by Lex Ivian | Août 12, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
AUTHOR & PUNISHER
«Melk En Honing»
Housecore Records
2015
Liste des pièces
1- «The Barge»
2- «Cauterize»
3- «Shame»
4- «Future Man»
5- «Disparate»
6- «Callous and Hoof»
7- «Teething»
8- «Void, Null, Alive»
*Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian
Je n’ai aucune idée par où commencer pour vous parler de cette découverte que Lex m’a envoyée. Peut-être que plusieurs d’entre vous le connaissez déjà. C’est un artiste extraordinaire, je vous le présente, c’est Tristan Shone, un ingénieur mécanique qui vient de San Diego aux États-Unis et qui a décidé il y a environ une dizaine d’années de se concentrer à la sculpture et l’art. Il a découvert que ses oeuvres pourrait lui permettre de créer de la musique et il est maintenant à lui seul AUTHOR & PUNISHER. Il a exploré et crée diverses machines/masques qu’il utilise comme instruments de musique. Il est ce que l’on pourrait appeler un concepteur sonore à un niveau plus que professionnel. Il a sorti, en 2015, l’album «Melk En Honing» sur le label Housecore Record. Il est assez difficile d’expliquer la complexité de son exploration musicale, car comme mentionné plus haut, il n’utilise aucun instrument.
Donc, l’album commence avec la pièce «The Barge», une chanson sombre, où on l’entend chanter voire crier. Le bruit de fond ressemble à du violon accompagné de pulsations percutantes. J’aime beaucoup le mélange de style Industriel qui se mélange au Doom Metal. La deuxième pièce, «Cauterize» est très différente du côté vocal. Je trouvais que sa voix était plus clean un peu à la Pantera. J’ai un peu de difficulté à décrire le bruit qui ressemble à un instrument à cordes avec un effet très distorsionné. C’est étrange, mais vraiment cool.
La troisième pièce, «Shame» est l’une de mes pièces favorites. J’aime les deux sortes de voix qui s’accompagnent: les voix mélodieuses comme un chorus et la voix du chanteur seule. Il y a des moments d’accalmies avec un son qui ressemble à du piano. C’est vraiment une belle pièce complète. J’ai trouvé que la quatrième pièce, «Future Man» ressemblait légèrement à la deuxième sur le point musical. Mais, j’ai bien aimé l’amplification dans sa voix qui ajoute un effet de chorus.
On continue l’écoute avec la pièce «Disparate». C’est pour moi la pièce la plus sombre et si je n’avais pas su que c’était des machines qui faisaient la musique, je n’aurais jamais deviné. C’est une pièce très lugubre avec beaucoup de Noise bien qu’elle soit à la fois très clean. On entend un son de guitare, du piano, etc. Les sons qu’on perçoit sont clairs et ne semblent pas être des machines. Oui, on peut penser qu’il y a des synthétiseurs, mais c’est vraiment fascinant à l’écoute.
La sixième pièce «Callous and Hoof», est un bordel harmonique qui nous est garroché dans la face. Elle commence très smooth et bam, un mélange de Noise et de Pantera totalement démentielle commence. WOAH!!! C’est vraiment malade. Cette pièce est autant rapide et intense que smooth et il y a tellement de variations musicales. Je me dis qu’il doit être réellement brûlé après un spectacle s’il contrôle toutes ses machines là en même temps. Sérieusement, c’est un superman, ce mec.
L’avant-dernière pièce, «Teething» est plus Industriel/Doom. C’est elle que j’ai trouvé la moins intéressante de tout l’album. Je ne sais pas si elle manquait de rythme ou de musicalité. Je n’ai accroché qu’à la fin quand j’ai entendu un solo de guitare. Mais à peine une minute plus tard, elle était terminée.
On termine l’album avec la pièce «Void, Null, Alive». Une pièce qui termine bien l’album avec une musicalité brutale et hors du commun. À la moitié de la pièce, il y a une accalmie musicale plus pesante et lente. Je trouve personnellement que cette pièce représente tout le talent de Tristan. Il peut se promener dans toutes les rythmiques possibles et imaginables. Ils changent ses intonations de voix comme un pro. Les variations musicales n’ont pas l’air d’être juste synthétiques. Ça a vraiment l’air d’un groupe de musique complet avec guitare, basse, drums, et chanteur.
Sérieusement, je lève mon chapeau à cet artiste. Il a construit ses propres instruments dans des matériaux hors du commun. Il est seul et unique dans son genre. Je suis un peu déçue qu’il soit venu deux fois à Montréal dernièrement et que je l’ai manqué les deux fois. Le prochain show, je ne le manque pas. Je vous laisse avec l’une de ses performances, où il présente ses instruments et si vous voulez en savoir plus cliquez ce lien vers une entrevue que Lex a réalisé avec Tristan lors de son passage aux Katacombes de Montréal.
