by Francis LaBadie | Jan 19, 2017 | Critiques, Critiques d'Albums
Teramobil
«Magnitude of Thoughts»
Self-Release
Décembre 2016
Liste des pièces
1 «Terahertz»
2 «Magnitude Of Thoughts»
3 «Thanatonaut»
4 «Deconstruct Metabolism»
5 «Synchrotron»
6 «Exoteric»
7 «The Armada»
****Scroll down for English version.
Trois ans après leur premier opus, «Multispectral Supercontinuum», la formation Québécoise de Metal extrême, technique et instrumental Teramobil offre à la population son deuxième album, «Magnitude of Thoughts». Ayant fait moi-même la critique de «Multispectral Supercontinuum», j’ai décidé de maintenir la tendance et de vous faire une analyse de la nouvelle oeuvre de Teramobil. L’album fut enregistré à différents endroits (et je cite la page bandcamp):
Recording of drums done at Emery Street Studio with Seb Black,
Bass at Humanoise Studio by Mathieu Marcotte (Augury)
and guitars at Gorguts’ Luc Lemay’s Windy Hills Studio.
The album was mixed and mastered by Christian Donaldson (Cryptopsy, Beyond Creation, The Agonist) at The Grid.
Parlons maintenant du contenu.
Ça commence par un coup de snare comme une tape en plein dans la figure, puis «Terahertz» débute avec un riff de tapping de guitare qui monte progressivement en tonalité comme une angoisse, comme un suspense brutal, accompagné bien sûr d’un bon vieux blastbeat. Je l’ai déjà dit dans ma critique de «Multispectral Continuum», mais je tiens à le redire: Teramobil, c’est sans préliminaires. Ce n’est pas pour les saintes nitouches. Ça enchaîne avec une sorte de leitmotiv qui reproduit un peu la tension et la tonalité du premier riff, puis c’est là qu’il faut observer l’ouvrage tonal: les notes choisies comportent un de ces grooves, subtil, mais à la fois palpable et c’est un trait qui fait la beauté du style à Teramobil, ça groove à fond par moments. À défaut de me répéter, l’autre dimension exploitée par le groupe, est à mes oreilles, celle de l’angoisse à travers le son. Ça alterne en quelque sorte de l’un à l’autre. Le jeu de Mathieu Bérubé exploite beaucoup les harmoniques de la guitare, les sonorités stridentes et dérangeantes.
Puis vient la pièce titre: «Magnitude of Thoughts». Ça commence avec un riff gras, badass et catchy. On a droit à la basse de Forest dans le spotlight assez tôt, alors que dans un riff bien groovy, c’est lui prend le lead avec ses 6 cordes qui, malgré leur registre sonore grave, n’empêche pas le musicien derrière l’instrument d’exploiter le plus haut registre que peut atteindre le dit instrument. Ce même riff reviendra plus tard dans la pièce, donc on pourrait peut être le surnommer de «chorus» quoiqu’il est difficile d’attribuer des traits conventionnels à un groupe de musique dont l’ensemble de l’oeuvre me paraît quand même éloigné des conventions du Metal que l’on connaît. Un petit festin de dissonances fait irruption, puis ensuite, après le retour dudit «refrain» une structure un peu plus rock’n’roll prend place avec l’arrivée d’un invité sur un instrument que l’on n’aurait probablement pas envisagé d’entendre dans ce contexte là: Antoine Baril (Augury, Symbolic, Contemplator) à l’orgue. Le featuring d’Antoine apporte un méchant bon (je pense que vous allez peut-être vous tanner que j’emploie ce mot là, mais…) groove à la pièce.
Les festivités de dissonances ne ramollissent pas avec l’arrivée de la pièce «Thanatonaut». De plus, cette pièce inclut la participation d’un autre invité (à la guitare cette fois-ci): Luc Lemay de Gorguts. La pièce gagne donc en complexité et en saturation puisqu’il y a deux guitares distinctes. Il faut donc porter davantage attention pour capter toutes les subtilités dans le jeu des quatre musiciens. D’ailleurs ce n’est pas très répandu qu’un bassiste prenne parfois la place du lead dans le Metal en général mais on a cette chance là avec quelqu’un comme Forest. Son lead à la basse apporte un aspect intéressant. La pièce, dépendamment dans quel riff, est parfois un peu dure à comprendre dans son ensemble donc à des moments comme ça je préfère pour ma part me concentrer sur la mélodie de la basse qui sait faire bien plus que de soutenir la fondamentale. La musique de Teramobil, c’est comme une sorte de delirium, un peu comme une sorte de schizophrénie si je peux me permettre la métaphore, comme une condition psychologique instable dont celui qui en souffre n’est jamais à l’abri. C’est lourd dans le bon et le mauvais sens du terme, mais pour donner un bon résultat final à l’équation. Disons simplement qu’il faut avoir l’esprit robuste et être capable de sauter les barrières mentales des sons dérangeants, car derrières ces barrières se trouvent une multitude de subtilités et d’éléments artistiques ayant un niveau d’intellect très élevé.
La pesanteur du drum sera soulignée avec l’introduction de la pièce suivante, «Deconstruct Metabolism». Le jeu des cordistes est un peu plus espacé dans celle-ci, du moins au début. Les tappings au son déjanté amène une dimension quasi «science-fiction» selon moi. On dirait presque qu’on entend une sorte de technologie extraterrestre en délire. J’aime bien le fait que dans cette pièce-là, les riffs sont un peu plus espacés et on peut profiter d’un peu plus de durées de notes par moments. Mais ce ne sera pas sans un retour constant aux sons stridents de la guitare, les harmoniques, squeals, trills et là je dois couper court à mon jargon de musicien. Je vais juste ajouter que la guitare à Mathieu doit se dire des fois: «Mais qu’est-ce qui m’arrive!». S’il fait crier les humaines de la même façon que les guitares, je ne suis pas sûr si c’est sécuritaire!
