tranquille. Les variations musicales de tranquille à un peu plus rythmées à tranquille de nouveau me transportent et l’arrivée de la mélodie répétitive au piano crée une atmosphère romantico-nostalgique pendant que la trame des claviers à l’arrière-plan drape le tout d’un voile lancinant de désespoir.
On enchaîne ensuite avec «My Halo Ground», une pièce à la rythmique qui rappelle le New Wave et le Dark Wave mais boosté aux stéroïdes. Imaginez du Simple Minds, The Cult ou encore Fields of Nephilim en version heavy et laissez vous transporter vers le plancher de danse le plus près.
Avec «Hope is Here», on sent fortement le côté romantique bien appuyé par les orchestrations languissantes en arrière-plan. La progression bien que relativement simple construit un crescendo qui mène vers un barrage sonique qui ondoie comme les lumières changeantes d’une aurore boréale alors que le titre de la pièce servant de refrain, se veut un cri déchirant d’espoir.
Avec «Aramis» la batterie se met en évidence et sort du carcan rythmique qu’elle s’imposait depuis le début. On a ici des rythmiques atypiques qui troublent cette ambiance qui serait un peu pop sans ça.
«A Million Miles» sort un peu plus de muscles musicalement mais reste tout de même assez smooth par l’entremise de la ligne mélodique du chant. Puisant dans cette énergie plus Rock, le seul solo de guitare de l’album vient nous rappeler que LACRIMAS PROFUNDERE avait quand même un son plus heavy sur ses albums précédents.
«Pageant» est totalement particulière avec ses ambiances. Je vais dire de quoi de spécial ici, le début de la pièce m’a fait penser à Calexico et le Southwest Desert Rock avec sa guitare au son country alors que plus loin le refrain m’a fait penser à «Dark Side of the Moon» de Pink Floyd. Ça fait une pièce qui, aussi bizarre que ça puisse paraître, accompagnerait très bien «The Last Day On Earth» de Marilyn Manson sur la playlist de votre ipod.
Alors que «You, My North» se veut douce bien qu’elle offre aussi un crescendo typique de la musique de LACRIMAS PROFUNDERE, «Awake» avec ses orchestrations s’impose avec une certaine majesté. Suit l’interlude «The Path Of Broken Homes» qui n’est pas sans rappeler l’univers de Tangerine Dream avant d’enchaîner avec «Timbre», la pièce comportant les moments les plus heavy de l’album tout en gardant ce côté nostalgique. L’album se termine avec «Black Moon», un duo guitare-piano qui amène l’atmosphère appropriée afin de clore cet album telle la musique annonçant la dernière scène d’un film et cristallisant d’un même coup l’impact de celle-ci et également de toute l’histoire racontée au fil de l’album.
LACRIMAS PROFUNDERE a fait paraître son premier album concept racontant le mal de vivre d’un jeune garçon rejeté et la musique rend très bien les émotions sombres et tristes qui accompagnent les sentiments de rejet. Les pièces se succèdent en alternant le côté smooth et nostalgique avec le côté plus agressif mais ça reste quand même plus smooth que ce que le groupe nous a proposé sur ses albums précédents. Les amateurs de Katatonia, Paradise Lost et autres groupes de Goth Metal avec un penchant certain vers le doom devraient définitivement écouter cet album.
Lex Ivian
The German Goth Metal group, LACRIMAS PROFUNDERE released in August the eleventh album of a discography which also includes two demos and two EP since its formation in 1993 and the release two years later of its very first «...And the Wings Embraced Us» (1995). Always led by its founder and last original member Olivier Nikolas Schmid, the band has come a long way since its beginnings with its music moving from Doom Metal to Goth Metal over the years to finally establish itself as one of the leaders of this style with the release of «Ave End» (2004) and «Filthy Notes for Frozen Hearts» (2006). Here’s what I thought of their most recent album, «Hope is Here» released three years after «Antiadore» (2013).
First, it is very quiet and accessible music that can be easily heard on the radio. Musicality is simple, but very effective. These are riffs very accessible to everyone. It proposes beautiful, slightly depressive ballads that do not sparkle joy around, but which is good when I am in the depths of my most obscure ideas.
From the beginning of the album, I was charmed by «The Worship Of Counting Down». I love the gentle guitar melody. I love the warm voice of the singer that seems perfect for these words about the evil of living in our present society. I also like that the drum at some point ignites while the guitar remains quiet. The musical variations from quiet to a little more rhythmic to quiet again carry me and the arrival of the repetitive melody on the piano creates a romantico-nostalgic atmosphere while the keyboards in the background drape it all of a haunting veil of despair.
Follows «My Halo Ground», a rhythmic track reminiscent of the New Wave and the Dark Wave but boosted with steroids. Imagine Simple Minds, The Cult or Fields of Nephilim in Heavy mode and let yourself be transported to the nearest dance floor.