Marie-Noëlle Anctil (Rédaction)
Lex Ivian (Correction et Édition)
I have no idea where to begin to talk to you about this album. Perhaps many of you already know AUTHOR & PUNISHER. For those who do not know this extraordinary artist, I present you Tristan Shone, a mechanical engineer who comes from San Diego and decided about ten years ago to focus on sculpture and art. He discovered that his works of art could allow him to create music and created the solo project, AUTHOR & PUNISHER. Through this ecclectic project, he created and explored various machines/masks he used as musical instruments. He is what one might call a sound designer at a level more than professional. I discovered him with the release in 2015 of the album «Melk En Honing» on the label Housecore Record. It is quite difficult to explain the complexity of his musical exploration, because as mentioned above, he does not use any known musical instruments. So let me interest you in this album.
Te album begins with the song «The Barge» a dark song, where we hear singing even scream. The background music sounds like violin accompanied by percussive pulsations. I love Industrial music mixed with Doom Metal. The second song, «Cauterize» is very different vocally. I thought his voice was a little more clean sounding a bit like Pantera. I have a little difficulty figuring the noise that sounds like a string instrument with a very distorted effect. It is strange, but really cool.
The third song, «Shame» is one of my favorite ones. I like both kinds of vocals used: the melodious voice as a chorus and the voice of the singer alone. There are quieter moments with a sound similar to the piano. It really is a beautiful and complete song. The fourth song, «Man Future» is slightly similar musically to the second one. But I liked the amplification in his voice that adds a chorus effect.
«Disparate» is for me the darkest track and if I had not known it was machines that produce the music, I never would have guessed. This is a very gloomy song with lots of Noise although both very clean. We hear a guitar sound, piano, etc. The sounds we perceive are clear and do not appear to be machines. Yes, one can think that this is synthesizers, but it is really a fascinating listening.
The sixth song «Callous and Hoof» is a harmonic orgy thrown right at our face. It starts very smoothly and bam, a mixture of Noise and Pantera totally insane begins. WOAH!!! This is really sick. This song is so rapid and intense and then so smooth. There are so many musical variations. This song made me think that he must be really burned out after a show if he controls all his machines simultaneously. Seriously, this guy is a superman.
The penultimate song, «Teething» is more Industrial/Doom. This is the least interesting one for me cause it kind of lacked rhythm or musicality but I was hooked at the end when I heard the guitar solo. Sadly just a minute later, it was over.
The album ends with «Void, Null, Alive». It closes nicely the album with a peculiar brutal musicality. In the middle of the song, there is a moment to breathe but heavier and slower. I personally find that this song represents all the talent of Tristan. He can venture in every conceivable rhythmic. He can change his voice intonations like a pro. His musical variations do not seem to be just synthetic. It really sounds like a full band with guitar, bass, drums, and singer.
Seriously, I tip my hat to this artist. He built his own instruments in unusual materials. There is only one of his kind. I am disappointed that he came twice to Montreal recently and I missed both times. The next show, be sure i will be there. I leave you with one of his performances, where he presents his instruments and if you want more information click this link to an interview conducted by Lex with Tristan during his visit to the Katacombes in Montreal.
Marie-Noëlle Anctil
by Lex Ivian | Août 11, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
MARUTA
«Remain Dystopian»
Relapse Records
Juin 2015
Liste des pièces
1- «Genocide Interval»
2- «Hope Smasher»
3- «The Void Within»
4- «Minimal Progress»
5- «Protocol For Self Immolation»
6- «Absolutist»
7- «Stride Endlessly Through Scorched Earth» (feat. Thomas Lindberg)
8- «Submergence aka Barren Oceans Of Infinity» (feat. J, Randall)
9- «Erode» (feat. J.R. Hayes)
10- «Stand In Defeat»
11- «Remnants Of Failed Utopia»
12- «The Usurper»
13- «Durandal»
14- «Psalm For The Withered»
15-«Retun To Zero»
16- «Slaying Jehova»
17- «Immune»
*Scroll down for English version
Après avoir sorti deux albums avec Willowtip Records («In Narcosis» (2008) et «Forward Into Regression» (2011), s’être séparé (2011) puis réuni (2012), le groupe de Deathgrind floridien MARUTA a signé avec Relapse Records et fait paraître au mois de juin 2015 son troisième album «Remain Dystopian». Pour l’occasion, le temps d’une pièce pour chacun, il s’est adjoint la collaboration vocale de Tomas Lindberg (At The Gates, Disfear) et J.R. Hayes (Pig Destroyer) en plus d’ajouter quelques couches de Noise courtoisie de Jay Randall (Agoraphobic Nosebleed). À noter que les deux derniers groupes sont également sur Relapse Records. Maintenant passons à l’album.