C’est agréable d’entendre un son de batterie enregistré de qualité dans une production, mais également la façon de jouer d’Alexandre Dupras est un atout majeur à l’appréciation du son. Son jeu est nuancé et organique, malgré la complexité qui n’est pas accessible à tous, je peux vous dire que ce n’est pas un simple batteur à blast beats comme certains fans de Metal se plaignent souvent d’entendre dans la musique. C’est à travers la pièce «Synchrotron» que le plaisir m’a été donné de constater tout ça. Chapeau également aux choix d’accords de guitare, ils apportent une couleur spéciale, voire joyeuse, euphorique, mais il faut savoir apprécier en petites doses car le changement est rapide dans les arrangements musicaux de Teramobil. J’aime aussi quand la basse fait un son qui claque, à travers la technique du slap (je crois).
Je n’irai pas en détail dans l’analyse de chaque pièce, quoique je l’ai déja fait pour une partie de l’album… Je vais simplement ajouter que ma partie préférée de la sixième pièce, «Exoteric», est quand la basse fait un solo qui sonne joyeux (parce que c’est dans la gamme majeure). C’est probablement le moment qui respire le plus dans l’album, puis ça permet d’apprécier plus attentivement le jeu de Forest en mode soliste, avec sa précision et toutes ses subtilités.
En conclusion, «Magnitude of Thoughts» c’est 31 minutes de débauche, de groove, et c’est aussi un voyage dans un univers musical fucké à souhait mais également coloré. C’est du matériel technique et bien exécuté. Pour les fans de stock lourd, brutal et qui n’ont pas peur des sons stridents et déjantés: vous devez vous procurer «Magnitude of Thoughts» de Teramobil.
Francis LaBadie (Rédaction)
Lex Ivian (Correction)
Three years after their first opus, «Multispectral Supercontinuum», Quebec’s extreme/technical/instrumental Metal outfit Teramobil have released their second album, «Magnitude of Thoughts». Since it was me who wrote the review for «Multispectral Supercontinuum», I have decided to keep walking the same path and do an analysis of Teramobil‘s new opus. The album has been recorded in different places (the following info is from their bandcamp page):
Recording of drums done at Emery Street Studio with Seb Black,
Bass at Humanoise Studio by Mathieu Marcotte (Augury)
and guitars at Gorguts‘ Luc Lemay‘s Windy Hills Studio.
The album was mixed and mastered by Christian Donaldson (Cryptopsy, Beyond Creation, The Agonist) at The Grid.
Now, let’s talk about its content.
It starts with a single and strong snare hit, like a blow to the face, and then «Terahertz» starts with a guitar tapping riff that increases progressively in tone like an anguish, like a brutal suspense, accompanied by, of course, a good old blastbeat. I already said it in my review of «Multispectral Continuum», but I have to say it again, Teramobil, it is without any preliminaries. It is not for stiff asses. The song goes on with a sort of leitmotiv that reproduces a little bit the tension and tone of the first riff, and that’s where one must observe the tonal work: the chosen notes holds one of these subtle grooves, but which is also palpable, and that is a trait that makes the beauty of Teramobil‘s style, it is really groovy at times. I may be repeating myself, but the other dimension that is exploited by the band is, to my ears, the anguish. The music often alternates between the two. Mathieu Bérubé‘s playing often exploits the guitar’s harmonics, screeching and disturbing sounds.
And then comes the title track: «Magnitude of Thoughts». It starts with a fat, badass, and catchy riff. We get to enjoy Forest‘s bass in the spotlight pretty early, as he takes the lead with his 6 strings that, despite their low sound register, doesn’t prevent the musician behind the instrument to exploit the higher register that can be reached by said instrument. This same riff will come later during the track, therefore we could probably label it as the «chorus», though it is kind of hard to assign conventional traits to a band whose material seems to me like far from the Metal music conventions that we know. A little feast of dissonances comes in, then, after the return of said «chorus», a more rock’n’roll structure takes place with the arrival of a guest that we would have probably not expected in this musical context: Antoine Baril (Augury, Symbolic, Contemplator) playing organ. Antoine‘s featuring brings a really nice (I think you may at some point get tired of me using that word, but…) groove into the track.
The dissonant festivities don’t soften with the arrival of the track «Thanatonaut». Also, this track includes the involvement of another guest (on the guitar this time): Luc Lemay from Gorguts. The track therefore increases in terms of complexity and saturation because there is two distinct guitar parts. One must therefore pay more attention in order to capture all the subtleties in the playing of the four musicians. Besides, it is not very common that the bass player sometimes takes the lead spot in Metal in general but we sure get the opportunity to hear that with someone like Forest. His bass leads brings in an interesting aspect. The track is sometimes hard to hear as a whole (depending on the riff), thus, when it is the case I prefer to focus on the bass’ melody that can do much more than supporting the root notes. Teramobil‘s music is like some kind of delirium, like some sort of schizophrenia if I can allow myself to do that metaphor, like an instable psychological condition in which the one that suffers from it is never safe from it. It is heavy in both the good and bad meanings of the term, but in the end it gives a great result. Let’s just say that one must have a sturdy mind and be able to jump across the mental barriers sometimes brought by the disturbing sounds because behind these barriers, there is plenty of subtleties and artistic elements that have a high level of intellect.
The heaviness of the drums is highlighted in the intro of the next track, «Deconstruct Metabolism». The playing of the strings players breathes a little more in this one, at least in the beginning. The crazy sounding guitar tappings bring an almost sci-fi dimension in my opinion. It almost seems like we hear some sort of alien technology going nuts! I like the fact that in this song, there is a little bit more space in the riffing, so that we can enjoy a little more the length of some of the notes that are played. But that will not be without constantly getting back the screechy sounds of the guitar, harmonics, squeals, trills and now I have to cut short in my musician vocabulary. I will simply add that Mathieu‘s guitar must sometimes wonder: «What the hell is happening to me». If he makes women scream the same way he makes guitars scream, I’m not sure if it is safe!