With the title track «Hope is Here», I felt strongly the romantic side well supported by the languishing orchestrations in the background. The progression, although relatively simple, builds a crescendo that leads to a sonic barrage that waves like the Northern Lights, while the title of the song used as a refrain becomes a heart-rending cry of hope.
With «Aramis» the drums highlight and leave the rhythmic shackles bounding it from the beginning. Here, atypical rhythms disturb this atmosphere that would be a little pop without it.
«A Million Miles» releases a little more muscles musically but remains quite smooth through the melody line of the lyrics. Drawing in this energy more Rock, the only guitar solo of the album reminds me that LACRIMAS PROFUNDERE can be heavier than what I heard so far.
«Pageant» is totally unique with its country music guitar, reminding me of Calexico and the Southwest Desert Rock, while the refrain brought to my mind «Dark Side of the Moon» from Pink Floyd. It gives a song that, as weird as it can seem, would mix perfectly with Marilyn Manson‘s «Last Day On Earth» on the playlist of your ipod.
While «You, My North» is gentle though it also offers a crescendo typical of the music of LACRIMAS PROFUNDERE, «Awake» with its orchestrations imposes itself with a certain majesty. Follow the interlude «The Path Of Broken Homes» which reminded me of the universe of Tangerine Dream before continuing with «Timbre», the track featuring the heaviest moments of the album while keeping this nostalgic side. The album ends with «Black Moon», a guitar-piano duo that brings the appropriate atmosphere to close this album as the music announcing the last scene of a film and crystallizing at the same time the impact of this last scene and also at the same time of the whole story told throughout.
LACRIMAS PROFUNDERE released its first concept album in its career relating the story of a little boy rejected, outcast cause he is not like the other ones and the songs conveys all the dark and sad emotions usually coupled with rejection. The songs follow one another alternating the smooth and nostalgic side with the more aggressive side but still, it is the smoothest album it offered so far. Fans of Katatonia, Paradise Lost and other Goth Metal bands with a definite inclination towards doom should definitely listen to this album.
Lex Ivian
by Blytch | Nov 21, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
EYES WIDE SHOT
«Back From Hell»
autoprod
7 Octobre 2016
Liste des pièces
1 – «Waiting In Vain»
2 – «A Glimpse Of Me»
3 – «My Redemption»
4 – «Lost For You»
5 – «Lisp Off My Lips»
6 – «Back From Hell»
7 – «Under The Knife»
8 – «Living The Dream»
9 – «See What I’ve Seen»
10 – «Watch Me» (feat. Boots)
***Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian.
N’ayant point connu l’EP d’EYES WIDE SHOT sorti en 2013, je découvre directement le quatuor français avec son album «Back From Hell», dont je vais vous évoquer d’emblée le concept, car il y en a un derrière allant plus loin qu’un simple enchainement de tracks.
Effectivement, avant d’entrer dans le vif du sujet, sachez que ce disque conte une histoire, à savoir celle d’une personne désirant intégrer le si attractif et perfide show-business. La pochette nous le démontrant justement, avec ce même gaillard ayant un sacré retour en bouche de tout ce qu’il a avalé de faux-semblants dans ce milieu. Je connais particulièrement bien ce dernier puisque c’est mon domaine et effectivement tout n’est que vent et trahisons, mais en réalité chaque univers est ainsi et reflète juste ce qu’est la vie tout court. Espérons donc que cela puisse faire réfléchir certain(e)s idéalisant ce monde du spectacle, qui rince mentalement jusqu’à plus soif un maximum de gens en coulisses et sur scène. Pourtant, nombreux seront ceux à ne même pas s’en apercevoir, alors que ce ne sont pas des couteaux qui sont plantés dans leur dos, mais des haches, des katanas, la lance de Rahan…
Et bien EYES WIDE SHOT c’est un peu tout ça, secoué dans un bocal de Metalcore comme «Waiting In Vain» et «A Glimpse Of Me» le prouvent. Cependant, on dénote également quelques touches électroniques et celles-ci auront droit de se faire plus importantes lors de l’introduction de «My Redemption», ainsi qu’en début de dernier tiers. Les effets deviennent à partir de là de plus en plus présents, mais en agissant par de brefs passages, comme au départ de «Lost For You». Tandis qu’entre deux tentatives très marquées, on replonge dans une puissance rock aux accents Metal.
Le band n’en oublie cependant pas de parfois laisser retomber la sauce, comme au cours de la chanson «Back From Hell», afin de mieux la faire remonter par la suite. Il sait également proposer des refrains assez catchy, particulièrement celui du titre «Under The Knife», que l’on pourra aisément reprendre en chœurs. Ceci sans omettre les «oh oh oh oh oh» de «See What I’ve Seen». On imagine déjà la puissance fédératrice que ce passage devrait posséder en concert, avec un public s’éclatant dessus. Mais quelque part celui que l’on retiendra le plus n’est autre que le final du CD, «Watch Me». L’ambiance se démarquant grandement de ce que l’on a entendu jusqu’ici avec EYES WIDE SHOT. Cela pourra d’ailleurs ne pas plaire à une frange des auditrices/eurs ayant adoré les 9 pistes précédentes. Pour ma part ça ne marche pas ainsi, au contraire même. Je ne peux pas affirmer qu’il s’agit de ma favorite de l’album, car ce serait réducteur, mais évidemment son atmosphère nouvelle fait qu’elle me colle plus en tête. D’ailleurs, je vous en mets une version en spectacle ici bas bien que, comme mentionné, elle ne représente pas le son typique d’EYES WIDE SHOT.