Êtes-vous prêt? Vous êtes mieux de l’être parce que MARUTA n’y va pas de main morte. Vous allez me dire, «c’est sûr, c’est du Deathgrind». Oui mais ici ce n’est pas seulement la rapidité qui assomme, c’est la succession de riffs tout aussi catchy les uns que les autres. En plus, on passe d’un riff à l’autre avec fluidité et – je vais dire ici un mot bizarre pour du Grind – harmonie. C’est parfaitement bien construit pour que les transitions jouent justement leur rôle au lieu de donner la sensation nauséeuse de nous lâcher dans le vide jusqu’au prochain riff.
La seule place où ils ont manqué leur coup… en fait, je ne devrais pas dire «manqué leur coup». Il serait plus juste de dire «la seule place où ils n’ont pas réussi leur coup», c’est avec les collaborations. J’avoue que ce sont des gros noms et que naturellement ça m’a créé des attentes, mais elles se sont dégonflés rapidement. Les deux collaborations vocales n’ont pas amené de particularités aux pièces. Déjà, Mitchell Luna utilise deux types de vocaux dont un couvre le côté aigu amené par les collaborateurs et ni Lindberg ni Hayes ne transcendent le genre pour faire une différence significative sur leur pièce respective. Ils ne font qu’ajouter une variante du scream aigu. Ça sent la collaboration intra-label afin de mettre des noms connus sur l’album d’un groupe qu’on veut promouvoir afin de créer une étoile montante. J’ai le même feeling pour la présence de Randall, le noisemaker d’Agoraphobic Nosebleed sur «Submergence aka Barren Oceans Of Infinity». Le fait qu’il fasse une outro de noise/electro à la fin de la pièce n’amène pas grand chose qui n’aurait pu être fait avec pédales et autres gadgets pour guitares. Leur présence fait «namedropping» sur une pochette. Tant mieux si ça attire l’attention et fait vendre quelques albums de plus. En tout cas, ça m’aura fait jaser…
Bon maintenant que ceci est dit, revenons à cet excellent album où peu de moment sont perdus. Avec la majorité des pièces qui n’atteignent pas la minute et demi, il n’y a justement pas de temps à perdre et MARUTA évite le piège de la pièce à un riff répétitif comme c’est trop souvent le cas pour beaucoup de groupes de Grind. Comme je le disais plus haut, MARUTA sait composer des pièces qui marient très bien violence et mélodie ce qui donne des pièces accrocheuses qui devraient plaire à ceux qui apprécient un peu de technique, de virtuosité et d’inspiration dans la violence musicale qu’ils écoutent. Je crois fortement que MARUTA a réussi un excellent album de retour que vous devez vous procurer.
Lex Ivian
After releasing two albums with Willowtip Records ( «In Narcosis» (2008) and «Forward Into Regression» (2011), ending the group (2011) and then reuniting (2012), the Florida Deathgrind group MARUTA signed with Relapse Records and released in June 2015 its third album «Remain Dystopian». For the occasion, the time of one song each, it enlisted the vocal collaboration of Tomas Lindberg (At the Gates, Disfear) and J.R. Hayes (Pig Destroyer) and added a few layers of Noise courtesy of Jay Randall (Agoraphobic Nosebleed). Note that the latter two are also on Relapse Records. Now it is time to talk about the album.
Are you ready? You better be, because MARUTA holds no punches. You will say, «Normal, it is Deathgrind». Yes I know but here it is not just the speed that stuns, but also the succession of equally catchy riffs. In addition, riffs are changing from one to another with fluidity and – I will say here a strange word for Grind – harmony. It is perfectly built so the transitions play their role instead of giving the nauseous feeling of a freefall into the void until the next riff.
The only place they missed their shot… in fact, I should not say «missed their shot». It would be more correct to say «the only place they did not get the best out of an idea», it is with the collaborations. I admit that these guys are big names for themselves and it naturally raised my expectations, but they were swept away quickly. The two vocal collaborations did not bring anything special to the song. Already Mitchell Luna uses two types of vocal which covers the range brought by the collaborators and neither Lindberg nor Hayes transcend their vocal style to make a significant difference in their respective song. They only add a variant of the high pitch scream. It seems to me like an intra-label collaboration with well-known names put on the album of a group that is targeted to become a rising star. I have the same feeling for the presence of Randall, the noisemaker of Agoraphobic Nosebleed on «Submergence aka Barren Oceans Of Infinity». The fact that he created an outro of noise/electro at the end of the song does not bring much that could not have been done with pedals and other gadgets for guitars. Their presence look more like «namedropping» on an album sleeve. Great if it attracts attention and sells a few more albums. In any case, it allowed one more paragraph to this review…
Okay now that this is said, I go back to this excellent album where little time is lost. With the majority of the tracks that do not reach the minute and a half, there is just no time to waste and MARUTA avoids the trap of the song with only one repetitive fast riff as is too often the case for many Grind groups. As I said above, MARUTA knows how to compose songs that blend well violence and melody creating catchy songs that should appeal to those who appreciate a little technique, virtuosity and inspiration in the musical violence they listen to. I strongly believe that MARUTA released a great comeback album you need to purchase.