It is pleasant to hear a good quality recorded drum sound in a production, but also, Alexandre Dupras‘ playing is a valuable asset to the appreciation of the sound. His playing is nuanced and organic, and despite the complexity that is not accessible for everyone, I can tell you that he’s not a simple « blast beat » drummer, which many Metal fans complain to hear often in Metal music. It is through the track «Synchrotron» that I have had the pleasure of taking that into consideration. Kudos to the choice of guitar chords also, they bring a special color, possibly happy and euphoric, but one must be able to appreciate that in small doses because changes come fast in Teramobil‘s music arrangements. I also like when the bass does a « snapping » sound, through the slap technique (I think).
I won’t go into detailed analysis of each track, though I already did it for a part of the album… I will simply add that my favorite part of the sixth track, «Exoteric», is when the bass plays a solo that sounds happy (because it is in the major scale). It is probably the moment that breathes the most in the whole album, and it allows to enjoy in a more focused way Forest‘s playing in soloist mode, with his precision and all his subtleties.
In conclusion, «Magnitude of Thoughts», it is 31 minutes of debauchery, groove, and it is also a travel inside a wicked musical universe, but also colorful. It is some technical and well executed material. For fans of heavy and brutal material, and those who are not scared of screechy and crazy sounds, you have to grab a copy of Teramobil‘s «Magnitude of Thoughts»
Francis LaBadie
by Blytch | Jan 14, 2017 | Critiques, Critiques d'Albums
REDSPHERE
«Facts»
M & O Music
Janvier 2017
Liste des pièces
1 «Intro»
2 «Mythomaniac»
3 «Burn Or Fall»
4 «Scratches On The Wall»
5 «Plastic Heart»
6 «Sound Of Despair»
7 «Falling Mirrors»
****Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian.
Outre le fait qu’il sévit à Nouméa, la capitale de la Nouvelle-Calédonie, ce qui en fait donc un groupe Français du Sud-Ouest Pacifique, on en sait que peu à propos de REDSPHERE, on ira alors droit au but en se lançant immédiatement dans son EP «Facts» venant de sortir.
Aucune idée de quoi est constituée «Intro», tant cette entrée en matière reste mystérieuse. On y perçoit au bout de quelques secondes ce qui s’avère probablement être une machine faisant toujours les mêmes gestes. Celle-ci balancée en moins de trente secondes, on découvre alors l’aspect plus violent du groupe. Ce dernier crachant son venin au travers d’un Thrash Metal qui n’est pas du genre à se calmer durant quelques instants avant de relancer la sauce.
On relève particulièrement le final des chansons, REDSPHERE semblant adorer surprendre par leur biais. Celui de «Mythomaniac» procurant d’ailleurs un drôle d’effet, puisque l’on ne sent absolument pas poindre le bout de son nez. La coupure est nette et nous envoie vers «Burn Or Fall», un morceau tout aussi dévastateur, dont le terme est également notable, mais se différenciant clairement de son prédécesseur. Cette fois-ci une chape de plomb tombe juste devant nous, on remarque donc la cassure même si elle déboule sans prévenir. «Facts» continue d’offrir un mélange entre instruments puissamment véloces et vocaux sombres tout au long de son parcours, avec parfois des touches encore plus ténébreuses au niveau de l’atmosphère.
Une bonne découverte que ce «Facts», REDSPHERE y révélant déjà une grande force, ainsi qu’une sacrée rage en une durée assez compacte. On suivra de près l’évolution du groupe.
Blytch (Rédaction)
Lex Ivian (Correction et Édition)
Apart from knowing that it roams in the streets of the city of Noumea, New Caldonia’s capital, which makes it a French group from the Southwest Pacific, we do not know much about REDSPHERE so we will go straight to the subject by immediately talking about its EP «Facts» that has just been released.
I have no idea what constitute «Intro», so this entry remains mysterious. I perceived after a few seconds what probably is a machine always doing the same gestures. The intro is wrapped in less than thirty seconds and then one discovers the more violent aspect of the group spitting its venom through a Thrash Metal which is not the type to calm down for a few moments.
We note especially the final of the songs. REDSPHERE seems to adore surprises. The final of «Mythomaniac» do produce a weird effect, since it just happens without any warning. The cut is clear and sends us to «Burn Or Fall», a song equally devastating, whose final notes are also notable, but clearly differentiated from its predecessor. This time a ton of lead falls in front of us, so we notice the break but again no warning. «Facts» continues to offer a mixture of powerfully instruments with dark vocal throughout its journey, sometimes getting in a lot darker atmosphere.
This «Facts» is a good discovery. REDSPHERE reveals already a great force, as well as a sacred rage in this rather short release. I will monitor closely the evolution of the group.
Blytch
by Lex Ivian | Jan 13, 2017 | Critiques, Critiques d'Albums
RAPHEUMET’S WELL
«The Exile»
Test Your Metal Records
Mars 2016
Liste des pièces
1 «Resurrecting The Blood Gate»
2 «The Blight of Sotath Shal»
3 «The Epic of Darmak»
4 «Crucible of Titans»
5 «Resurgence»
6 «Witch of Dark Spire»
7 «The Exile»
8 «Planetary Cenotaph»
****Scroll down for English version.
Quand j’ai reçu le deuxième album du groupe États-Uniens RAPHEUMET’S WELL, le communiqué de presse a attiré mon attention avec «complex mix of classical orchestrations, cosmic synths, and extreme metal». En poursuivant ma lecture, j’ai découvert que l’ensemble de leur œuvre musical est conceptuel et s’inscrit dans un univers fantaisiste. De plus, concept oblige, les pièces sont ordonnées sur l’album afin de raconter cette histoire épique qui se déroule durant la guerre de Soyumoth dans les plaines de Sovael et qui dépeint l’épopée des «Anciens Architectes» qui sont les propagateurs de la vie dans le cosmos.
Pour ceux intéressés par ce type de concept, j’ai vu sur leur facebook qu’ils ont retenu les services d’un dessinateur afin de mettre en images toute cette histoire et que la version graphique de toute cette saga paraîtra avec la sortie du troisième album. Bon, avant de penser à acheter le prochain album, voyons celui-ci.