Puissant et à la fois accrocheur par certains passages prévus spécialement pour ça, «Back From Hell» nous narre un parcours symbolique de notre monde. Souhaitons juste que les membres d’EYES WIDE SHOT ne deviennent pas eux aussi des escrocs de ce milieu.
Blytch
I did not know about the EP EYES WIDE SHOT released in 2013, I just discovered the French quartet with its album «Back From Hell», from which I will tell you from the outset the concept, because there is one behind the album. It goes beyond a simple gathering of tracks.
Indeed, before entering the heart of the matter, know that this record tells a story, namely that of a person wishing to integrate the so attractive and perfidious world of showbusiness. The cover artwork depicts it precisely, with this same fellow having a backwave of all that he swallowed in this world. I know the latter particularly well since it is my domain and indeed everything is only wind and betrayal, but in reality every universe is such and just reflects what life is all about. Let’s hope that this can make some people give it some thoughts before idealizing the big world of showbusiness, which drains mentally a maximum of people behind the scenes and on stage. However, many will never even notice it, while they have not only knives going for their back, but axes, katanas even Conan’s sword…
Well EYES WIDE SHOT is a bit of all this, served in a mix of Metalcore like «Waiting In Vain» and «A Glimpse Of Me» prove it. However, there are also some electronics involved and these will have the right to be more important in the introduction to «My Redemption», as well as for the last third. The electronic effects become more and more present from there, but acting by brief passages, like the start of «Lost For You».
The band does not forget to mellow it down sometimes, as in the song «Back From Hell», to come back ever stronger. It also knows how to propose rather catchy refrains, especially the one from «Under The Knife», which has a big sing along potential. This without omitting the «oh oh oh oh oh» from «See What I’ve Seen». We can already imagine the federating power that this passage should have in concert. But the song I will remember most is none other than the final of the album, «Watch Me». The atmosphere of this one differs greatly from what we have heard so far with EYES WIDE SHOT. This may not appeal to a bunch of listeners who loved the previous nine tracks. For my part, it does not work that way, on the contrary. I can not say that this is my favorite of the album, because it would be reductive, but obviously its new atmosphere makes it stick more into my mind.
Powerful and at the same time catchy by certain passages especially planned for that, «Back From Hell» tells us a symbolic journey of our world. We just wish that the members of EYES WIDE SHOT will not also become crooks in their world.
Blytch
by Mathieu Audet | Nov 17, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
The Neal Morse Band
«The Similitude of a Dream»
Radiant Records
11 Novembre 2016
Disc 1.
1. «Long Day»
2. «Overture»
3. «The Dream»
4. «City Of Destruction»
5. «We Have Got To Go»
6. «Makes No Sense»
7. «Draw The Line»
8. «The Slough»
9. «Back To The City»
10. «The Ways Of A Fool»
11. «So Far Gone»
12. «Breath Of Angels»
Disc 2.
1. «Slave To Your Mind»
2. «Shortcut To Salvation»
3. «The Man In The Iron Cage»
4. «The Road Called Home»
5. «Sloth»
6. «Freedom Song»
7. «I’m Running»
8. «The Mask»
9. «Confrontation»
10. «The Battle»
11. «Broken Sky/Long Day Reprise»
***Scroll down for English version.
Je ne vais pas perdre de temps à faire une introduction trop longue qui mentionne le parcours de Neal Morse, ses différents bands, etc. Je vais simplement me contenter de mentionner que pour la deuxième fois en moins de deux ans, le Neal Morse Band (Neal Morse, Mike Portnoy, Randy George, Bill Hubauer et Eric Gillette) vient de nous pondre un grand album. Il y a beaucoup de choses à dire et de points à éclaircir pour «The Similitude of a Dream» alors je me lance.
Je ne pense pas me tromper en avançant que l’album «The Similitude of a Dream» a été l’album le plus attendu de 2016 dans le monde du prog, pour trois raisons.
1. Le nom Neal Morse est généralement associé à de la musique de qualité.
2. Le hype créé par Mike Portnoy (voyez avec ce lien).
3. Au fur et à mesure que les détails concernant l’album sortaient, l’intérêt ne faisait que grandir. Il y avait cette fois-ci encore plus de place pour les autres collaborateurs dans le groupe, autant pour la composition que pour la performance vocale. Musicalement parlant, l’album est massif, avec plus de 1h46 de musique répartie sur deux disques.