Lex Ivian
by Lex Ivian | Août 10, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
TOXIC AEON
«Synthetic Senses»
Octobre 2016
Liste des pièces
1- «Loading in Progress»
2- «Dermafix»
3- «Down the Drain»
4- «God Bless Amerika»
5- «The Machine Dies»
6- «Sea of Lust»
7- «Synthetic Senses»
8- «Distant Dreams»
9- «Lets Play Hard»
*Scroll down for English version. Translation done by Lex Ivian
Daedalus et Idrys de la formation Death Metal Mélodique Daedalean Complex (qui annonce sur sa page Facebook, la sortie de son 4ième album en 2017, à suivre…) ont décidé de créer un groupe Industriel/ Aggrotech/ EBM nommé TOXIC AEON. Je ne peux cacher que j’ai eu un coup de cœur instantané. C’est LE style de musique que je préfère écouter dans la vie de tous les jours. Il y a plus d’un an donc, j’assistais au premier spectacle de TOXIC AEON, au Temps Partiel à Québec. Depuis, j’ai patienté afin de pouvoir entendre une nouvelle chanson et un album. Je tiens à remercier personnellement Daedalus de m’avoir permis d’écouter une de leur pièce en pré-écoute pour me faire attendre tout ce temps. Le 3 juillet dernier, ils ont sorti une vidéo sur youtube, «God Bless Amerika». La vidéo a été tournée par le fantastique Alexis Bourdages-Chabot. Le 30 juillet 2016, à ma grande surprise, je vois sur leur page facebook que leur album «Synthetic Senses» va sortir en octobre prochain et en même temps, je reçois le dit album. Je me suis transformée en petite fille qui s’en allait déballer ses cadeaux de Noël. Et oh surprise!! Je vois mon nom dans les remerciements. Je prends donc le temps ici de remercier personnellement le groupe de m’avoir inclus dans les remerciements dans la pochette de l’album. Ça me fait un immense plaisir de contribuer à sa publicité car il fait de l’excellente musique et je lui souhaite d’aller très loin comme plusieurs groupes du Québec qui sont reconnus internationalement. Donc, après plus d’une vingtaine d’écoute en boucle, il est peut-être temps que je me calme et que je vous parle de cet album.
L’album commence avec une petite intro très intéressante, «Loading In Progress». Elle me rappelle un peu le Ministry des années 1990-2000, mais avec une petite touche de symphonie électronique. On enchaine par la suite avec la pièce «Dermafix» qui sera parfaite pour enflammer un plancher de danse. Un moment donné, on entend une fille nous parler en russe ce qui rend la pièce intrigante. Cette composition est très complète musicalement. On peut distinguer plusieurs sonorités différentes.
Dans la suivante, «Down the Drain», je reconnais les influences musicales des groupes Dawn of Ashes ou Psyclon Nine. C’est une pièce un peu plus rythmée et agressive que la précédente. Il y a quelques bridges musicaux qui donnent une agréable variation musicale, à l’écoute. «God Bless Amerika» n’est pas l’une de mes pièces préférées côté musical, mais j’aime beaucoup les paroles. Il y a un petit quelque chose de Covenant ou de Blutengel dans la voix clean de Daedalus. Une belle voix clean et virile, on adore toujours cela. C’est dans cette pièce que l’on peut entendre la majeure partie du registre vocal du chanteur. Parfois le vocal est très clean, parfois c’est un scream et parfois, c’est une voix très grave. Encore une fois, on entend une femme parler. Elle revient souvent tout au long de l’album. La pièce est musicalement plus smooth, tout en gardant beaucoup d’énergie. Vous pouvez voir la vidéo sur youtube. Visuellement, elle est très intéressante.
Pas le temps de niaiser, ça repart avec «The Machine Dies». La musicalité est pour moi un peu plus électronique et j’entend bien les influences plus EBM que Dark Industriel. Les paroles de cette pièce raconte l’histoire d’une personne qui regrette d’avoir construit une machine sans émotion qui devient son esclave tout en réalisant que jouer à Dieu avec des machines mènera au remplacement de l’humanité. Mine de rien, ce sont des paroles qui peuvent nous faire réfléchir sur l’avenir. La pièce suivante, «Sea of Lust» est l’une de mes préférées. La petite mélodie pianotée au début m’a vraiment fait accrocher. Elle se contraste très bien avec le fond musical plus percussif. Encore une fois, la voix clean de Daedalus est magnifique.