Après une intro douce à la guitare, «Resurrecting The Blood Gate» entre dans un déploiement grandiose qui n’est pas sans rappeler les grands moments de Dimmu Borgir, Septic Flesh, Fleshgod Apocalypse et dans les moments les plus extrêmes, les brutalement majestueux Anorexia Nervosa. Les claviers prennent naturellement beaucoup de place et loin de se cantonner au style généralement associé au Symphonic Black Metal, ils feront également des passages dans le New Age.
«The Blight of Sotath Shal» continue dans la même veine avec les claviers saturant la trame de fond pendant que les guitares offrent des riffs techniques rapides accompagnés d’un jeu de batterie où les blastbeats pleuvent.
Bien que j’ai apprécié individuellement les deux premières pièces, j’ai trouvé qu’elles répétaient les mêmes patterns de construction et sans l’apport des vocaux lyriques féminins et des contre-atmosphères créées par les claviers, elles auraient pu ne devenir qu’un autre exercice de vitesse et de technique.
Ayant tout juste mentionné le vocal féminin opératique, je souligne également la présence d’un vocal masculin guttural de style Death Metal et d’un second de type écorché se rapprochant plus du Black Metal. La présence de trois types de vocal est une facette qui est très bien exploitée. Certains auraient peut-être préféré que le vocal Death soit un peu moins DeathCore mais en même temps, il est de plus en plus usuel dans ce type d’Extreme Modern Death Metal qui, si je fais abstraction des claviers, n’est pas sans me rappeller Black Crown Initiate.
«The Epic of Darmak» débute avec une mélodie à saveur lithurgique avant de me montrer une autre facette de leur personnalité avec un jeu beaucoup plus ludique et des structures Progressive Death comme savait les créer l’excellent groupe québécois Unexpect.
«Crucible of Titans» est venue changée l’approche préconisée avec une construction beaucoup plus lente qui vient flirter avec le Death/Doom. Et justement, à cause du tempo plus lent de la pièce, c’est là que j’ai réalisé que la sonorité synthétique et la fâcheuse tendance à offrir une rythmique de machine à coudre au bassdrum me dérangeait un peu.
S’il fallait y apporter une attention particulière pour le remarquer au sein des pièces précédentes, «Resurgence» se lance carrément dans une franche excursion des claviers dans l’Electro New Age alors qu’on aurait pu reconnaître cette mélodie sur un album d’Enya. Dès lors, sachant cela vous ne serez pas surpris de savoir que ce sera la pièce la plus vaporeuse de l’album.
«Witch of Dark Spire» poursuit dans cet atmosphère vaguement gothique qui n’est pas sans rappeler Kovenant à l’époque de «Animatronics».
Les deux dernières pièces retournent dans les extravagances brutales exploitées au début de l’album démontrant qu’ils réservaient encore quelques bijoux pour la fin.
J’ai toujours été un fan de Symphonic Metal surtout lorsque brutalité et harmonie sont aussi au rendez-vous. C’est ce auquel j’ai eu droit à la découverte de RAPHEUMET’S WELL. Si vous cherchez un album à ajouter à votre collection au côté de ceux de Anorexia Nervosa, Behemoth, Fleshgod Apocalypse, Monolith Deathcult, Septic Flesh, Dimmu Borgir, vous devez vous procurer «The Exile».
Lex Ivian
When I discovered RAPHEUMET’S WELL‘s second album, the press release caught my attention with «complex mix of classical orchestrations, cosmic synths, and extreme metal». Reading furthermore, I discovered that their whole musical work is conceptual and is part of a fantasy universe. Therefore the songs are listed on the album in order to tell this epic story that takes place during the Soyumoth’ war in the plains of Sovael and that depicts the complex saga of the Atai or Ancient Architects who are the propagators of the sentient life in the cosmos.
For those interested in this type of concept, I saw on their facebook that they just welcomed a graphic artist in order to put in images all this history and that a graphic book series of all this saga will be released with their third album. Well, before thinking about buying the next album, let’s see this one.
After a gentle guitar introduction, «Resurrecting The Blood Gate» enters a grandiose deployment that is reminiscent of the great moments of Dimmu Borgir, Septic Flesh, Fleshgod Apocalypse and in the most extreme parts, the brutally majestic Anorexia Nervosa. The keyboards naturally take a lot of space and far from confining themselves to the style generally associated with Symphonic Black Metal, they will also venture in the Electro New Age.
«The Blight of Sotath Shal» continues in the same vein with the keyboards saturating the landscape while the guitars offer fast technical riffs accompanied by furious drumming where blastbeats pour like rain.
Although I individually appreciated the first two songs, they kinda repeat the same patterns and without the contribution of the female lyrical vocal and the counter-atmospheres created by the keyboards, these songs could be only another exercise in speed and technique.
Having just mentioned the operatic female vocal, I also emphasize the presence of two male vocals: a Death Metal growl and a scream closer to Black Metal. The presence of three types of vocal is a facet that is very well exploited. Some people might have preferred the Death vocal to be a bit less DeathCore but I most say it is more and more common in this type of Extreme Modern Death Metal, which here, if I ignore the keyboards, is not without reminding me Black Crown Initiate.
«The Epic of Darmak» begins with a lithurgical flavor before showing me another facet of their personality with a composition much more playful showing Progressive Death structures like the excellent Unexpect knew how to craft them.
«Crucible of Titans» changes the vibe carried so far being a much slower song that comes flirting with Death and Doom Metal. Unfortunately, because of the slower tempo of this song, I realized that the synthetic sound of the bassdrum and the tendency to offer a sewing machine rhythm annoyed me a bit. I know it did not come anew in this song but it did not blend as well.
If it was necessary to pay special attention to notice it in the previous songs, in «Resurgence» the keyboards venture clearly into Electro New Age music with a melody that would have fitted right on Enya‘s album. From then on, knowing this you will not be surprised to learn that it will be the most ethereal song of the album.