4.L’histoire est vaguement basée et adaptée sur le livre Le Voyage du Pèlerin de John Bunyan. Un album concept en bonne et due forme. Avec tout ça, c’est normal que les attentes soient hautes !
Il existe à mon avis deux types bien distincts d’albums concepts. Les albums qui sont dirigés par l’histoire, et les albums qui sont dirigés par la musique. Quand je parle d’un album dirigé par l’histoire, je pense à des albums comme «Testimony 1 et 2», «Snow» et «The Astonishing», où l’histoire sert de ligne directrice pour ensuite bâtir et faire «fitter» la musique autour. Quand je parle d’un album dirigé par la musique, je pense à des albums comme «Sola Scriptura», «Question Mark», «Scenes From a Memory» et «The Whirlwind» où la musique est (probablement) venue en premier, à laquelle une histoire a été attachée par la suite. Personnellement, j’ai une nette préférence pour les albums dirigés par la musique, parce que j’ai toujours accordé une plus grande importance à la musique qu’aux paroles ou à l’histoire, et que généralement ces albums sont musicalement excellents. Les albums que j’ai cités plus hauts figurent parmi mes favoris de tous les temps. Avec «The Similitude of a Dream», j’ai l’impression que c’est un mix des deux. C’est difficile à dire, parce qu’il y a des éléments de l’album qui sont très forts musicalement, et je sens qu’ils sont venus d’eux-mêmes pendant les sessions de composition sans devoir être attachés à une histoire. De l’autre côté, Neal Morse avait une histoire bien précise à raconter, et à quelques endroits ça me semble forcé un peu.
L’album est long, très long, trop long. Même s’il n’y a pas vraiment de longueurs dans le sens classique du terme, ni de chanson/transition ridicules (comme des bruits de machine et de robots sur un album vraiment trop long dont je vais taire le nom pour ne pas repartir dessus encore pendant deux pages), j’ai l’impression que cet album aurait eu encore plus d’impact s’il avait été épuré à un seul bon disque de 80 minutes. S’ils avaient tenu mordicus à sortir toute cette musique, deux formats auraient probablement été plus appropriés :
1. Format «The Whirlwind»: Album principal de 75-80 minutes sur le premier disque, avec les chansons bonus sur le deuxième disque. Deux des quatre chansons bonus qui sont des compositions originales sur «The Whirlwind» étaient musicalement directement liées avec les chansons du disque principal, mais ne faisaient pas partie officiellement du canon de l’histoire, et c’était très bien ainsi. Un album est habituellement évalué sur la qualité de son contenu principal, rarement sur la qualité du disque bonus, quand il y en a un. Après tout, c’est le genre de packaging qu’ils ont fait avec «The Grand Experiment». Cinq chansons sur le disque principal faisant «seulement» 52 minutes, deux compositions originales, une reprise et deux chansons live en bonus sur le deuxième disque.
2. Format «Six Degrees of Inner Turbulence»: Un disque de chansons indépendantes, et un disque avec une chanson très longue et épique qui raconte une histoire. Sur «The Similitude of a Dream», il y a certaines transitions entre les chansons qui paraissent un peu forcées. J’ai l’impression que pour certaines chansons, ça aurait été mieux qu’elles aient eu un début et une fin bien définis, comme sur un album régulier. J’ai l’impression que ça a eu un facteur limitateur sur la façon dont elles ont été écrites.
Je pense que ça vaut la peine de s’attarder sur ce point, car il a été dit en entrevue que lors de la conception de cet album, il y avait plusieurs points de vue dans le band. Mike Portnoy était contre l’idée d’un album double (»The Similitude of a Dream Theater, quelqu’un ?). Bill Hubauer voulait faire deux albums de 45-50 minutes. Neal Morse voulait explorer le concept de façon exhaustive. Alors ça a donné un album double de 1h46 minutes!
Même si l’album s’écoute relativement bien de A à Z, il y a certaines chansons qui sont clairement des transitions musicalement non nécessaires. La troisième «The Dream» et la cinquième «We Have Got to Go» en sont de bons exemples. Elles viennent beaucoup trop ralentir le rythme imposé par «Long Day»/«Overture» et l’excellente «City of Destruction». Quand je parlais d’album dirigé par l’histoire, ce sont deux chansons qui, à mon avis, ont été ajoutées par la suite pour faire couler l’histoire de façon plus linéaire. Personnellement, j’aurais enlevé ces deux chansons, et je me serais servi du ton dramatique de «City of Destruction» pour nous envoyer l’élément déclencheur en pleine face directement après l’ouverture. Les éléments expliqués par «The Dream» et «We Have Got to Go» auraient pu être utilisés de façon rétroactive (en flashbacks) dans les autres chansons de l’album, pour avoir ainsi une histoire moins linéaire.