La pièce-titre de l’album, «Synthetic Senses», est selon moi l’une des meilleures. La pièce est progressive et il y a beaucoup de subtilités dans les choix sonores. Elle garde plus ou moins toujours la même symphonie mais les variations musicales sont palpables. C’est la pièce la plus longue de l’album. L’avant-dernière pièce, «Distant Dreams», est une pièce beaucoup plus douce et lente que les autres. Je trouve personnellement qu’elle donne une perspective plus DarkWave dans les moments smooth de la pièce. J’adore le clash musical entre le refrain et le reste de la pièce. Ironiquement, la dernière pièce, «Let’s Play Hard» est la première que j’ai écouté de l’album car c’est elle que mon lecteur a lancé quand j’y ai ouvert l’album. Dès les premières notes, je me suis mise à danser sur place. C’est ma pièce préférée. Elle est entraînante et elle a de belles variations musicales. C’est vraiment une pièce sur laquelle j’aimerais beaucoup me défouler sur un plancher de danse.
L’attente valait vraiment le coup. Je suis vraiment très satisfaite de cet album. Pour ceux qui aiment ce style, c’est parfait pour écouter un peu partout dans ses déplacements. Ce sont des pièces qui se glissent bien entre ses chansons favorites du même genre. En spectacle, ils sont également excellents et ils sont accompagnés par des musiciens de scène. Visuellement, ce n’est pas désagréable.
En terminant, j’ai une petite interrogation. Je possède une pièce de TOXIC AEON que je n’ai pas entendue sur l’album. Est-ce qu’il y a déjà du matériel pour un prochain album? Est ce qu’on peut entendre plus de matériel en spectacle? Je vais répondre à ces questions une prochaine fois. Disons, après le 9 octobre 2016 car j’assisterai à son spectacle à l’Alizé de Montréal qui mettra à l’affiche TOXIC AEON, Left Side Neighbour, DJ Harshangel, DJ Necrotik et DJ Ulcère Nucléaire. Pour ceux qui ont envie de découvrir de la bonne musique Indus, ça va être une belle soirée.
Marie-Noëlle Anctil (Rédaction)
Lex Ivian (Correction et Édition)
Daedalus and Idrys from the Melodic Death Metal group Daedalean Complex (which announced on its Facebook page, the release of its 4th album for 2017, stay tuned…) decided to create a group of Industrial /Aggrotech /EBM named TOXIC AEON. I can not hide that I got excited. This is THE style of music I like the most to listen to in everyday life. It has been now more than a year since I attended the first show of TOXIC AEON in their hometown and since then I have waited to hear a new song and an album. I want to personally thank Daedalus for allowing me to pre-listen to one song. On July 3rd was released a video on youtube for «God Bless Amerika». The video was shot by the fantastic Alexis Bourdages-Chabot. On July 30th, to my pleasure, I saw on its Facebook page that its album «Synthetic Senses» will come out in October and at the same time, I received the said album. I turned a little girl who was going to unwrap her Christmas presents. And surprise surprise!! I saw my name in the credits. So I take the time here to personally thank the group for including me in the acknowledgments. It gives me great pleasure to contribute to spread its name around because it makes great music and I wish TOXIC AEON to go very far as many groups in Quebec which are recognized internationally. So, after more than twenty listening in a loop, it is perhaps time that I calm down and talk to you about this album.
The album starts with a short but very interesting intro, «Loading In Progress». It reminds me of the Ministry from the years 1990-2000, but with a touch of electronic symphony. Follows «Dermafix» that will be perfect to ignite a dance floor. There is a girl talking in Russian which makes the song a bit intriguing. This composition is very full musically. I can distinguish several different sounds.
In «Down the Drain» I recognize the musical influences of Dawn of Ashes and Psyclon Nine. It is a composition a little more rhythmic and aggressive than the previous. There are some musical bridges that give a pleasant musical variation. «God Bless Amerika» is not one of my favorite musically, but I love the lyrics. There is a little something of Kovenant or Blutengel in Daedalus‘ clean vocal. I love a nice clean and manly voice. This song shows most of the vocal range of the singer. Sometimes the voice is very clean, and he can also scream or use a deep voice. Again, we hear a woman. It often recurs throughout the album. The song is musically smoother, but still keeping much energy. You can see the video on youtube. Visually, it is very interesting.
No time for fooling around, the pumping beats are back with «The Machine Dies» which is a little more electronic and I understood well the influences more EBM than Dark Industrial. The lyrics of this song tell the story of a person who regrets having built an emotionless machine that becomes his slave while realizing that playing God with machines lead to the replacement of mankind. These are words that can make us think about the future. The next song, «Sea of Lust» is one of my favorites. The piano melody at the start of the song is what caught me. It contrasts well with the more percussive background music. Again, Daedalus‘ clean vocal is beautiful.