«Witch of Dark Spire» continues in this vaguely Gothic atmosphere that is reminiscent of Kovenant at the time of «Animatronics».
The last two songs return in the brutal extravaganzas exploited at the beginning of the album demonstrating that they still reserved some gems for the end.
I have always been a fan of Symphonic Metal especially when brutality and harmony are also at the rendezvous. This is what I offered by RAPHEUMET’S WELL. If you are looking for an album to add to your collection alongside those of Anorexia Nervosa, Behemoth, Fleshgod Apocalypse, Monolith Deathcult, Septic Flesh, Dimmu Borgir, you must purchase «The Exile».
Lex Ivian
by Lex Ivian | Jan 11, 2017 | Critiques, Critiques d'Albums
URIEL
«Remains of Innocence»
Self-Release
Mars 2016
Liste des pièces
1 «Agonistes Gives Again»
2 «Wage Of Reason»
3 «Falling Angel»
4 «Dwelling Perversity»
5 «Black & White»
6 «Abstract Me»
7 «Architect of Denial»
8 «Born From Regrets»
9 «Remains of Innocence»
10 «Dies Irae»
11 «Walking Away»
****Scroll down for English version.
Quand j’ai découvert le Symphonic Metal au milieu des années 1990 avec des groupes comme les pionniers Believer (Écoutez «Trilogy of Knowledge» sur «Dimensions» (1993)) ou Tristania et Nightwish, j’ai immédiatement accroché sur la puissance que dégageait la combinaison du Metal et Classique et la beauté du contraste entre les voix Metal masculines et les voix lyriques féminines. Au fil des ans, par contre ce style s’est plus orienté vers le Power Metal avec un gros penchant vers des structures Pop et je trouvais que trop peu de groupes avaient gardé cette agressivité originelle couplée au chant lyrique féminin et orchestrations.
À l’écoute du troisième album du groupe URIEL sorti en Mars dernier, je constate avec plaisir que je retrouve tout ce qui fait un bon Symphonic Death comme je l’aime. Je dois avouer que je connais le groupe depuis plusieurs années, lui qui a été formé il y a près de dix ans, et que sa musique m’a toujours plu, principalement à cause de l’apport indéniable du violoncelle et l’utilisation judicieuse des orchestrations mais, aussi à cause de cette volonté franche d’être Death Metal à la base.
Malheureusement, c’est un peu parce que je les connais et que j’aime leur musique que ça m’a pris autant de temps avant de l’écouter. J’avais déjà décidé que c’était bon et donc je l’ai comme négligé. L’annonce de la sortie d’une vidéo le 22 janvier est ce qui me l’a rappelé et je l’ai donc finalement écouté. Voici de long en large ma vision de «Remains Of Innocence» qui vous le constaterez m’a fortement plu.
Le bruit du glissement d’une aiguille de table tournante sur un vinyl lance une intro pianotée qui précède de quelques secondes l’arrivée du reste des instruments pour «Agonistes Gives Again», une ballade aux accents Pop qui débute tout doucement l’album et permet dès la première pièce d’apprécier la jolie voix de Gaïa qui nous berce au gré des mélodies du duo violon/violoncelle. Elle permet également de constater que la production est d’excellente qualité et que tous les instruments sont parfaitement dosés dans le mix ce qui est absolument nécessaire dans une musique aussi chargée.
Avec «Wage Of Reason», le tempo s’accélère laissant pleine liberté à la guitare et à l’arrivée du vocal masculin de style Death qui, d’entrée se lance dans un échange avec le vocal féminin créant une ambiance lyrique tout en contraste bien qu’offrant la même mélodie. Déjà, il est évident qu’URIEL offre ce côté brutal qui manque trop souvent à la majorité des groupes de ce genre qui se cantonnent dans une musique plus pop et accessible. Ici, on évite ce compromis à mon grand plaisir et ça sonne méchant tout en gardant toute cette subtilité mélodique.
«Falling Angel» est un hymne Power Death puissant et je vois déjà les windmill se faire aller en show. Cette pièce a tout le côté épique et majestueux nécessaire mais a en plus, un côté hargneux bien véhiculé par le vocal masculin et la rythmique Death Metal tout en offrant une solide assise pour la contribution du violon qui fait office de soliste tout au long pour être rejoint par le clavier pour une envolée. J’ai particulièrement apprécié que le solo de guitare ait suivi dans les mêmes pas que celui de violon.
Seulement trois chansons de jouer et la barre n’arrête pas d’être relevée. J’apprécie particulièrement la diversité d’une pièce à l’autre; chaque morceau présente de belles progressions. Ils réussissent très bien à installer les rythmiques Death sur laquelle ils juxtaposent avec goût leurs mélodies classiques. C’est puissant, mélodique, varié et Gaia me démontre avec brio qu’elle n’a définitivement rien à envier à aucune des chanteuses connues du Symphonic Metal. Son registre est très intéressant et bien maîtrisé, lui évitant de trop vouloir en faire et également de répéter les mêmes formules lyriques.
À ce titre, «Dwelling Perversity» en sera un autre exemple frappant alors que Gaïa nous offre un chant qui montre bien la maîtrise de sa voix et également des mélodies. D’ailleurs, cette pièce est particulièrement intéressante avec son air de valse sur rythmique Death Metal bien appuyé encore une fois par le violon/violoncelle. Et que dire de la minute progressive au centre de la pièce. Quand je disais que la barre est mise haute, je ne blaguais pas. Quand les la-la-la sont arrivés à la fin, j’ai eu l’impression d’être entraîné à la suite du lapin dans une spirale descendante vers le monde merveilleux d’Alice.
«Black & White» ramène une autre petite intro pianotée et nous garde dans des atmosphères semblables à la pièce précédente alors que «Abstract Me» revient plus dans le style de «Wage Of Reason». Mention spéciale à la portion aux sonorités orientales au milieu de la pièce.