Il y a quelques autres chansons qui auraient pu être enlevées ou dont les éléments intéressants auraient pu être mergés/résumés dans d’autres chansons. C’est le cas de «The Slough», «Confrontation» et «The Battle» qui sont des instrumentales avec des éléments intéressants, mais qui répètent souvent des thèmes qui ont été utilisés à plusieurs autres endroits sur l’album.
Parmi les chansons les mieux réussies, je dois lever mon chapeau à «Long Day/Overture» et «Broken Sky/Long Day (Reprise)» qui contiennent plusieurs éléments signature de Neal Morse et qui démontrent encore une fois tout son talent et sa facilité à composer du bon prog. «City of Destruction», «Make No Sense», «The Ways of a Fool», «So Far Gone» et «The Man in the Iron Cage» sont mes autres préférées de l’album.
«The Similitude of a Dream» est un excellent album. Je pense par contre que Mike Portnoy a mis la barre trop haute pour les attentes. Ce n’est jamais facile de faire une critique d’un album aussi complexe en peu de temps (7 écoutes complètes en 10 jours), c’est le genre d’album qu’il faut se donner beaucoup de temps et de recul pour pleinement apprécier. Mais je ne pense pas qu’il s’élèvera au statut de chef-d’œuvre aux côtés des «The Wall», «Tommy», «The Whirlwind» et «Scenes From a Memory». Tant mieux si je me trompe. Est-ce que ce sera l’album prog de l’année? Fort probablement, en partie pour sa qualité, mais aussi en partie parce que 2016 n’a pas été une très bonne année pour le prog.
Note : 9/10
Mathieu Audet (Rédaction)
Lex Ivian (Édition)
I won’t waste a lot of time with a too long introduction about Neal Morse’s career, his different bands, etc. I will simply state that for the second time in less than two years, the Neal Morse Band (Neal Morse, Mike Portnoy, Randy George, Bill Hubauer and Eric Gillette) managed to release another great album. There is much to say and clarify about «The Similitude of a Dream», so here we go.
I don’t think I am mistaken when I say that «The Similitude of a Dream» was the most hyped album of 2016 in the prog world, for three main reasons.
1. The Neal Morse name is generally associated with quality music.
2. The hyped created by Mike Portnoy (Here’s the link to see what it was all about).
3. Each time new information was revealed about the album the hype was growing. There was even more involvement from the other band members during the writing process and the vocal performance as well. The album is massive, clocking at more than 1h46 of music.
4. The story is loosely based on The Pilgrm’s Progress by John Bunyan. A concept album as it should be. With all these elements on the table, the hype is real!
There are two kinds of concept albums in my opinion. The ones that are story driven, and the ones that are music driven. When I’m talking about story driven albums, I’m referring to albums such as «Testimony 1 and 2», «Snow» and «The Astonishing», to name a few, where the story is used to build the music around it. When I’m talking about music driven albums, I’m referring to albums such as «Sola Scriptura», «Question Mark», «Scenes from a Memory» and «The Whirlwind», where the music came first, and then the conceptual lyrics are attached to it. I have a personal preference for the music driven conceptual albums, because I have always thought that the music was more important than the lyrics when you want to tell a story. With «The Similitude of a Dream», it is hard to tell whether it is a story driven album or a music driven album. Seems like it a mixture of both to me. There are very strong elements on the musical side of things, and on the other side, Neal Morse has a great story to tell. Sometimes it feels like the connection between the music and the lyrics was a bit forced.
The album is long, very long, too long. Even though there are no fillers on this album and no absurd transitions (like machines/robot sounds on an album I won’t name because I don’t want to write another two pages on it), I think that this album would have had more impact as a one disc album. If they wanted to release all this music, they could have used on of these two formats:
1. «The Whirlwind» format: Main album 75-80 minutes on the first disc and the others songs as bonus songs of the second disc. Two of the four bonus songs on «The Whirlwind» where musically tied to the main album, but where not «canon» to its story, hence the bonus disc. An album is almost always judged on it’s «main» content, not on its bonus content. It’s the kind of packaging that they used on «The Grand Experiment». Five songs on the main disc clocking at «only» 52 minutes, with two original song, a cover and two live songs as bonus content on the second disc.
2. «Six Degrees of Inner Turbulence» format: One disc with independent songs, and a second disc with a big, epic and lengthy song to tell a great story. On «The Similitude of a Dream», there are some transitions between song that are a bit forced and stretched. I think that some songs on this album should have a clear beginning and ending, like a «regular» song on a «regular» album. It feels like these songs could have been more expanded if they had not to fit with the story.
I think that the whole packaging thing is worth of a lengthy discussion, because it has been mentioned several times during interviews with the band. Mike Portnoy was against the idea of a double concept album (The Similitude of a Dream Theater, anyone?). Bill Hubauer wanted to do two 45-50 minutes albums. Neal Morse wanted to explore the concept extensively. In the end, this gave birth to this massive 1h46 minutes double concept album!