The title track of the album, «Synthetic Senses» is in my opinion one of the best. The composition is progressive and there are a lot of subtleties in the sound choice. It keeps more or less always the same symphony but musical variations are palpable. This is the longest track of the album. The penultimate song, «Distant Dreams» is a song much softer and slower than the others. I personally find it gives a more DarkWave perspective in smooth moments of the song. I love the musical clash between the chorus and the rest of the song. Ironically, the last song, «Let’s Play Hard» is the first that I listened to the album for it is this one my drive launched when I opened the album. From the first notes, I started to dance on the spot. This is my favorite song. It is catchy and has good musical variations. It really is a song on which I would love to let off steam on the dance floor.
The wait was worth it. I am really pleased with this album. For those who like this style, it is perfect for listening whle transiting from places. Just mix them with your favorite songs of the same kind for the perfect playlist. Live on stage,, they are also excellent and they are accompanied by live musicians. Visually, it is not unpleasant.
In closing, I have a small question. I have a song of TOXIC AEON I did not hear on the album. Is it that there is already material ready for a next album? Can we hear more material during shows? I should be able to answer these questions next time. Maybe after October 9th 2016 because I will be attending its show at the Alizé in Montreal that will present TOXIC AEON with Left Side Neighbour, DJ Harshangel, DJ Necrotik and DJ Ulcère Nucléaire. For those who want to discover good Indus music, mark the date on your calendar, it will be a nice evening.
Marie-Noëlle Anctil
by Lex Ivian | Août 9, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
EYE OF NIX
«Moros»
Belief Mower Records
Novembre 2015
Re-Release of the EP with two bonus tracks
Liste des pièces
1- «Elysium Elusive»
2- «We Perish»
3- «Veil»
4- «Turned To Ash»
5- «Shroud»
6- «Optime Vero»
7- «Blood In The Fire» (bonus track)
8- «Rome Burned» (bonus track)
*Scroll down for English version
Comment commencer cette revue? Je vous avoue tout de suite que je suis encore un peu déstabilisé par ma première écoute. Dans un cas comme ça, aussi bien commencer par le début.
EYE OF NIX est un groupe de Seattle formé en 2012. Il a fait paraître un démo en 2013 et «Moros» est leur première parution officielle sortie au mois d’avril 2015. J’ai reçu le format qui est ressorti le 6 novembre agrémenté de deux pièces bonus.
Maintenant que le pedigree est livré, je suis encore un peu incertain sur ma façon de vous parler de cet album. Bon, je vais vous avouer tout de suite que cet musique se démarque définitivement de la masse ce qui dès le début est un excellent point en sa faveur mais même temps, il risque d’être rejeté du revers de la main par plusieurs.
Moi qui ne savais pas comment partir ma revue… en me relisant, je vois que ça n’a rien pour vous encourager. Mais c’est que EYE OF NIX ne fait rien non plus pour jouer les aguicheuses. Il fait sa propre musique et embarqueront bien qui voudront faire le même trip qu’eux.
Je pourrais aussi chercher des référents pour qu’on sache de quoi il s’agit mais il n’y en a pas vraiment. Bon mettons que le seul groupe que je connais qui ressemble un peu à ça est le groupe québécois Show of Bedlam. Je ne crois pas que ça avance grand monde de savoir ça à part les initiés que je salue.
Je vais donc y aller avec ce qui est venu me chercher au point de vouloir vous parler de EYE OF NIX.
– EYE OF NIX utilise une voix opératique féminine sur une musique Doom/Crust/Sludge. Un heureux mélange!! Par moment, quand Joy Von Spain utilise sa voix plus douce et grave, j’ai l’impression d’entendre Siouxsie Sioux fusionnée avec Grace Slick (Jefferson Airplane/Jefferson Starship) et ça cadre parfaitement avec le côté dark psychotique de la musique. La dame est également capable de s’enflammer et son chant crié est également bien fait.
– Le vocal masculin est plus dans un registre attendu pour le genre mais sa présence a l’avantage d’offrir un beau contraste à celle de Joy Von Spain.
– Il est impossible de prévoir ce qui arrivera dans leur musique. Euh j’aimerais bien élaborer ici mais ça dit ce que ça doit dire. Ne vous attendez donc à rien pour une écoute encore meilleure.
– D’une pièce à l’autre, il y a toujours un sentiment vaguement oppressant mais non étouffant.
Maintenant quelques commentaires concernant les pièces.
«Elysium Elusive» débute avec une vague atmosphère orientale et la sitar aurait très bien remplacé la guitare pour accompagner la superbe voix de Joy Von Spain. On se laisse transporter au son de sa voix et de la mélodie envoûtante sans soupçonner ce qui nous attend. C’est d’ailleurs une caractéristique de cet album que je vous ai mentionnée, il est impossible de prévoir ce qui arrivera. Tout doucement, je sens que la pièce monte en puissance mais jamais je n’aurais pensé qu’elle deviendrait un assaut Crust pendant que les vocalises féminines continueraient. Quel heureux mélange!!