«Architect of Denial» débute dans une envolée Folk/Pagan mais bientôt, les orchestrations s’installent, les atmosphères changent et nous retrouvons une mélodie baroque accompagnée de l’entrée en scène du clavecin, me transportant à l’époque où j’écoutais beaucoup de musique classique du XVIIIème siècle et que la mezzo-soprano Cecilia Bartoli passait beaucoup de temps dans mon lecteur.
«Born From Regrets» est une pièce à la rythmique plus martiale mais comme toutes leurs compositions, elle évolue et devient une mélodie plus funèbre au fur et à mesure que le duo violon/violoncelle prend les commandes. Sa construction en aurait fait une excellente pièce pour terminer l’album puisque la même mesure se répète à la fin pour soutenir le solo de violon. J’aurais mis un fade out là dessus et hop finit l’album mais ils en ont pensé autrement et enchaîne avec «Remains of Innocence» qui nous ramène dans les belles folies de «Dwelling Perversity» et «Black & White» où classique et progressif se croisent mais aussi empruntent le même sentier.
«Dies Irae» est un titre évocateur dans la musique classique et fait référence au Jour du Jugement Dernier. Plus d’un groupe Metal ont évoqué ce thème et utilisé ce titre de chansons. J’avais hâte de sentir comment le tout serait présenté et à mon grand plaisir, ça a la puissance et les mélodies mélancoliques associés à l’essence lithurgique de ve chant.
C’est sur un air de lullaby que «Walking Away» s’élance pour terminer l’album. Que c’est doux d’être bercé mais URIEL n’avait pas l’intention d’en rester là et nous amener tout doucement à la fin de l’album. Il y aura encore une belle progression et une envolée Melodic Death qui approche le Power Metal viendra clore tranquillement l’album.
Vous avez pu constater à la lecture de tout ceci qu’URIEL a composé un excellent album où la variété et la subtilité créatrice sont au rendez-vous. En résumé, si vous aimez le Symphonic Metal sans le côté pop et cheesy, vous devez vous procurer «Remains Of Innocence».
Lex Ivian
When I discovered Symphonic Metal in the first part of the 1990s with bands like the pioneer Believer (Listen to «Trilogy of Knowledge» on «Dimensions» (1993)) or Tristania and Nightwish a few years after, I immediately got hooked by the power that emerged from the combination of Metal and Classical music and the beauty of the contrast between male metal voices and female lyrical voices. Over the years, however, this style evolved more towards Power Metal with a big leaning for Pop structures and too few groups had kept this original Metal aggressiveness coupled with female lyrical singing and orchestrations.
Listening to URIEL‘s third album released last March, I note with pleasure that I find everything that makes a good Symphonic Death as I like it. I must admit that I have known the band for several years, as the band was formed almost ten years ago, and its music has always appealed to me, mainly because of the undeniable contribution of the cello and the judicious use of orchestrations but also because of this real desire to be Death Metal at first.
Unfortunately, it’s a bit because I know them and I like so much its music that it took me so long to listen to this third release. It is like I had already decided that it was a good album and therefore it just stood there. The announcement of the release of a video on January 22 is what reminded me of this album and I finally got into listening to it. Here is my vision of «Remains Of Innocence» that, you will figure out, really pleased me.
The sound of a turntable needle on a vinyl launches a piano intro that precedes by a few seconds the arrival of the rest of the instruments for «Agonistes Gives Again», a ballad with a Pop accent that begins the album softly and allow right from the start to appreciate Gaïa‘s pretty voice floating along the melodies of the violin/cello duo. It also shows that the production is of excellent quality and that all instruments are perfectly dosed in the mix which is absolutely necessary in such music.
With «Wage Of Reason», the tempo accelerates giving full freedom to the guitar and introducing the male Death growls which interacts with the female vocal creating a lyrical atmosphere full of contrast although offering at times the same melody. Already, it is obvious that URIEL offers this brutal side which I like and which too often lacks in this style confined to a more pop and accessible music. Here, URIEL avoids this compromise and it sounds brutal while keeping all the melodic subtlety.
«Falling Angel» is a Power Death hymn and I already see fans going into frantic windmill at their show. This song has all the epic and majestic side necessary but has, in addition, a darker side well conveyed by the growls and the Death Metal rhythmic while offering a solid foundation for the contribution of the violin which serves as soloist throughout the song soon to be joined by the keyboard at the end for an epic duo. I really liked that the guitar solo followed in the same steps as that of the violin.
Only three songs played and the bar does not stop being raised. I appreciate particularly the diversity from one song to another, each presents nice progressions. URIEL succeeds very well in installing the Death Metal rhythmic on which it juxtaposes with taste the classical orchestrations. It is powerful, melodic, varied and Gaia demonstrates with brilliance that she has definitely nothing to envy to any of the known singers in Symphonic Metal. Her range is very interesting and well controlled, avoiding her to try to do too much and also from repeating the same lyrical formulas.
As such, «Dwelling Perversity» will be another striking example of the vocal contribution. Moreover, this song is particularly interesting being a waltz on a Death Metal rhythmic well supported again by the violin and cello. Adding to this complex composition, a progressive segment in the middle of the song shows more avenues they can explore out of their Death structures. When I said that the bar was set high, I was not joking. When the la-la-la came at the end of the song, I felt like being dragged in a downward spiral following the rabbit to the demented world of Alice in Wonderland.
«Black & White» brings back another piano intro and follows with an ambiance similar to the previous song while «Abstract Me» returns more to the style of «Wage Of Reason». A special mention for the Middle East melody very Nile-ish in the middle of the song.
«Architect of Denial» begins with a Folk/Pagan attack but soon, the orchestrations settle in, the atmosphere changes and a baroque melody accompanied by the harpsichord, brings me back to the time I was listening to a lot of eighteenth century classical music and that the mezzo-soprano Cecilia Bartoli played regularly in my music player.