Even though you can listen to the whole album very easily, there are a few songs that are more useless transitions than real songs. It is the case with «The Dream» and «We Have Got to Go». They slow down too much the pace settled by «Long Day»/«Overture» and the excellent «City of Destruction». When I was talking about story driven albums, these two songs are a perfect example. I don’t think that these two songs where an absolute necessity. They could have used the dramatic tone of «City of Destruction» as the initiating event for the story immediately after the overture for a more confusing and in-your-face feeling, in a good way. The story that is told by «The Dream» and «We Have Got to Go» could have been easily integrated in the others songs, as a way to tell the story with flashback elements to get a less linear story.
There are some songs that could have been removed from the main story line, or some elements that could have been merged/streamlined in other songs. This is the case with «The Slough», «Confrontation» and «The Battle». They are instrumental with some interesting elements, but they also contain too many repetitions of other patterns from the rest of the album.
The greatest songs on this album in my opinion are «Long Day»/«Overture» and «Broken Sky/Long Day (Reprise)». They are the opener and the closer songs, and they contain everything we long from Neal Morse. «City of Destruction», «Make No Sense», «The Ways of a Fool», «So Far Gone» and «The Man in the Iron Cage» are my other favorites.
Make no mistake, «The Similitude of a Dream» is an excellent album. I just think that Mike Portnoy put the bar too high when he spoke publicly about the album. It is never easy to do a review of such a massive album in a short period of time (7 complete listens in 10 days). It’s the kind of album that needs time and that I am sure will grow even more on me. But I don’t think it’s THE MASTERPIECE that was promised to us. I might be wrong. Is it going to be the prog album of the year? It is very likely. In part because it is a great album, but also because 2016 was not the best year for prog.
Note: 9/10
Mathieu Audet
by Blytch | Nov 17, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
TAMAN SHUD
«Dogs And Gods»
M & O Music
28 Octobre 2016
Liste des pièces
1. «Dogs And Gods»
2. «The Lament Of A Black Cat»
3. «Last Effect»
4. «The Only Light In This Room»
5. «One Foot In The Grave»
6. «Sharks Don’t Learn To Swim»
7. «Lost In Answers»
8. «Bullet And Glove»
9. «Until We Hit The Wall»
***Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian.
Avec un EP en poche réalisé dans l’urgence selon les propres termes de l’un des membres du groupe français de Stoner Metal, TAMAN SHUD est depuis passé par la case du financement participatif afin de réaliser cette fois-ci un album: «Dogs and Gods»!
Si l’on peut penser au tout début qu’il est clair que l’on n’a pas en face de nous une formation nous laissant entrer doucement dans son monde, par le biais d’une petite introduction, on a finalement droit à quelques secondes pas si dévastatrices. TAMAN SHUD y démontre juste qu’il a de gros instruments à faire parler, sans toutefois déployer une grande parcelle de leur énergie. Il ne faudra cependant point attendre très longtemps avant que «Dogs And Gods » ne dégaine une rage certaine, faite d’une vélocité très poussée. Ce qui tranche littéralement avec «The Lament Of A Black Cat», où l’on avance de manière plus lourde, sans se presser, avec un chant toujours plus dur. On aura quand même droit à une sacrée surprise en deuxième partie de morceau, où le mélodique et les instruments prennent place au détriment des vocaux, avec à noter une conclusion assez fine. Tout en perdurant dans cette approche massive, «The Only Light In This Room» est assurément la première chanson dont l’on reprend les paroles. Plus précisément le titre en lui-même, «The Only Light In This Room», que l’on arrive facilement à saisir à chaque intervention. Une accroche certaine pour les concerts.
Arrivé à mi-parcours, le disque propose l’interlude qui pourrait s’avérer classique chez certains courants, mais déjà bien moins chez le Stoner Metal dans lequel évolue TAMAN SHUD. «One Foot In The Grave» renvoyant en quelque sorte à une musique jouée au coin du feu, en pleine nuit, dans le désert où l’on vient de s’arrêter pour se poser un peu. Après la piste la plus courte, on passe immédiatement à la plus longue, «Sharks Don’t Learn To Swim». Y a-t-il un lien de cause à effet? Cela est loin d’être impossible. Mais peu importe, on se laisse voguer au fil de cette chanson grandement instrumentale, coupée entre deux plages par un chant reflétant une énergie Rock indéniable. Au niveau de l’interprétation vocale, «Bullet And Glove» s’avère certainement la plus riche, tant elle oscille entre douceur et noirceur.
Mettant un bon coup de santiag dans le rocher poussiéreux du Metal Stoner, TAMAN SHUD a de quoi figurer dans toutes les autoradios traversant le désert pendant des plombes, sans lasser écoute après écoute.