«Veil», avec sa guitare claire, est celle qui m’a le plus amené dans l’univers dark wave des années 1980 et m’a fait penser à Siouxsie and the Banshee et aussi à The Cure et The Cult.
«Turned to Ash» débute avec une marche funèbre dont la rythmique est vaguement déformée. Et je vais dire de quoi de particulier mais pendant que j’écoutais «Turned to Ash», j’ai eu le goût d’entendre du Marlene Dietrich ou du Vera Lynn, ces icônes de la WWII qui chantaient la tristesse et l’agonie des champs de bataille.
Quand je parlais de surprendre, dans «Shroud» Joy crie et s’énerve.
«Optime Vero» m’a donné l’impression d’écouter des chants incantatoires dans le fond d’une crypte vaguement éclairée par la lueur des torches.
Avec «Blood In The Fire», j’ai eu l’impression encore une fois de me retrouver dans une salle mal éclairée où règnait également une atmosphère religieuse et je parle ici des anciens cabarets. Cette pièce a cette atmosphère bluesy mais attention car ça ne peut durer et ce blues offrira également quelques passes psychotiques.
La dernière, «Rome Burned», m’a surpris dans la façon qu’elle est mixée car j’avais vraiment l’impression que le était était surimposé sur le reste de la musique en copie-collé. Je n’avais pas ressenti ce drôle de feeling depuis les belles années du Computercore et je suis retourné écouter du xNEMISISx.
Si vous êtes à la recherche d’une musique qui est innovante, puissante et déstabilisante, je vous suggère fortement EYE OF NIX qui devrait être dans vos cordes avec son mélange de Doom, Sludge, Crust et Black totalement éclectique.
Lex Ivian
How to start this review? I must say immediately that I am still a little shaken by my first listen. In a case like this, better start from the beginning.
EYE OF NIX is a group formed in Seattle in 2012. It released a demo in 2013 and «Moros» is their first official album released in April 2015. I received the re-release that came out in November with two bonus tracks.
Now that I gave you its pedigree, I am still a little uncertain on how to talk to you about this album. Well, I can tell you right away that this music is definitely NOT for everyone which is a great point in its favor but at the same time, it is also why many may reject it without really listen to it.
WOW!! I did not know how to start my review … rereading this intro, I see that it has nothing to encourage you so far. You have to excuse me but it is in part because EYE OF NIX does nothing to be sexy but does great in shining in its own psychotic fashion way. It makes its own music and only those who want to embark on the same trip will jump on the train and enjoy its musical trip.
I could also seek references so that I could give you a clue about what it sounds like but there is not really. Well let me say the only group I know that sounds a bit like this is Montreal’s Show of Bedlam. I do not think many of you know about them except some insiders which I salute.
I guess I will go with what attracted me enough to decide me to tell you about EYE OF NIX.
– EYE OF NIX uses a female operatic voice over Doom/ Crust/ Sludge. A great but unexpected mix!! At times when Joy Von Spain uses her softer deeper voice, I feel like I hear Siouxsie Sioux merged with Grace Slick (Jefferson Airplane/ Jefferson Starship) and it fits perfectly with the psychotic dark side of the music. The lady is also capable of igniting and her screamed vocals are also well done.
– The male vocal is more expected for the genre but its presence has the advantage of offering a nice contrast to that of Joy Von Spain.
– It is impossible to predict what will happen in their music. Uh!! I would like to develop here but it says what it has to say. So for an even better listening experience, do not try to foresee the song pathways.
– From one song to another, there is always an oppressive feeling but not overpowering.
Now a few comments about the songs.
«Elysium Elusive» begins with a vague oriental atmosphere and a sitar could have easily replaced the guitar to accompany the superb voice of Joy Von Spain. Let yourself be transported to the sound of her voice and the haunting melody without trying to figure out what lies ahead. This is a characteristic of this album that I mentioned to you before, it is impossible to predict what will happen so better just go with the flow. Slowly, the song gets stronger but I never thought it would become a Crust assault while the operatic female vocals continue. What a great mix!!
«Veil» with its clear guitar is the one that brought me the most in the Darkwave universe of the 1980s and reminded me of Siouxsie and the Banshees, The Cure and also The Cult.
«Turned to Ash» begins with a funeral march rhythm which is vaguely distorted. Here I will say something special and weird for some of you but as I listened to «Turned to Ash», I felt like listening to Marlene Dietrich and Vera Lynn, these icons of WWII singing the sadness of war and the agony of battlefields.
I said you could be surprised. Well, in «Shroud», Joy unsettled me with her screams and frenzy.