«Born From Regrets» has a more martial rhythmic but like all the other compositions, it evolves and becomes a more funereal melody as the violin and cello duo takes control. Its construction would have made an excellent song to finish the album since the same measure is repeated to support the violin solo till the end of the song. I would have put a fade out there and hop finished the album… but they thought differently and «Remains of Innocence» brings me back to the beautiful follies of «Dwelling Perversity» and «Black & White» where classical and progressive music intersect but also at times follow the same path.
«Dies Irae» is an evocative title in classical music and refers to the Judgment Day with all its apocalyptic references. Many Metal bands have crafted a song around this theme and used this title so I was eager to feel how the whole thing would be presented and to my great pleasure, it has the power and the melancholic melodies associated with the lithurgical essence of this song.
It is like a lullaby that «Walking Away» starts to finish the album but URIEL did not intend to take us so smoothly to the end. There will still be a good progression and a Melodic Death portion will quietly close the album.
You can see after reading all this that URIEL has composed an excellent album where variety and creative subtlety are at the rendezvous. It is also a big step forward for the group whose music reflects a greater maturity and control of its musical direction. In short, if you like Symphonic Metal without the pop and cheesy side, you should get «Remains Of Innocence».
Lex Ivian
by Lex Ivian | Jan 10, 2017 | Critiques, Critiques d'Albums
AMELIA ARSENIC
«Carbon Black»
Blind Mice Productions
1 «Carbon Black»
2 «Concrete Heart»
3 «On The Attack»
4 «T.H.I.R.S.T.Y»
****Scroll down or English version. Translation done by Lex Ivian.
J’ai décidé de garder mon EP favori parmi ceux reçus de Blind Mice Productions pour la fin. Aujourd’hui, je vais vous parlez de l’artiste multidisciplinaire AMELIA ARSENIC de Sydney en Australie. Je dis multidisciplinaire, car elle est designer de mode, elle fait de la conception de produit de maquillage et elle compose de la musique Electro Hip-Hop. «Carbon Black» est sa première parution mais je l’avais déjà entendue sur quelques remix.
Honnêtement, c’est vraiment un style de musique que j’adore. Je ne suis pas une grosse fan de la musique populaire, mais j’ai quelques petits faibles personnels. Le mélange de Hip-Hop et de musique Electro donne un plus pour danser. Ici les beats sont à la fois puissants et très sensuels. Elle est capable de juste dire ses paroles et aussi de les chanter (rapper). J’aime bien les femmes qui rappent, ça donne un charme au genre. En plus, avec une plastique presque irréprochable et un look soigné jusqu’aux petits détails, cette jeune femme a beaucoup de potentiel pour aller très loin dans le merveilleux monde de l’Electro.
Si vous êtes du genre à aimer la musique de party, AMELIA ARSENIC est à écouter. C’est le genre d’artiste pour laquelle je me déplacerais pour aller danser comme une déchaînée sur la piste de danse pendant une de ses prestations. Je vous invite à découvrir le personnage.
Note: 9,5/10
Marie-Noëlle Anctil (Rédaction)
Lex Ivian (Correction et Édition)
I decided to keep my favorite EP among those received from Blind Mice Productions for the end. Today, I will talk about the multidisciplinary artist AMELIA ARSENIC from Sydney, Australia. I say multidisciplinary because she is a fashion designer, she produces makeup product design and she composes Electro Hip-Hop music. «Carbon Black» is her debut release but I had already heard some of her remixes.
Honestly, it’s really a style of music that I love. I’m not a big fan of popular music, but I have some small personal weaknesses. The mix of Hip-Hop and Electro music gives a plus for dancing. Here the beats are both powerful and very sensual. She is able to deliver the lyrics in spokenwords and she also have a good rap flow. I like women who rap, it gives some charm to the genre. In addition, with an almost irreproachable esthetic and a neat look right down to the smallest details, this young woman has a lot of potential to go very far in the wonderful world of Electro.
If you’re the kind to enjoy party music, AMELIA ARSENIC is for you. This is the kind of artist I would dance to her music like a raging fury on the dance floor during one of her performances. I invite you to discover her whole universe.
Note: 9,5/10
Marie-Noëlle Anctil
by Lex Ivian | Jan 8, 2017 | Critiques, Critiques d'Albums
ENIME
«Demon Inside»
Self-Release
Juillet 2016
Liste des pièces
1- «Demon Inside»
2- «Break the World»
3- «Pretty Face»
4- «Selling Fear»
5- «Lies»
6- «The Darker Side of Me»
7- «Choose a God»
8- «Dead Ended»
9- «Claiming Justice»
10- «Can’t Rewind»
11- «You Won’t Drag Me Down»
12- «Become One»
****Scroll down for English version.
Le groupe montréalais ENIME a fait paraître en juillet son premier album et après mes multiples écoutes, il est évident que les gars ont été influencés par la NWOBHM, le vieux punk et Metallica/Megadeth.
La pièce-titre «Demon Inside» débute avec une intro qui installe une atmosphère spooky et qui se fond bien avec la suite de la pièce. On sent tout de suite une énergie intéressante bien servie par les variantes du vocal qui conservent tout au long une belle harmonie avec les mélodies. Il y a une franche intention de chanter au lieu de juste gueuler. Il y a aussi plein de petits moments comme les semi-spoken words qui sont cools mais pas sans rappeler Mustaine. L’intensité est au rendez-vous et ça part très bien l’album.
«Break the World» a comme brisé la vibe de la pièce précédente. Elle a des riffs particuliers répétitifs et un vocal assez linéaire qui ne m’ont ni l’un ni l’autre accroché.
Avec «Pretty Face», j’ai un feeling Metallica-Megadeth-Testament. Il reviendra aussi fortement pour «Dead Ended» où j’ai encore eu la sensation d’un mélange de riffs de Metallica et Megadeth dans la première partie de la composition. Ça me donne toujours un drôle de feeling quand j’entends un riff, pense le reconnaître et que tout à coup, la musique part ailleurs que ce qui est l’enchaînement que ma mémoire me propose. Essayez de ne pas vous faire surprendre par le début de «Choose a God» ou le bridge de «Claiming Justice».