Blytch (Rédaction)
Lex Ivian (Édition)
Having rushed out a EP, the French group TAMAN SHUD has since gone through crowdfunding to release a full length: «Dogs and Gods»
If my first thought was that they were probably not the type to bring us gently,through a short introduction, into their world, I was finally entitled to a few seconds not so devastating to start the album. TAMAN SHUD demonstrates they carry big guns without deploying their whole power. However, it will not be long before «Dogs And Gods» brings a certain rage, delivered with a very high velocity, which literally contrasts with «The Lament Of A Black Cat», a slower but heavier track with an increasingly harsher vocal. We will have a surprise in the second part of this song, when the melody and the instruments take over to the detriment of the vocals, preparing for a rather fine conclusion. While continuing in this massive approach, «The Only Light In This Room» is certainly the first song to stimulate a sing along. More precisely the title itself, «The Only Light In This Room», which seeps in. A certain crowd grabber in concerts.
Around mid-way through, the album proposes an interlude that if a proven formula in some musical currents is much less used in Stoner Metal in which evolves TAMAN SHUD. «One Foot In The Grave» could sound like music played by the fireside, in the middle of the night, in the desert where one has just stopped to rest and sleep. After the shortest song follows the longest, «Sharks Don’t Learn To Swim». Is there a causal link? This is far from impossible. But no matter, I let myself sail through this song mostly instrumental, cut in two halves by a part with lyrics reflecting an undeniable Rock energy. At the level of the vocal interpretation, «Bullet And Glove» is certainly the richest, as it oscillates between softness and darkness.
Kicking and stomping in the dusty world of Stoner Metal, TAMAN SHUD brings what is needed to fill the speakers of any car crossing the desert under a blazing sun.
Blytch
by Marc-Andre Jobin | Nov 14, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
DARKTHRONE
«Arctic Thunder»
Peaceville Records
14 octobre 2016
Liste des pièces
1. «Tundra Leech»
2. «Burial Bliss»
3. «Boreal Fiends»
4. «Inbred Vermin»
5. «Arctic Thunder»
6. «Throw Me Through The Marshes»
7. «Deep Lake Trespass»
8. «The Wyoming Distance»
***Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian.
Même si ce groupe n’a aucunement besoin de présentation, je tiens tout de même à le faire pour les âmes qui ne le connaissent pas. DARKTHRONE est un groupe de la Norvège qui a exploré plusieurs genres dans le métal. Si leur premier album, intitulé «Soulside Journey», était un album de Death Metal, il n’a pas fallu attendre des années pour que le groupe se démarque lors de sa période Black Metal. D’ailleurs, DARKTHRONE est encore considéré comme étant l’un des groupes les plus emblématiques du Black Metal norvégien des années 90. C’est aux alentours du milieu des années 2000 que le groupe prit un virage plus axé sur le Crust/Punk et qui s’est tranquillement pas vite dirigé dans du Heavy Metal et du Speed Metal, dont «The Underground Resistance» a montré les couleurs de ces genres pour visiblement rendre hommage à des groupes comme King Diamond/Mercyful Fate, Celtic Frost, Bathory et Venom. Quatre groupes qui sont considérés comme la première vague du Black Metal et qui ont été des influences majeures pour les groupes cultes que nous connaissons aujourd’hui. DARKTHRONE est l’un des groupes les plus respectés de la scène Metal encore de nos jours.
À mon plus grand plaisir, après 3 ans d’absence, DARKTHRONE a décidé de sortir un nouvel album, intitulé «Arctic Thunder» avec huit nouvelles pièces. Si «The Underground Resistance» a été un de mes albums préférés en 2013, il était clair que j’avais de grandes attentes envers ce nouvel album. J’étais surtout curieux d’entendre vers où le groupe allait emporter son auditoire. Voyons ce que je pense du nouvel album…
Dès le départ, le groupe donne exactement le ton de l’album. C’est un retour aux sources de leurs premières années dans le Black Metal. Pour les fans de cette époque, vous allez être gâtés parce que c’est, à mon avis, dans la même veine que «Panzerfaust», et également semblable à «The Cult Is Alive», paru dans le milieu des années 2000. C’est lent, sombre, froid, mais surtout, c’est grim! Malgré ce retour aux sources de leur période Black Metal des années 90, on ne peut nier que le groupe est tout de même resté fidèle au Heavy Metal que le groupe nous a dévoilé lors de l’album précédent celui-ci. Il y a d’autres chansons où c’est beaucoup plus rapide. On peut facilement remarquer que les compositions de DARKTHRONE sont très simples sur cet album et c’est tant mieux pour une raison: pas toujours besoin de faire quelque chose de technique pour faire de la bonne musique.
En ce qui concerne le vocal, la seule chose que j’ai trouvé vraiment dommage, c’est que Fenriz ne chante aucune chanson de l’album contrairement au précédent. Si la chanson «Leave No Cross Unturned» de «The Underground Resistance», où il prend le micro, est l’une de mes chansons préférées de DARKTHRONE, j’anticipais l’entendre encore une fois sur au moins une des pièces d’«Arctic Thunder». N’empêche que Nocturno Culto fait encore une fois un travail remarquable derrière le micro. Pour la production, je n’ai pas grand-chose à dire. Fidèle à eux-mêmes, le groupe offre une très bonne production où on entend très bien les instruments et le vocal sans qu’il y ait des défauts révélateurs ou dérangeants.