«Optime Vero» gave me the impression of listening to incantatory chants at the bottom of a crypt dimly lit by torchlight.
With «Blood In The Fire», I am sent again in a dimly lit room where some kind of religious atmosphere also reigned and I speak here of the old cabarets. This song has this bluesy atmosphere cabarets were known for but be careful because it can not last and this blues will also offer some psychotic portions.
The last song, «Rome Burned» surprised me in a differnent way and this came from how it is mixed. I really felt like the keyboard was superimposed on the rest of the music like a copy-paste. I had not felt this weird feeling since the heyday of Computercore and it sent me back to listen to xNEMISISx.
So if you are looking for music that is innovative, powerful and destabilizing, I highly suggest EYE OF NIX with its mix totally eclectic of Doom, Sludge, Crust and Black.
Lex Ivian
by Lex Ivian | Août 8, 2016 | Critiques, Critiques d'Albums
BARBELITH
«Mirror Unveiled»
Grimoire Records
Novembre 2014
Liste des pièces
1- «Beyond the Envelope of Sleep»
2- «Astral Plane»
3- «Black Hole of Fractured Reflections»
4- «Reverse Fall»
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Formé en 2011, le groupe états-unien BARBELITH a fait paraître en novembre 2014 son premier album complet, «Mirror Unveiled», qui s’ajoute aux deux EP que contenait déjà sa discographie. II a fait l’objet d’une reparution sous format vinyl en juin 2015. Pourquoi vous en parler après plus d’un an. Tout simplement parce que c’est un très bon album que vous devez découvrir.
L’album débute sur un genre de jam pendant une minute qui crée un crescendo apocalyptique puis la pièce s’élance dans un Black Metal intense entrecoupé de moments plus mélodiques dans un style Post-Rock lorsque les guitares ralentissent.
Par la suite, les pièces qui suivent offre un mélange entre Atmospheric et Raw Black Metal auxquels s’ajoute des influences Post-Rock. J’avais des appréhensions en voyant que deux des compositions dépassaient les treize minutes ce qui me prédisait de longs passages hypnotiques et languissants mais oubliez-ça, les pièces ont une superbe progression et les transitions sont tellement bien orchestrées qu’elles se font sans à-coups. De plus, ce qui m’a particulièrement charmé sur cet album est la progression de la batterie afin d’atteindre le climax nécessaire pour emmener les mélodies à un autre niveau.
Ceux qui me connaissent savent que je ne tripe pas sur le Modern Black Metal et encore moins sur le Post-Black. Ce qui me gosse avec ce genre de musique est le fait que le chanteur est toujours en train de s’époumonner à l’agonie. Aussi ironique cela puisse t’il être, c’est également le cas ici mais je peux l’accepter quand c’est accordé avec un son quelconque dans la musique et non juste du criage. Ici justement, les guitares ont une tonalité que la voix vient bien compléter.
BARBELITH réussit parfaitement son mix Post-Rock/Black Metal. J’ai trouvé une ressemblance avec Deafheaven quand c’est intense et rapide et avec Alcest quand c’est vaporeux et éthéré mais peu importe car le résultat est épique. C’est un beau croisement des deux. Remarquez que si vous avez aimé le grunge (!?), vous y trouverez également des mélodies qui vous accrocheront.
Lex Ivian
Formed in 2011, BARBELITH has released in November 2014 its first full album, «Mirror Unveiled», adding to the two EPs that contained its discography. The one I have is the re-release in vinyl format in June 2015. Why talk about it after more than a year. Just because it is a very good album that you must discover.
The album begins on a kind of jam for a minute that creates an apocalyptic crescendo and the song then soars in intense Black Metal interspersed with more melodic moments in a Post-Rock style when the guitars slow down.
Thereafter, the songs which follow offer a mixture between Atmospheric and Raw Black Metal filled with Post-Rock influences. I was apprehensive seeing two compositions exceeding thirteen minutes which predicted me long passages languid and hypnotic but forget it, the songs have a beautiful progression and the transitions are so well orchestrated that they are not abrupt like it is often the case. Also, I was particularly delighted on this album by the progression of the drum to reach the climax necessary to take the songs to another level.
Those who know me know that I do not enjoy much Modern Black Metal and even less Post-Black. What bothers me with this kind of music is that the singer is always screaming in agony. Ironically, it is also the case here but I can accept it when it accompanies some instrument sound in the music and not just screaming for screaming. Here precisely, the guitars have a tone that the vocal completes very well.
BARBELITH perfectly managed its mix of Post-Rock/Black Metal. I found a resemblance with Deafheaven when it is intense and fast, and with Alcest when it is haunting and ethereal; the result is epic. It is a beautiful mix of the two styles. Note that if you like Grunge (!?), you will also find melodies that will get you into their music.
Lex Ivian