«Selling Fear» (Vidéo plus bas) revient me montrer ce que j’avais vu dans la première pièce de l’album. Un bon mélange de riffs pesants, une bonne section rythmique et surtout des couplets accrocheurs qui nous restent rapidement en tête.
«Lies» et «Claiming Justice» nous montrent leur côté punk avec une bouncing bass sur beat Thrash/Punk effréné. Ça a la drive de «Possessed» ou «I Shot The Devil» de Suicidal Tendencies. Mention spéciale pour le chanteur qui se crie le cœur en criant «Lies».
«The Darker Side of Me» est tout le contraire car j’ai eu l’impression que la musique faisait du stop&go et qu’elle me promenait de part et d’autres et «Choose a God» ralentit de beaucoup le niveau d’agressivité et donne un feeling Hard Rock beaucoup plus que Metal ce qui en fait une pièce catchy quasiment dansante.
Parlant de catchy, la palme revient au refrain de «Can’t Rewind» et comme il se répète en boucles pour terminer la pièce, elle aurait parfaitement terminer l’album et comme ce n’est pas le cas, je leur suggère d’en faire leur dernière pièce en concert. L’album repart pourtant pour deux autres pièces avec «You Won’t Drag Me Down», une pièce Thrash qui rappelle les meilleurs moments d’Exodus et «Become One» qui m’a rappelé que j’aurais préféré «Can’t Rewind» pour terminer l’album.
ENIME a sorti un album solide dont la production est impeccable et fait tout sonner comme de la brique. Chaque pièce prend sa juste place et il n’y a pas de remplissage. Même les soli inévitables (et tous savent que je déteste les soli de guitare à l’emporte-pièce) ne m’ont pas dérangé parce qu’ils sont bien supportés par la section rythmique qui évite de devenir générique et insipide. Par contre, l’utilisation d’introduction pour la quatrième, la sixième et la neuvième pièce m’a rendu un peu perplexe. Je comprends qu’elles servent le propos véhiculé par l’album concernant la folie humaine latente à laquelle nous sommes tous exposés au quotidien et qui menace de posséder même les plus insoupçonnés. Toutefois, lors de l’ultime utilisation, je me suis quand même demandé si ces intermèdes brisaient le momentum de l’album. En tout cas, vous le jugerez bien par vous-mêmes.
Avec une musique Thrash Old School qui ne sera pas sans rappeler le Metallica, Megadeth, Exodus et autres Testament des années 80-90 tout en ayant sa propre personnalité qui ne manque pas d’attrait, ENIME mérite votre attention si votre exploration du Thrash vous a mené vers Trivium qui n’est pas non plus sans rappeler les groupes ci-haut mentionnés.
Lex Ivian
The Montreal group ENIME released its first album in July and after my multiple listenings, it is obvious that the guys were influenced by the NWOBHM, the old punk and Metallica / Megadeth.
The title track «Demon Inside» begins with an intro that installs a spooky atmosphere and blends well with the rest of the song. I immediately feel an interesting energy well served by the variants of the vocal which present all along a beautiful harmony with the melodies. There is a real intention of singing instead of just yelling or screaming. There are also plenty of little moments like the semi-spoken words that is cool but not without recalling Mustaine. The intensity is at the rendezvous and it starts very well the album.
«Break the World» unfortunately lost the vibe of the previous song. It has particular repetitive riffs and a fairly linear vocal that did not hook me.
With «Pretty Face», I have a Metallica-Megadeth-Testament feeling. It will also come back strongly for «Dead Ended» where I still had a feeling of a mix of Metallica and Megadeth riffs in the first part of the composition. It always gives me a funny feeling when I hear a riff, think I recognize it and that suddenly the music goes elsewhere than what is the sequence that my memory offers me. Try not to be surprised by the start of «Choose a God» or the bridge of «Claiming Justice».
«Selling Fear» (Scroll up to watch the lyric video) returns to show me what I saw in the first track of the album. A good mixture of heavy riffs, a good rhythm section and especially catchy couplets that quickly sink in and stay in the head.
«Lies» and «Claiming Justice» show their punk side with a bouncing bass on a fast-forward Thrash/Punk beat. It has the drive of «Possessed» or «I Shot The Devil» of Suicidal Tendencies. A special mention for the singer who screams his heart out in «Lies».
«The Darker Side of Me» is just the opposite of fast-forward because I had the feeling that the music was doing some stop&go and was shfting side to side and then «Choose a God» slows down the level of aggressivion and gives a Hard Rock feeling much more than Metal which makes it a catchy song almost dancable.
Speaking of catchy, the palm goes to the refrain of «Can’t Rewind» and as it is repeated in loops to finish the song, it would perfectly finish the album. As it is not the case, making it their closing song in concert would fit perfectly. The album keeps going for two more songs with «You Won’t Drag Me Down », a Thrash song that reminds me the best moments of Exodus and «Become One» which reminded me that I would have preferred «Can’t Rewind» to finish the album.
ENIME has released a solid album for which the production is impeccable and makes everything hit like a ton of bricks. Each song takes its proper place and there is no filler. Even the inevitable solos (and all know that I hate guitar solos bursting out of nowhere) did not bother me because they are well supported by the rhythm section which avoids becoming generic and tasteless. On the other hand, the introductory use for the fourth, sixth and ninth songs left me a little perplexed. I understand that they serve the purpose conveyed by the album lyrics concerning latent human madness to which we are all exposed on a daily basis and which threatens to possess even the most unsuspected. However, during the ultimate use, I wondered if these interludes broke the momentum of the album. In any case, you will judge it by yourselves.
With an Old School Thrash music that will remind you of the Metallica, Megadeth, Exodus and other Testament of the 80s and 90s while having its own personality that is not without appeal, ENIME deserves your attention if your exploration of Thrash led you to Trivium which is also not without reminding the aforementioned groups.
Lex Ivian