En général, j’aime bien la majorité des chansons, mais deux chansons m’ont fait un peu plus décrocher malgré certains éléments intéressants. La partie la plus drôle se déroule dans les dernières secondes de l’album, moment où Fenriz s’en donne à cœur-joie à chanter quelques paroles de «Broken Wings» de Mister Mister. J’avoue que je ne savais pas c’était quoi, mais c’est en faisant des recherches que j’ai découvert d’où ça venait cette réplique. Est-ce que c’était voulu ou non? On s’en fout, les gars ont le droit de s’amuser. Si j’ai à nommer les trois chansons qui m’ont le plus plu, ça serait, dans l’ordre, «Arctic Thunder», «Tundra Leech» et «Burial Bliss».
En conclusion, «Arctic Thunder» est un très bon album qui marque à la fois un retour aux sources, au début de son ère Black Metal, mais qui en même temps garde un peu la même direction que le groupe a entreprise lors de l’album précédent, «The Underground Resistance». DARKTHRONE a beau avoir été simpliste sur cet album, le groupe a tout de même prouvé qu’on n’a pas besoin de faire quelque chose de technique pour que ça soit bon et qu’on bouge la tête. Sans être l’album de l’année, DARKTHRONE offre encore une fois un album d’une qualité remarquable et authentifiée à leur manière. Vous pouvez maintenant vous procurer votre copie physique via leur label Peaceville Records ou au magasin de disque le plus près de chez vous pour encourager le groupe. Bonne écoute.
8/10
Marc-André Jobin (Rédaction)
Lex Ivian (Correction et Édition)
Although this group needs no presentation, I would like to do it for the poor souls who do not know it. DARKTHRONE is a group from Norway who explored several genres in Metal. If its first album, entitled «Soulside Journey», was a Death Metal album, in a few years the group made a real mark during its Black Metal period. Besides, DARKTHRONE is still regarded as one of the most emblematic Norwegian Black Metal group of the 90s. It was around the mid-2000s that the group focused more on Crust/Punk and then switched towards Heavy Metal and Speed Metal, as «the Underground Resistance» visibly honor bands like King Diamond/Mercyful Fate, Celtic Frost, Bathory and Venom, four groups that are considered the first wave of Black Metal and have been major influences for cult bands we know today. DARKTHRONE is still one of the most respected groups of the Metal scene even today.
To my delight, after 3 years of absence, DARKTHRONE decided to release a new album, «Arctic Thunder» with eight new songs. If «The Underground Resistance» was one of my favorite albums in 2013, it was clear that I had high expectations for this new release. I was especially curious to hear where the band would take its audience. Let’s see what I think of the new album…
From the start, the group gives exactly the tone of the album. This is a return to their early years in Black Metal. For fans of that time, you should appreciate because it is, in my opinion, in the same vein as «Panzerfaust», and also similar to «The Cult Is Alive» released in the mid-2000s. It is slow, dark, cold, but above all, it is grim! Despite this return to their Black Metal period of the 90s, there is no denying that the group still remained faithful to the Heavy Metal brought forth in the previous album. There are other songs where it is much faster. One can easily notice that the compositions are very simple on this album and that shows one thing: no need to do something technical to make good music.
Regarding the vocal, the only thing that I found really unfortunate is that Fenriz do not sing on the album unlike the previous one. If the song «Leave No Cross Unturned» from «The Underground Resistance» where Fenriz takes the microphone, is one of my favorite songs of DARKTHRONE, I anticipated to hear him again on at least one of the songs of «Arctic Thunder». Nevertheless, Nocturno Culto is once again doing a great job behind the microphone.
I have not much to say concerning the production. True to themselves, the group offers a very good production where all the instruments and the voice are well balanced without revealing any defects.
In general, I like the majority of the songs, but two songs failed to grab my attention despite some interesting elements. The funniest part is set in the final seconds of the album, when Fenriz put all his heart in singing a few words from «Broken Wings» by Mister Mister. I confess I did not know what it was, but I did some researches to find out where it came from. Was it intended to provoke this effect? Who cares!! The guys have the right to have fun. If I have to name my best three of the album, it would be in order, «Arctic Thunder», «Tundra Leech» and «Burial Bliss».
In conclusion, «Arctic Thunder» is a very good album that marks a comeback to its early Black Metal era, but at the same time keeps walking the path laid in the previous album, «The Underground Resistance». Though DARKTHRONE presents simple compositions on this album, the group nevertheless proves it is not necessary to do anything technical to be good and stimulate headbanging all over. Without being the album of the year, DARKTHRONE again offers an album of remarkable quality undoubtedly bearing their mark. You can now get your physical copy via their label Peaceville Records or at your nearest record store. Good listening.
8/10
Marc-André Jobin
